cangaceiro-insala

L'INCREDIBILE HULK

2008-06-28T11:33:00.000-07:00

The Incredible Hulk

USA 2008

REGIA

Louis Leterrier

INTERPRETI

Edward Norton, Liv Tyler, Tim Roth, Tim Blake Nelson

SCENEGGIATURA

Zak Penn, Edward Norton

C’era davvero bisogno di un altro film su Hulk? Soprattutto i dubbi nascono spontanei se già il film precedente poteva dirsi riuscito e se non era poi così vecchio da giustificare sia il restyling del personaggio in versione cool sia l’omissione del numero due nel titolo. Ma si sa i puristi del personaggio avevano disprezzato l’originale regia di Ang Lee del film precedente, modo sublime e irripetibile di concepire i comics al cinema, e l’idea azzardata, forse folle, di trasformare il gigante verde di Stan Lee in una scusa per imbastire una tragedia scespiriana di odio tra padre e figlio entrambi peccatori di hubrìs verso Dio. Qui tutto invece diventa più facile, con le strizzate d’occhio al telefilm (l’incipit e gli occhi di Norton verde fosforescente) e molta più sciatteria verso i personaggi. Se la regia di Leterrier (Transporter e Danny the dog) è ottima sul piano spettacolare (l’inseguimento sui tetti è da cardiopalma) facendo quindi il dovere da bravo shooter travestito da regista, la sceneggiatura è qualcosa di disastroso: fa entrare in scena personaggi per poi o dimenticarseli o abbandonarli senza perché (la ragazza brasiliana dell’inizio, ma anche Mister Blue), svilisce situazioni interessanti come il rapporto tra Betty e Banner/Hulk, ma anche (soprattutto) Betty e il padre militare e, ciliegina sublime, ci regala dei dialoghi così dementi da non crederci, soprattutto nel lungo duello tra i due mostri giganti per le vie della città. L’uso della computer grafica è massiccio e non si fanno poi tanti passi avanti rispetto al già plasticoso Hulk di Ang Lee, oggetto di derisione di tanti spettatori. Per accrescere la mancanza di fantasia di molte situazioni poi è bene notare come il cattivo del film, Abominio, sia persino scandalosamente plagiato dal boss finale di “Resident Evil extiction”. A tratti non è più neanche un film, è un videogame demente che va avanti a furia di cazzotti e fondali demoliti. Gli attori fanno quel che possono dalla sempre terribile e imbolsita Liv Tyler a due attori un tempo ottimi come Norton e Roth, ma qui al minimo sindacale. Si salva solo un grandissimo William Hurt perfettamente calato nei panni dello spietato Generale Ross. Comparsa un po’ più sostanziosa del “solito” Stan Lee, autore del fumetto, questa volta vittima di una bevanda mista tra guarana e sangue ai raggi gamma. Come era lecito aspettarsi un ruolo piccolo, ma gustoso anche per l’ex Hulk Lou Ferrigno. Deludente senza dubbio e un passo indietro rispetto “Iron man”.

di Andrea Lanza

CHIAMATA SENZA RISPOSTA

2008-06-21T17:55:00.000-07:00

One Missed Call

USA 2008

REGIA

Eric Valette

INTERPRETI

Edward Burns, Shannyn Sossamon, Ana Claudia Talancón, Ray Wise

SCENEGGIATURA

Andrew Klavan

Oi oi oi ma che film brutto è questo: un (orrendo) remake di una (ottima) pellicola commerciale del regista più pazzo del pianeta, Takashi Miike. Come altro chiamare un uomo capace di girare opere come “Ichii the killer” o “Gozu”, capaci di mischiare il noir poliziesco con deliri visivi da LSD? Sarebbe dovuto uscire bene nelle premesse questo nuovo “The call” anche perché si trattava di rivisitare in chiave occidentale uno dei film meno miikiani esistenti, quindi materia sicuramente più plasmabile rispetto ai classici del regista, quelli più pazzi, scatenati ed anarchici. Ma il film fallisce comunque miseramente e nel modo peggiore. Eric Vallette è la ragione in primis del disastro: regista francese, famoso nel mondo dei fan del cinema horror per un osceno film apprezzato dai più, “Malefique”, qui alla prova del 9 con un budget di tutto rispetto dimostra tutta la sua scarsità di mestierante senza estro. A nulla serve mettere in ambienti claustrofobici manichini dalle fattezze di cadaveri se già tempo prima l’aveva fatto con diverso spirito Jaume Balagero o affidarsi ad una computer grafica così invasiva nella seconda parte da far scemare anche le buone cose viste nel primo tronco di film. Eppure all’inizio c’era sfiorata l’idea si trattasse di un buon rifacimento, capace di portare in Occidente umori di fantasmi orientali come in passato avevano fatto con ottimi risultato Takashi Shimizu con “The grudge 2” e soprattutto Verbinski con il suo “The ring”. La prima parte, contaminata da “Final destination”, con l’originale idea di animare le visioni delle future vittime del cellulare con morti e larve, è anche la migliore. Poi tutto precipita nel deja vu e se si ha come modello Miike non possono non cascare le braccia quando le scene vengono presentate in maniera tanto sciatta. Per fare un esempio vi prego di riguardarvi la sequenza dell’esorcismo in tv come viene concepita nel modello originale e come invece viene “buttata via” nel remake. Non serve piazzare ogni due per tre un crocefisso per ricordarci che siamo in Occidente se poi l’anima del film è incerta tra mille limbi. Gli attori sono uno più cane dell’altro a cominciare dal sosia di Ben Affleck, Edward Burns, fino alla promessa mancata Sossamon, ora abbonata agli horror di bassa lega (“Catacombs” su tutti). Vallette cerca di citare disastrosamente Argento in più momenti culminando con un patetico omaggio nella fase finale ad “Opera” e ad “Inferno”. Naturalmente senza le musiche adatte dei Goblin o di Emerson. Se proprio ci tenete a vedere “The call” guardate l’originale questo lasciatelo in pasto a qualche povero sventurato che non legge “Cangaceiro” e i nostri consigli.

di Andrea Lanza

INDIANA JONES E IL REGNO DEL TESCHIO DI CRISTALLO

2008-06-01T17:38:00.000-07:00

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull

USA 2008

REGIA

Steven Spielberg

INTERPRETI

Harrison Ford, Shia LaBeouf,Cate Blanchett

SCENEGGIATURA

David Koepp,George Lucas,Jeff Nathanson

Finalmente dopo tante false partenze, progetti abortiti con i più disparati attori, il mitico Indiana Jones torna per la gioia di grandi e piccini. Oddio non che tutto funzioni al meglio: Harrison Ford è incartapecorito, la regia di Spielberg incolore, le battute che si voglia ironiche sono in realtà patetiche, il ragazzino che dovrebbe prendere le redini future della serie è buono per i forni di Auswitz. Se comunque si evita di fare gli schizzinosi e capire che non siamo più ad un ristorante ma ad una trattoria, ci si può anche divertire. Del resto Indiana Jones è sempre Indiana Jones come la mamma è sempre la mamma, è un amico del quale non puoi fare a meno. Certo che Spielberg e Lucas potevano in dieci anni pensare anche ad una storia migliore che non cadesse nel patetismo fantascientifico fine a se stesso. Il film vive due anime: una farsesco parodistica e una più genuinamente fanciullesca avventurosa. È questa la parte migliore di questo quarto capitolo, quando i convenevoli vanno a farsi benedire e si entra nel vivo dell’azione. Se la prima parte è anche la più monotona , la seconda a base di conquistadores mummificati e teschi di cristallo, di inseguimenti a cavallo di jeep e sabbie mobili voraci, è sicuramente la più vivace. Tra tutte le scene quella più divertente è il lancio del serpente ad un impaurito Dr. Jones. Si annovera nella variegata lista di villain una crudele Kate Blanchet dalla chioma corvina e il fioretto micidiale. Karen Allen invece risulta inspiegabilmente il mistero più appassionante del film: perché il tempo non l’ha cambiata di una virgola? Si spera che la serie finisca qui perché troppo triste e doloroso sarebbe vedere Harrison Ford scappare da geriatria con il pisello in mano a mo di frusta. Nel complesso è un film che se non nascesse con tante aspettative sarebbe sicuramente divertente. Ma come detto Indiana Jones è Indiana Jones e parlarne davvero male è un delitto. Anche se magari se lo merita.

di Andrea Lanza

GOMORRA

2008-05-29T15:32:00.000-07:00

Gomorra

Italia 2008

REGIA

Matteo Garrone

INTERPRETI

Toni Servillo, Gianfelice Imparato, Maria Nazionale, Salvatore Cantalupo.

SCENEGGIATURA

Matteo Garrone, Nicola Saviano

Di Gomorra si è parlato tanto grazie al libro di Nicola Saviano. Di Matteo Garrone è stato giustamente osannata la capacità di penetrare la realtà italiana, quella più nera, soprattutto nei suoi ultimi due film. Quello che c'è da dire è che l'Italia aveva bisogno di un film che mettesse in gioco una guerra urbana come quella che imperversa a Napoli. Era l'uovo di Colombo, molti sicuramente ci avevano pensato ma Gomorra ha avuto il pregio di poterlo realizzare, grazie all'impatto mediatico del film. La regia doveva essere questa: vera, cruda, incisiva, presente solo in determinati momenti ma assolutamente ermetica a coloro che la Camorra, Il Sistema, lo fanno dal di dentro. Quindi una storia corale alla Amoresperros ma molto meno cinematografica, assolutamente senza necessità di spettacolarizzare ciò che è già di per se spettacolo: la guerra. E' per questo che senza ombra di dubbio siano gli attori presi dalla strada il fulcro del film. Non perchè Servillo o Cantalupo possano recitare di maniera, nè per gli altri attori del film. Perchè è la verità che parla per sè, che grida per se e trasforma un film apparentemente piccolo in un gigante dalla forza inarrestabile. Gomorra lascia poche chiacchiere da dire, Gomorra è un prodotto definitivo, emulabile ma unico. Ed inarrestabile.

di Gianluigi Perrone

IN BRUGES - LA COSCIENZA DELL'ASSASSINO

2008-05-29T14:45:00.000-07:00

In Bruges

USA 2008

REGIA

Martin McDonagh

INTERPRETI

Colin Farrell, Ralph Fiennes, Brendan Gleeson e Clémence Poésy

SCENEGGIATURA

Martin McDonagh

Che cosa è “In Bruges”? Un noir, un post-Tarantino o un post-Coen, o magari un film cartolina per la splendida città belga (che dopo aver visto nel film nessuno potrà negare la volontà di andarci un giorno). Forse, e dico forse, la classificazione è fatta per le menti poco aperte, e il regista McDonagh (premio Oscar per un corto sempre con Gleeson) di certo non è il tipo di persona che pensa di attraccarsi ad un genere solo. Li usa a seconda delle situazioni, quasi a violentare le stesse regole del genere. Prima di tutto c’è Bruges (o come appella il protagonista: questa cazzo di Bruges), luogo fatato scelto dal boss (un indiavolato Ralph Fiennes) per l’esilio/vacanza di due killer dopo un lavoro andato a male. Luogo dove i protagonisti verranno a contatto con i tipi più strani della città aspettando con ansia i tanto attesi ordini del boss. Bruges è un luogo purificatore, ma maledetto, che apre le menti ma azzera la voglio di vivere. Un luogo giusto per mettere in atto una carneficina da tragedia greca. Una città che con le sue “opere” e il suo modo di vivere diventa lo specchio della storia da raccontare. Dall’altra parte poi ci sono le soluzione narrative che non sempre sembrano azzeccate: gli espedienti sono troppi e certi personaggi sembrano funzionali solo in quanto prima o dopo verranno usati per far incastrare qualche momento fondamentale delle storia; problemi di uno script bello nei dialoghi (sia umoristici che seri) ma poco interessato a costruirci sopra una storia che stia in piedi. Niente di così grave perché alla fine i conti, anche se forzati, tornano e in fondo “In Bruges” è un film che vive di situazione che passano da una critica all’intellettualismo fine a se stesso tipico dall’Europa a un bisogno umanitario di confronto con altre tipi di culture (che poi è il punto cardine del tema del viaggio). Insomma McDonagh aggira la storia, per dire quello che vuole e come lo vuole. Assurdo infatti, tanto per fare un esempio, che un film per palati fini come questo non lesini di mostrare dettagli “gore” quasi fosse l’ultimo dei Turtured movie. “In Bruges” è l’apoteosi di come non si dovrebbe costruire un film ma è anche il film che aspettavamo da tanto tempo. Se poi ci regala un trio di interpretazioni di alto livello e almeno due scene da tramandare alla storia del cinema non può che farci piacere.

di Daniele Pellegrini

RESERVATION ROAD

2008-05-29T14:07:00.000-07:00

Reservation road

USA 2007

REGIA

Terry George

INTERPRETI

Joaquin Phoenix, Mark Ruffalo, Jennifer Connelly

SCENEGGIATURA

Terry George, John Burnham Schwartz

Ethan Learner (Joaquin Phoenix) è un professore di una piccola comunità americana. Felicemente sposato con Grace (Jennifer Connelly) e con due figli a carico cambia prospettiva di vita quando Dwight (Mark Ruffalo), un avvocato, investe suo figlio uccidendolo sulla Reservation Road per poi scappare impaurito dalle conseguenze. Film drammatico, forse troppo, questo Reservation Road, seconda opera di Terry George dopo il successo mondiale di Hotel Rwanda. La trama richiama immediatamente al cinema di Iñárritu di cui però Reservation Road a poco a cui spartire, tranne un certo gusto nell’ unire i personaggi a forza. Invece il film di George assomiglia particolarmente al cinema di Todd Field specialmente per il modo di farci entrare con occhio delle telecamera nel nucleo familiare: facendoci assaporare con metodo quasi scientifico il dramma di madri, padri e figli. Ma George non è Field e il suo film rimane in superficie. Certo non gli si chiede di avere la stessa potenza narrativa di “In the bedroom” ma provare a tirare fuori qualcosa che esuli dall’elementare connubio di “Tragedia-Dolore” non era una richiesta così grande. La storia non è in fondo credibile nel suo svolgimento e i personaggi più che veri simboli delle debolezze umane sono per lo più delle figurine con la lacrima pronta. Neanche quella sottotrama di clone del “Giustiziere della notte”, che lo poteva rendere speciale, riesce ad completarsi, in quanto il regista non ha coraggio di affondare. Insomma dire che il film è deboluccio pare quasi un complimento per un lacrima movie che non emoziona, non fa pensare ma soprattutto non riesce neanche ad completarsi nell’inspiegabile finale (la spiegazione c’è invece, ma la spartizione di dolore per il sottoscritto non è materiale da analizzare, e in fondo è troppo facile finirla così). C’è però qualcosa di “buono” in questo Reservation road: una critica a tutte le associazione per la difesa dei diritti civili (in questo caso contro i pirati della strada) rei di allontanare dalla realtà familiare le stesse vittime. Non so se è giusto criticarle, ma per lo meno nel film c’è qualcosa che non richiama direttamente ad altre pellicole. Il resto purtroppo è la solita solfa privata di emozioni. Difficile pure parlare del cast; fanno tutti il loro lavoro, ma emergere da tanto piattume era difficile. Evitabile

di Daniele Pellegrini

21

2008-05-29T13:55:00.000-07:00

Rise

USA 2008

REGIA

Robert Luketic

INTERPRETI

Jim Sturgess, Kate Bosworth, Laurence Fishburne, Kevin Spacey, Aaron Yoo, Liza Lapira, Jacob Pitts, Josh Gad

SCENEGGIATURA

Allan Loeb e Peter Steinfeld

21 vittoria grande baldoria” è la frase che continua ad echeggiare nella testa di un giovane matematico aspirante medico. La sente nei tavoli da black jack quando esce la combinazione massima, la più aspirata dai giocatori, il 21 che permette di vincere le cifre più vertiginose. A portarlo là è un professore che ha formato una vera e propria squadra di maestri del gioco d’azzardo, ragazzi che hanno usato la matematica per diventare ricchi ai tavoli da gioco. Il ragazzo è un puro, ma come sempre capita i troppi soldi lo allontaneranno dai sogni più aurei come la tanta agognata laurea in medicina ad Harvard. Poi un brutto giorno qualcuno scopre il loro sistema per fregare i casinò e cominciano i guai… “21” è un film semplice, più di confezione che di sostanza, una pellicola come tante che magari appassiona, diverte per la sua durata, ma che poi dimentichi facilmente. A tratti sembra di assistere ad un film uscito fuori dritto dritto dagli anni 80, solo che al posto di un Tom Cruise d’annata abbiamo un anonimo Jim Sturgess, un volto carino quanto si vuole, ma completamente anonimo. Un po’ come la regia di Robert Luketic, al suo attivo di famoso (o quasi) solo “La rivincita delle bionde”, che va avanti a musiche fighette ad alto volume, fotografia da Cosmpolitan e poco altro. Meglio va con le guest star: Kevin Spacey e Laurence Fishburne sono perfetti nei lorio ruoli di villain agli antipodi. La sceneggiatura, pur se citazionista (si parla di “Rain man”), non presenta grandi colpi d’ala e anche le svolte che si vorrebbero inaspettate sono per lo più prevedibili. Kate Bosword in versione bionda (la si conosceva con la chioma scura come novella Lois Lane nell’ultimo Superman) però è da eiaculazione immediata. Una delle cose davvero notevoli della pellicola. Niente di nuovo sotto il sole placido: siete avvertiti.
di Andrea Lanza

LA SETTA DELLE TENEBRE

2008-05-29T13:45:00.000-07:00

Rise

USA 2007

REGIA

Sebastian Gutierrez

INTERPRETI

Lucy Liu, Michael Chiklis, Carla Gugino, James D'Arcy, Samaire Armstrong, Paul Cassell

SCENEGGIATURA

Sebastian Gutierrez

Ma che schifo questo film! Brutto, ma così brutto che non si può credere: sconclusionato, stupido, a tratti persino nonsense da quanto è mal concepito. Ok che ha una bella fotografia, delle musiche molto azzeccate , ma il resto? Questo pasticcio senza capo né coda tenta mille strada senza sceglierne una. E’ la sagra dei vorrei, ma non ci riesco: vorrei essere il “Kill Bill” del cinema horror, ma faccio solo ridere; vorrei essere il “Corvo”, ma assomiglio più a “il Giustiziere della notte” con Frassica al posto di Charles Bronson; vorrei essere il film definitivo sui vampiri invece sono una barzelletta giocata sul gioco di parole Dracula Draculo. Le scene top sono tantissime, unite dall’inconsapevole amore per la cazzata: tra tutte il massimo la raggiunge una prostituta che ad un certo punto per scopare non si toglie neppure gli slip. In più la pellicola è pericolosamente e demenzialmente moraleggiante: la novella vampira, in una sorta di deviato codice morale, uccide solo la feccia della società che poi sono per inciso un povero vagabondo con la tosse e uno studente di legge che si fuma uno spinello. Roba da pazzi! Poi i vampiri cattivi si riducono ad un paraplegico che viene ucciso in tre secondi, un cinese incazzoso che si ribella colpi di kung fu e a due riccastri efebici. La cacciatrice di vampiri poi ha un’arma misteriosa che spara dardi senza ricaricare, viene ingaggiata da una setta misteriosa che in quattro e quattr’otto viene presto dimenticata dall’elaboratissima sceneggiatura e, dulcis in fundo, i vampiri non hanno i canini lunghi., ma una specie di collana Breil affilata come la spada di Beatrix Kiddon. Il cast non migliora la situazione: Lucy Liu è bellissima, ma monoespressiva come poche e Michael Chiklis, sulla scena mezz’ora al massimo, in vacanza premio da “The Shield”, si limita a riproporre il suo solito clichè già visto in tv. Il regista Sebastian Gutierrez non è di certo né un grande regista né un ottimo sceneggiatore come dimostrano mediocri lavori quali “Snake on the plane” e “She creature”. Se Dio dispensasse i suoi doni come fa con la mediocrità artistica il povero Gutierrez dovrebbe essere fidanzato con Luciana Litizzetto e non con quel figone di Carla Gugino. Se poi aggiungiamo che il film è prodotto da Sam Raimi lo sconforto è alle stelle.

di Andrea Lanza

IL DIVO

2008-05-28T16:34:00.000-07:00

Il Divo

Italia 2008

REGIA

Paolo Sorrentino

INTERPRETI

Toni Servillo,Carlo Buccirosso,Anna Bonaiuto,Flavio Bucci

SCENEGGIATURA

Paolo Sorrentino

Tra i titoli possibili per il film che Sorrentino voleva fare su Andreotti, sempre ispirati ai molti soprannomi del parlamentare italiano, c'era quello di Belzebù. Non sarebbe affatto stato male visto che il personaggio che un truccatissimo ed impassibile Toni Servillo mette in scena ha caratteristiche quasi demoniache, anche se sempre circoscritte nell'ironia grottesca dell'autore partenopeo. A quanto pare i riferimenti visibili nel film che ricondurrebbero a Nosferatu e Pinhead di Hellraiser sono del tutto casuali, e la volontà di Sorrentino era quello di essere ermetico alla realtà nonostante questa mostrasse numerose caratteristiche bizzarre del protagonista, ma è innegabile che le movenze di Servillo/Andreotti hanno dell'inquietante. Nel film si parla soprattutto del settimo governo Andreotti e quindi della caduta di un impero durato decenni della storia d'Italia. Tecnicamente impeccabile, forte del supporto tecnico del direttore della fotografia Luca Bigazzi, la regia spettacolarizza gli eventi, spesso mostrati con una iconografia sorprendente. Andreotti è perseguitato da un velato rimorso per la morte di Moro e per quello che nei confronti della sua immagine significano i processi di Mafia. L'ambivalenza tra un Andreotti freddo e calcolatore ed una sua nascosta umanità diventa il vero argomento del film. In una dimensione onirica Sorrentino immagina che Andreotti confessi che le sue azioni sono tali per il mantenimento di uno status quo, di un equilibrio che attraverso il male mantiene lo Stato sopra ogni cosa. Ecco che l'ambiguità tra il Bene ed il Male diventa la vera essenza del personaggio Andreotti, la sua convinzione che lo muove attraverso la volontà divina, di cui è custode e servo. D'altronde Divo deriva da "divino".

di Gianluigi Perrone

SPEED RACER

2008-05-14T02:05:00.000-07:00

Speed Racer

USA 2008

REGIA

Andy Wachowski e Larry Wachowski

INTERPRETI

Emile Hirsch, Susan Sarandon, John Goodman, Christina Ricci, Matthew Fox, Moritz Bleibtreu e Rain

SCENEGGIATURA

Andy Wachowski e Larry Wachowski

Fa strano andare a vedere un film, farselo piacere solo per il gusto ogni tanto di sembrare Pro Pop per poi scoprire che il film è uno dei più grossi flop della storia del cinema. C’è come una maledizione che accomuna il cinefilo al fallimento di nicchia. Perché nel bene o nel male questo Speed racer è l’opera migliore di “fratello” e “sorella” Wachowski, ma stranamente anche il loro più grande errore di valutazione. Eppure era un prodotto ben confezionato per il piacere di donne e bambine. Un ultra caleidoscopio di colori e fregnacce vari devote alla cultura dell’anime. Ma nel ritorno del grandissimo cinema impegnato americano (ampiamente premiato al box office) non c’è più spazio per un blockbuster? Dove sono finiti la miriadi di ragazzini brufolosi in fila con otto chili di popcorn per vedere l’ultima meraviglia dell’industria americana. E mentre da una parte il “popolo” ha la sottigliezza per arrivare a meditare pure delle più alte opere, dall’altra a noi non restano le briciole di quello che una volta potevamo chiamare un veloce restyling della nostra memoria. Allora si potrebbe affermare che Speed racer è un film per cinefili o un film commestibile solo per chi quel periodo di Anime e sigle Tv la vissuto con il cuore e la testa. Si inverte il mondo, ma il giudizio non cambia: il film dei Wachowski è sbalorditivo. Un fruttatone caramelloso di Anime e valori familiari che non vedi l’ora che sia già natale. Per cui lasciamo da parte per una buona volta a casa pacchi d’aspirina e facciamo del male. L’emicrania è una giusta pena per aver assistito per ben due ore ad una esplosione atomica di colori, luci e suoni prima di tornare ad vivere sul serio in quella che molti letterari accomunano con una scala di grigi. Ci piace? Magari no, preferiamo immaginarci al cinema stronzi come nella vita. La speranza di un mondo migliore ma pur sempre falso c’è e l’abbiamo questa settimana al cinema. Impegnatevi a finche non sia soltanto un esperienza per pochi oppure aspettate il prossimo polpettone che vi dirà chissà quante verità sulla vita. Questo Speed racer sarà il film per cui potrà sembrare doveroso comprarsi un lettore Blu-ray (la scusa più stronza). Faccio un doveroso finale: smettetela di far “recitare” Matthew Fox per il bene di tutti.

di Daniele Pellegrini

IRON MAN

2008-05-14T01:42:00.000-07:00

Iron Man

USA 2008

REGIA

Jon Favreau

INTERPRETI

Robert Downey Jr., Terrence Howard, Jeff Bridges, Shaun Toub, Gwyneth Paltrow

SCENEGGIATURA

Arthur Marcum, Matthew Hollaway, Mark Fergus, Hawk Ostby

Tony Stark è un inventore geniale e miliardario, capriccioso e vuoto,amministratore di Industrie belliche produttrici e prime fornitrici diarmi per il governo americano. Durante un test in medioriente, per verificare l'efficienza di un'arma sperimentale, viene catturato da un gruppo di estremisti. Ferito al cuore da una scheggia è soccorso e curato da Yinsen, un fisico esperto di cibernetica che gli applica un organo artificiale. Obbligato dai guerriglieri a costruire un'arma invincibile per la loro causa, Tony progetta in segreto un'armatura per fuggire alla prigionia. Rientrato negli Stati Uniti è deciso a cambiare vita, a riparare alle ingiustizie e a sconfiggere le prevaricazioni dei potenti. Perfezionata l'armatura con la sua tecnologia avanzata diventa Iron Man, un supereroe dall’armatura gialla e rossa.

Di cinecomix se ne sono fatti a bizzeffe da sempre (si pensi al Diabolik di Mario Bava anni 60) con risultati ottimi a volte (X men 2 o il Batman di Burton su tutti) o pessimi (Fantastici 4, Ghost Raider, Spawn come perle di scelleratezza incredibile). Iron man non è certo la punta apice del genere, ma ha dalla sua molte cartucce che lo elevano dalla media delle produzioni simili. Prima di tutto una regia abile che riesce a non cadere mai nelle demoniache tentazioni del videoclip, ma anzi sa dare brio, velocità e adrenalina alle scene migliori, quelle d’azione. Merito dell’attore/regista John Favreau, già autore di un delizioso “Elf” con il grandissimo Will Ferrel, e qui alla sua prima prova nel genere testosterino degli action. Poi una grande parte la fa’ il cast
capitanata da un manignifico Robert Downey Jr e da un gigionesco Jeff
Bridges già candidato nell’immaginario come possibile Lex Luthor. Di contorno una spenta, ma graziosa Gwineth Paltrow nei panni della rossa assistente di Tony Stark/Iron man, seguendo quindi la moda del genere di tingere color rame le bionde attrici (Kristen Durst in Spiderman ne è
l’esempio più eclatante). Il film segue la storia del fumetto rimordernizzando alcune parti della vicenda (Afganistan al posto del Vietnam) senza però violentare senza ritegno la materia. L’impianto del film è ironico, ma non mancano scene, come quella iniziale, dove i toni si fanno sempre più cupi e disperati. “Iron man” è una storia di redenzione, di un uomo che i troppi soldi hanno reso un Dio in terra (d’esempio la scena dove cercherà di andare nello spazio volando), ma che la morte, la guerra e la disperazione renderanno semplicemente umano e inerme. Per questo
il miliardario Tony Stark si crea un’armatura, non solo per scappare da una prigionia, ma per riprendere la sua semi divinità, in maniera totalmente diversa da prima questa volta: grazie al metallo lui può ritornare al suo stato di onnipotenza, questa volta anche fisico, ma con un’ottica diversa. Se prima vendere bombe non era né più né meno che una partita veloce ad un videogame, ora quelle stesse armi diventano il motore per distruggere l’idea di morte e guerra. Morte con morte, guerra con guerra, Stark diventa l’utopico sogno di molti americani: va nei paesi terzomondisti e prende letteralmente a calci in culo i dittatori. La presa di coscienza di Stark non è tanto data dalla bellissima battuta finale, ma da quando si accorge della bellezza della segretaria, come se ora aprendo gli occhi potesse vedere quello che lui recepiva solo in
superficie prima. Gli ultimi dieci minuti, a base di cazzotti e frasi ad effetto, sono francamente terribili e, anche se danno l’idea di fumetto filmato, fanno un po’ abbassare la soglia di credibilità del tutto. Ma è inutile lamentarci perché “Iron man” è comunque un cinecomix riuscito:
appassionante, divertente, veloce. Siamo sicuri che i prossimi capitoli saranno, se è possibile, anche meglio.

NB Due cammei eccellenti: Stan Lee, autore del fumetto originale, nei
panni di un simil Hugh Hefner (ideatore della rivista “Playboy”) e
Samuel L. Jackson nei panni di Nick Fury (attenzione a non andarvene dopo i
titoli di coda).

di Andrea Lanza

L'ULTIMA MISSIONE

2008-05-03T03:59:00.000-07:00

MR 73

FRANCIA 2008

REGIA

Olivier Marchal

INTERPRETI

Daniel Auteuil, Olivia Bonamy e Catherine Marchal

SCENEGGIATURA

Olivier Marchal

C’è chi data il ritorno in grande stile del Polar Francese con l’esplosione mondiale del fenomeno Marchal. Prima ci fu Gangsters: intrecciatissimo noir dove già si vedeva l’interesse per una metodica costruzione dei personaggi da parte di Marchal. Poi venne il successo mondiale di 36: l’eleganza che va a braccetto con la narrazione, per un film praticamente perfetto. In tutti i due film si intuiva già una un sfiducia da parte del regista verso la polizia, soprattutto per quando cerne i metodi fallibili del corpo di stato, fattore che esplode in questo Mr 73. Marchal ripropone di nuovo i temi a lui cari e li esalta fino ad arrivare ad un più che esaustivo dramma dentro un thriller molto accademico . C’è il protagonista, investigatore cinico annientato dalla tragedia, che ha voltato le spalle alla vita (e non Dio a lui, per quanto lui vorrà convincersi di questo), per via di un incidente che gli ha strappato la moglie e la figlia; viene affiancato da Justine, che aveva assistito all’uccisione dei propri genitori e che adesso deve affrontare l’uscita di prigione del colpevole. Marchal mette in scena su un Buddy profanatore delle regole, dove il confronto tra i due sarà più cattivo che spettacolare, in linea con la sua visione della polizia. Insomma siamo sull’esistenzialismo con un thriller di sfondo, dove i personaggi più che chiedersi “perché”, si chiedono se ne vale la pena. Però tutto non sembra funzionare. L’eleganza diventa auto-compiacimento del regista e per molti parti il film sembra che giri a vuoto e volendo dirla tutta la tragedia in fondo non colpisce come dovrebbe. Per lo più il film è pervaso da un irrazionalità fumettistica, che lo rende poco credibile e illusorio. Dove il film funziona invece, è quando Marchal si dimentica della sua autorialità ed è costretto per esigenze di genere ad raccontarci l’evolversi del thriller, cosa che fa più rimpiangere che piacere per colpa del baraccone costruitoci sopra. Detto questo il film non è brutto, nè tantomeno un fallimento. Marchal continua a girare bene ed a dimostrare che i calci in faccia noi ce li meritiamo. Leviamoci però il gusto di essere pop-nichilisti e cominciamo ad interessarci veramente alle storie. Inutile dire che Daniel Auteuil comunque è un mostro di bravura: ci saranno si è no 10 attori in giro per il mondo che hanno lo stesso carisma. Menzione per la dolce e brava Olivia Bonamy, che in carriera non era mai stata un attrice da primo piano, ma qui risulta la più convincente, almeno per quello che mostra: l’unico personaggio vero di un film caricato a mille.

di Daniele Pellegrini

UN BACIO ROMANTICO

2008-04-16T21:24:00.000-07:00

My Blueberry Nights

Hong Kong / China / France 2007

REGIA

Kar Wai Wong

INTERPRETI

Jude Law, Norah Jones, David Strathairn e Rachel Weisz

SCENEGGIATURA

Kar Wai Wong e Lawrence Block

“Un bacio romantico” (pessimo titolo italiano per “My blueberry night”) è un film di Wong Kar Wai. Lo si desume dai dialoghi, dalla voce over, dai colori violenti quasi da fumetto, dal fatto che le persone si amano quasi senza toccarsi, dai quei rallenti velocizzati che hanno reso famoso il regista di “Angeli perduti”. Ma “Un bacio romantico” è anche un film che vuole esportare il personalissimo stile di Wong Kar Wai in Occidente e non ha il coraggio di osare come forse aveva fatto il deludente “2046”. La storia è sempre la stessa e il senso di deja vu è alto quando in un altro luogo viene riproposta con le dovute varianti la seconda storia di “Hong Kong express”. Solo che non ci sono attori cinesi, ma i ben più fruibili Jude Law e Norah Jones, ma il regista è abile nel farci interessare alla vicenda grazie ai suoi famosi dialoghi interiori e al suo occhio cinematografico mai banale. Così i primi 50 minuti fuggono veloci, ogni fan del regista sarà esaltato nella visione di una storia orchestrata come i capolavori passati con tocchi alla Paul Auster nella sceneggiatura, ma poi succede il disastro. Si perché “Il Bacio romantico” diventa con l’incontro di una Nathalie Portman ossessionata dal gioco un videoclip dilatato, un inno superficiale all’estetica delle belle immagini, quasi un porno di Michael Ninn senza sesso. Ecco che la storia perde interesse e ci dimentichiamo presto di una Maggie Cheung dalle fattezze di Raquel Weltz o di un altro poliziotto innamorato del nulla come tanti protagonisti wongkarwaiani. Il film diventa di un tedio mortale, irritante, snob, un vuoto a rendere, un tentativo anche patetico di celebrare una poetica interessante con una certa stanchezza di idee. Peccato davvero perché il cast (Portman esclusa) è perfetto e si sono lette tante critiche cattive e insensate al film. Noi gli diamo comunque tre proiettili perché è un film che sa regalare emozioni e regala una delle opere ibridi più interessanti del periodo, ma è certo che da Wong Kar Wai ci si aspetta un film non un compitino discreto e noiosetto. Il dubbio però che se fosse stato interpretato da Tony Leng e Faye non avrebbe avuto tante critiche negative, anzi, è altissimo. Razzismo al contrario?

di Andrea Lanza

NON PENSARCI

2008-04-16T21:17:00.000-07:00

Non Pensarci

Italia 2008

REGIA

Gianni Zanasi

INTERPRETI

Valerio Mastandrea, Anita Caprioli e Giuseppe Battiston

SCENEGGIATURA

Gianni Zanasi e Michele Pellegrini

Stefano Cardini (Valerio Mastandrea) trasferitosi a Roma con il grande sogni di sfondare nella musica ma finito come chitarrista di un piccolo gruppo punk, ritorna a casa in Emilia dalla sua famiglia. Ad attenderlo ci sono i due genitori, la sorella, che ha abbandonato gli studi e lavora al parco acquatico, e suo fratello titolare della ditta famigliare, ormai fallita, di ciliegie sciroppate. Il titolo Non pensarci si riferisce al monito fatto ai protagonisti ai quali si chiede di “non pensare ai problemi in quanto con il tempo le cose si sistemano da sole”. Teoria utopistica o quantomeno superficiale che affossa un film che, caso più unico che raro in Italia, è scritto bene e recitato ottimamente. Gianni Zanasi non è un fenomeno, neanche possiede guizzi stilistici notevoli, ma è bravo e furbo. Sa benissimo che per raccontare le nevrosi italiani non c’è bisogno di chissà quale thrillerone dell’anima (cit.). La leggerezza è l’unico strumento conoscitivo umano. Appesantire il film è come servire caffè e peperoni a colazione; inutile dire che rimaranno sullo stomaco. Se si usa questo teorema (alla fine è lo stesso di Tutti giù per terra e Velocità massima noti per essere due dei miglior film italiani in questo grigio periodo) difficilmente si sbaglia film. Anche se poi moralmente non è il massimo e la storia non ha mirabolanti sviluppi; il film farà comunque ridere. Milioni di persone con un sorriso stampato sulla faccia inconsci nel sapere che in fondo il significato di Non Pensarci non è molto diverso da Ozpetek o chi per lui. Se poi hanno ragione, se i “tic” italiani esistono sul serio, se c’è veramente una classe in alto in grado di giudicarci non è dato sapere. La fiducia/sfiducia nel popolo non è motivo di dibattito. Meglio ridere, va!

di Daniele Pellegrini

OXFORD MURDERS - TEOREMA DI UN DELITTO

2008-04-07T17:01:00.000-07:00

Oxford Murders

Spagna/Francia 2008

REGIA

Alex De La Iglesia

INTERPRETI

Elijah Wood, John Hurt, Leonor Waitling, Julie Cox

SCENEGGIATURA

Alex De La Iglesia,Jorge Guerricaechevarria,Guillermo Martínez

Chi non è avvezzo al cinema di De la Iglesia potrebe pensare, guardando Oxford Murders, che il regista è un pazzo megalomane. Chi conosce bene la sua produzione ne ha la certezza. Oxford Murders ha due primati per Alex De La Iglesia, legati fra di loro. Se si esclude Perdita Durango, che più che un film è una esperienza ultraterrena,questo è il primo lavoro a respiro commercialmente internazionale (produzione mista, attori internazionali,location britanniche) ed il primo film decisamente brutto della sua carriera. O almeno brutto se teniamo conto dell'estro grottescho che si respirava nelle sue opere precedenti, anche nelle più tiepide come 800 Balas, dove l'ironia ed il cinismo facevano del morbido regista iberico uno dei più liberi d'Europa. Il film persegue la voglia di classicismo del regista, che negli ultimi film aveva prediletto una struttura retrò ispirandosi al vecchio giallo. Quello che rendeva questi film definitivamente riconducibili all'impronta di De La Iglesia era la loro anima irriverente e delirante. Questo scade nell'ultimo lavoro, inglese fin nell'animo, una sorta di Cluedo classico in cui i personaggi si muovono in maniera intricata per risolvere una questione. Molto probabile che si tratti di una marchetta del regista, per avere anch'egli le porte aperte verso Hollywood. Non che manchino le idee interessanti nel film ma quello di cui si sente la mancanza è proprio la personalità e un orologio del genere spegne troppo facilmente gli entusiasmi.

di Gianluigi Perrone

GONE ,BABY,GONE

2008-04-03T21:25:00.000-07:00

Gone,Baby,Gone

USA 2008

REGIA

Ben Affleck

INTERPRETI

Casey Affleck,Amy Ryan, Michelle Monhagan, Ed Harris e Morgan Freeman

SCENEGGIATURA

Ben Affleck,Aaron Stockard

E' il film del "chi l'avrebbe mai detto". E allora lo diciamo noi. Nonostante tutte le battute sulle doti di Ben Affleck come attore, bisogna ammettere che il ragazzo ha altre doti notevoli, come produttore (Feast è opera sua) ed anche come regista a quanto pare. La squadra che orchestra in Gone, Baby,Gone ha veramente fatto centro, senza colpo ferire. Questo perchè il suo primo corto, I Killed My Lesbian Wife, Hung Her on a Meat Hook, and Now I Have a Three-Picture Deal at Disney, era una genialata ma immatura, così come gli altri due film che ha diretto e che non vedremo mai. Oggi Ben sa ponderare le scelte e quella di Gone,Baby,Gone è veramente azzeccata. Siamo dalle parti del dramma neo-noir, di quelli che piacerebbero a Clint Eastwood o a Sean Penn,non per nulla lo scrittore è lo stesso di Mystic River. la storia di una ragazzina scomparsa e del giovane detective che la cerca insieme alla forza di polizia. La casa buia di Dennis Lehane, è un romanzo lineare, dove gli elementi sono tutti a suo posto, questa storia infatti non è esente da momenti di deja vu ma se si ha la pazienza di guardare il quadro completo ci si trova davanti ad un'opera morale che può avere del controverso. E' un cammino narrativo apparentemente incerto, quasi a scatti,quello di Gone,Baby,Gone, che alterna momenti di tensione a riflessioni umane. Questo film parla di come ci siano cose che a volte vanno fatte, andando contro l'etica, il pensiero comune. E' un viaggio a ritroso nella morale, che porta ad essere talmente progressisti da poter capire di scegliere la strada meno progressista. Rendersi conto che a volte la soluzione giusta è proprio quella sbagliata. Perchè è un mondo sbagliato. Grande prova di attori, su tutti conferma il proprio talento Casey Affleck ma ci sono anche Amy Ryan, Michelle Monhagan, Ed Harris e Morgan Freeman. Vi consigliamo di scoprire perchè il film non è uscito in Inghilterra solo dopo averlo visto.

di Gianluigi Perrone

10000 AC

2008-03-27T06:31:00.000-07:00

10000 AC

USA 2008

REGIA

Roland Emmerich

INTERPRETI

Camilla Belle, Cliff Curtis, Tim Barlow, Suri van Sornsen, Marco Khan, Reece Ritchie, Mo Zinal, Omar Sharif, Steven Strait

SCENEGGIATURA

Roland Emmerich

So che alla maggior parte degli spettatori (ma non solo) dire Roland Emmerich è sinonimo di cattiva qualità per i film, ma a chi scrive il regista tedesco non è mai dispiaciuto fin dai tempi della sua prima sordita hollywoodiana con “I nuovi eroi”. Il suo cinema, da visionare soprattutto in sale ultramoderne dotate di un reparto audio avanguardistico, è sì superficiale, fracassone (ad esclusione de “Il patriota”), ma anche tremendamente divertente. Penso alla fantascienza da Peter Colosimo di “Stargate”, al pugno in faccia di Will Smith all’alieno (“benvenuto in america”) in Indipendence Day, al Godzilla giapponese che scaglia la sua furia contro il capitalismo americano, ai lupi di Day after Tomorrow. Quindi nell’accingermi a vedere 10000 Ac sono partito con le più belle speranze, ma così ho assistito ad un disastro ancora più devastante. Su wikipedia il film era presentato così: “Nel 2007 sono previsti altri due suoi film, 10.000 B.C., in fase di pre-produzione, basato su una sceneggiatura di Harald Kloser e Emmerich stesso. Il film narrerà attraverso gli occhi di un cacciatore di mammuth la reale vita che si conduceva 10.000 anni prima della nascita di Cristo. Il film sembra annoverare nel suo cast attori per lo più semi-sconosciuti: Camilla Belle, Marco Khan e Steven Strait”. Se l’intento di Emmerich era il realismo, il film non c’entra il bersaglio, ingozzato a forza da effetti speciali continui che ricordano per assurdo la fredda perfezione dei videogame. Scene come la caccia al bisonte o l’attacco degli struzzi carnivori o ancora il salvataggio della tigre coi denti a sciabola sono per lo più scenari da giocare nella solitudine di una X box 360 o di una Ps3, assolutamente poco coinvolgenti se vissuti da spettatori e senza la possibilità di interagire. La storia poi risulta abbastanza disastrosa con questa odissea di un cacciatore preistorico per salvare la sua bella dalle grinfie di un faraone malvagio. Non coinvolge lo sfondo di un passato troppo superficiale per essere vero, di un popolo di primitivi così simili agli indiani d’America, di un cast da telefilm del Sabato pomeriggio. Non una sola goccia di sangue viene versata in battaglie all’apparenza furiose, non esiste pathos anche quando i personaggi muoiono, semmai il film è portatore di riso involontario quando entrano in scena i due cattivi dalle fattezze di un simil Totò sceicco e di un Alessandro Haber inferocito. Il plot ricorda per assurdo il grandissimo esperimento margheritiano “Il mondo di Yor”, ma manca della fantasia e dell’abilità del grande regista italiano. 10000 Ac spreca anche l’idea folgorante dell’amicizia tra l’eroe e una spietata tigre preistorica rilegando l’animale in un cammeo abbastanza inutile: più divertimento tamarro ci sarebbe stato se il protagonista avesse massacrato i cattivoni a cavallo del suo micione zannuto magari a ritmo di musica heavy metal. Emmerich vorrebbe essere Snyder in 300, ma riesce solo ad essere il mero esecutore di uno dei film più disastrosi del nuovo millennio con l’idea suicida di essere serio quando chiama una feroce tribù nemica i “Cula” o le barche “grandi uccelli”. Meglio sarebbe se il regista tedesco si disintossicasse o la smettesse di arrivare sul set ubriaco perché questo non film manca appunto del suo tocco, è cinema dilettantesco immeritevole di essere aggiunto alla sua filmografia. Da dimenticare presto senza remore.

di Andrea Lanza

PROSPETTIVE DI UN DELITTO

2008-03-10T13:33:00.000-07:00

Vantage Point

USA 2008

REGIA

Pete Travis

INTERPRETI

Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Sigourney Weaver

SCENEGGIATURA

Barry Levy

Molti tireranno in ballo sicuramente il modello “Rashomon” di Kurusawa per parlare di questo “Prospettive di un delitto”, ma mi sembra che non esista niente di più lontano. Il film giapponese era parabola sulle mille sfaccettature della verità, un racconto che cambiava, a seconda di chi narrava la vicenda, non solo i punti di vista, ma proprio il nocciolo della vicenda. “Rashomon” è l’ispiratore di “L’oltraggio”, un western di Martin Ritt, di “Quante volte quella notte” di Mario Bava, di “Il coraggio della verità” di Zwick e di una marea di episodi di telefilm, cartoni animati e fumetti. Ma “Prospettive di un delitto” è più figlio di “Lola corre” di Tom Tykwer con l’idea di un tempo che torna indietro ogni volta all’inizio e ripresenta la storia, lì cambiandola totalmente qui no, con sostanziali colpi di scena. “Prospettive di un delitto” ruota intorno all’assassinio del presidente USA in Spagna e a 8 diversi punti di vista che hanno assistito alla scena: questo almeno fino a metà film perché nel finale tutto diventa molto più lineare riunendo le prospettive importanti in una sola. La pellicola non è nulla di che, ma è ben girata e regala altissimi momenti spettacolari. Un po’ 24, un po’ Friedkin soprattutto per gli inseguimenti, nulla di originale certo, ma quello che dice lo dice bene. Il film difetta soprattutto nella sceneggiatura che dimentica per strada dei personaggi, riduce a macchiette altri (Sigourney Weaver) e non sa fare appassionare a tutti i micro plot come fa con quello principale. Nel cast giganteggia un ritrovato Dennis Quaid che si mangia a colazione nuove leve come l’imbalsamato e poco espressivo Matthew Fox di Lost. Per il resto il cast non fa molto cercandosi di guadagnare la pagnotta senza i grandi sbalzi attoriali che ci saremmo aspettati da, per esempio, un altrove bravo Forrest Whitaker. La regia di Pete Travis è buona e vanta soprattutto un adrenalinico inseguimento girato in stato di grazia tra le vie di una città spagnola. Poteva essere un ottimo thriller action, ma gli evidenti difetti di trascuratezza narrativa non lo rialzano dall’essere un compitino gradevole, ma risaputo.

di Andrea Lanza

JUMPER

2008-03-03T13:21:00.000-08:00

Jumper

USA 2008

REGIA

Doug Liman

INTERPRETI

Hayden Christensen, Jamie Bell, Samuel L. Jackson, Rachel Bilson, Diane Lane,Tom Hulce e Michael Rooker

SCENEGGIATURA

David S. Goyer e Jim Uhls

Perché se esiste un fast food non può esistere un fast cinema? Film talmente essenziali e privi di contenuti che una volta usciti dal cinema non lasciano niente. Jumper farebbe sicuramente parte di questa categoria. Il film diretto da Doug Liman (che era stato sempre fracassone, ma almeno un volta sapeva essere anche cool) e sceneggiato da David S. Goyer è lo specchietto di quanto il cinema si stia riducendo a degli esasperati plot che vengono limati per l’esigenze del momento. L’esigenza di Jumper è quella di far divertire nel più breve tempo possibile, il resto è niente: vi è piaciuto? Magari volete anche qualche spiegazione? (non si sa mai di questi tempi) Aspettate il secondo. E’ se si parla di trilogia un motivo c’è: Jumper è praticamente un trailer di quanto potremmo vedere nel secondo film. Sono veramente troppo i buchi di sceneggiatura volontari per un cinema commerciale che naviga a suo piacimento nei canoni stabiliti dallo spettatore medio invaghito dallo divertimento veloce stile Televisivo. Ma non questo è cinema. Un film non può essere trattato come un plot di una serie o un prima di un varietà. C’è dello avvilimento nel sapere che allo spettatore/cavia rimane “l’arduo” compito si assimilare il concettino che esistono questi Jumper capaci di telestrasportarsi ovunque in perenne conflitto con i Paladini, una società segreta che opera con i toni della grande Inquisizione. In effetti il tema principale del film sembra quello di una rilettura fantascientifica della caccia alle streghe con questi Jumper (vivono da disonesti usufruendo delle loro capacità.. per la serie non siamo eroi ma buoni ), che sostituiscono le care e vecchie fattucchiere. Peccato che poi tutto rimanga in superficie in attesa di colmare i buchi in un altro momento (un tizio di nome J.J. ci sguazza). Comunque senza pianti e senza lodi il film si fa assaporare solo per gli ottimi inserti action: o per lo meno è dove il film mostra più carattere e soprattutto dove riesce per lo meno a completarsi. Ma rimane solo quello: se poi a voi va bene… è tutto a posto. Vi gusterete Jumper 2, io però passerei la mano.

di Daniele Pellegrini

NON E' UN PAESE PER VECCHI

2008-02-24T15:34:00.000-08:00

No Country for Old Men

USA 2008

REGIA

Joel & Ethan Coen

INTERPRETI

Javier Bardem, Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson

SCENEGGIATURA

Joel & Ethan Coen, Cormac McCarthy

Ha creato un'attesa degna delle grandi opere il nuovo Coen e, diciamolo subito, il migliore dopo tanti colpi non propriamente ben assestati. I due fratelli comunque hanno ormai l'esperienza e lo status di sapere che basta guardarsi alle spalle per poter tirare fuori qualcosa di buono. Ecco quindi che sulla basa del romanzo di Cormac McCarthy sfruttano il genere per creare un'opera oscura e pessimista, un noir western che conquista , se non altro per la messa in scena. La storia è cruda e semplice, sembra quasi Voglio La Testa di Garcia, con un disperato fuori luogo che vince la lotteria più rischiosa di questo mondo, ruba alla criminalità, e cerca una via di scampo con alle spalle gente di pasta troppo dura che rivuole il maltolto. Con Peckinpah, I coen condividono anche una visione grigia e disperata, che rimane atterrita difronte all'amoralità dell'esistenza e della specie umana. Ottimi interpreti in personaggi perfettamente distribuiti che realizzano questa amara realtà ogniuno nella propria maniera. Tommy Lee Jones come lo sceriffo anziano, spettatore di eventi atroci che riconosce abominevoli finchè non gli fanno notare che la terra ha girato sempre così ed è lui che ne ha le tasche piene. Josh Brolin, l'"Alfredo Garcia" della situazione, che cerca di sparire con il malloppo senza capire che la gazzella non ruba mai la preda al leone. Il personaggio per cui verrà ricordato questo film però è Chigurh, uno spettrale Javier Bardem, che rappresenta il male oscuro del mondo, uno dei killer più affascinanti del cinema moderno, che uccide freddamente, apparentemente con una morale che non dà dignità ma solo una deviata casualità di salvezza, il concetto di imprevisto che pervade il senso del film. I Coen raccontano una storia univesale in maniera intelligente, violenta ma raffinata, con un gusto southern negli ambienti e nei nomi che dà il piacere delle produzioni più professionali di Hollywood. Un film che non poteva essere sbagliato.

di Gianluigi Perrone

FINE PENA MAI

2008-02-21T11:28:00.000-08:00

Fine Pena Mai - Paradiso Perduto

Italia/Francia 2008

REGIA

Davide Barletti - Lorenzo Conte

INTERPRETI

Claudio Santamaria, Valentina Cervi, Danilo De Summa, Giuseppe Ciciriello

SCENEGGIATURA

Massimiliano Di Mino, Pier Paolo Di Mino, Marco Saura

La storia di Antonio Perrone (che non è mio parente) è quella di molti criminali del sud Italia, che affamati di vita e denaro, hanno finito per autodistruggersi. Quando, dopo gli attentati di Falcone e Borsellino, lo stato ha applicato il 41bis per i criminali di Mafia, Perrone, che era arrivato ai vertici della Sacra Corona Unita, si è visto sbattere in isolamento totale a vita. Visto che avevano buttato via la chiave, si è messo a scrivere la sua biografia, Vita D'Interni che è diventata questo film dei documentaristi Davide Barletti e Lorenzo Conte. E' la voce fuoricampo dello stesso Perrone che racconta la sua storia di delinquente. Purtroppo si sente un po' troppo l'esperienza documentaristica, gli eventi del film vengono raccontati freddamente e non hanno un vero e proprio trasporto emotivo. Sono una serie di fatti messi uno dietro l'altro senza che abbiano un peso concreto nelle scene. Il tutto rende chiaramente pesante la narrazione di quello che è un noir e quindi pretende ritmo e azione. Eppure il film è ineccepibile, ha un'ottimo colonna sonora, ben fotografato e girato, ha negli interpreti protagonisti (Valentina Cervi e Claudio Santamaria) le vere forze del film, tanto che la parlata dialettale di Santamaria è molto più credibile di alcuni overacting ingenui degli interpreti veramente pugliesi. Oltretutto il film non osa in violenza e sesso e in un primo momento si può pensare che sia per imposizioni produttive ma quando si vede un frontale di un nudo di Santamaria ci si chiede allora perchè non dare un po' di sale ad una storia che lo richiedeva. Alla fine tutto è troppo anonimo e simile ad tante altre realtà, non c'è una vera trasfigurazione di quello che sono realmente i criminali di quel periodo pugliese e sostanzialmente non si riesce a raccontare una storia. Peccato veramente perchè il film aveva delle potenzialità notevoli. I due registi adesso hanno intenzione di realizzare un documentario sulla vicenda vista dal punto di vista della moglie, personaggio che nel film è notevolmente sacrificato.

di Gianluigi Perrone

LO SCAFANDRO E LA FARFALLA

2008-02-20T10:23:00.000-08:00

Le scaphandre et le papillon

Francia 2007

REGIA

Julian Schnabel

INTERPRETI

Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Patrick Chesnais, Niels Arestrup, Olatz Lopez Garmendia, Jean-Pierre Cassel

SCENEGGIATURA

Jean-Dominique Bauby,Ronald Harwood

Lo Scafandro è la Farfalla è uno di quei titoli che solitamente crea curiosità nel momento in cui esce dall'anonimato o semi-anonimato dell'indipendente arriva ad essere accostato a grossi nomi dello star systen grazie a nomination e premi vinti a destra e a manca. E' naturale che qualcosa di buono deve per forza esserci. In effetti la storia del romanzo autobiografico di Jean Dominique Bauby sarebbe il classico uovo di colombo se non fosse vera. L'uomo, ex caporedattore di una delle più vendute riviste di moda francesi, colpito da un ictus cerca di sconfiggere la depressione scrivendo, o meglio dettando il libro con l'unica maniera in cui riesce a comunicare, ovvero sbattendo l'occhio sinistro. Daniel Day Lewis aveva il piede e Jean Do ha solo il suo occhio. A differenza del film di Julian Schnabel qui si cerca un punto di vista meno drammatico e più sensibilmente umano per la situazione. Naturalmente la situazione del protagonista è estremamente dura ma la forza dell'uomo è riuscire comunque, anche nella disperazione, di prendere con ironia la cosa e non abbandonarsi a se stesso. Jean Do, una persona tendenzialmentre superficiale nè più nè meno di chiunque altro, comincia veramente a capire il senso della vita e da peso alla propria esistenza. Può sembrare banale ed infatti lo è. Il film è incredibilmente ingenuo e banale ma in qualche modo molto puro, sincero, universale. Il fatto di riuscire a strappare delle risate in una situazione tendenzialmente drammatica è sicuramente un punto a favore del film, come lo è il fatto di far riflettere sul valore della vita. Schnabel dirige nell'unica maniera possibile, ovvero in soggetttiva del protagonista ed attraverso la sua immaginazione. Non è, in tutta sincerità, quel capolavoro di cui si parla ma è un film che almeno una volta nella vita va visto per ripulire la propria anima. Non è poco.

di Gianluigi Perrone

LA GUERRA DI CHARLIE WILSON

2008-02-13T13:40:00.000-08:00

Charlie Wilson's War

USA 2007

REGIA

Mike Nichols

INTERPRETI

Tom Hanks, Amy Adams, Julia Roberts, Philip Seymour Hoffman, Emily Blunt e Rachel Nichols

SCENEGGIATURA

Aaron Sorkin

“Siamo stati gloriosi e cambiato il mondo…e poi abbiamo mandato a farsi sfottere il finale". Questa è la frase conclusiva del film che sancisce una beffarda verità. “Noi gli abbiamo venduto le armi e addestrati; loro ci hanno buttato giù le Twin towers; ma come è possibile?” Questa invece è la domanda più ricorrente tra gli americani dal 2001”. Il perché è spiegato in questo ultimo film di Mike Nichols. La storia di Charlie Wilson, deputato Repubblicano del Texas, che negli anni ‘80 è riuscito a stanziare fondi per 1 miliardo di dollari per armare i mujahideen dell’ Afghanistan contro il nemico comune russo. Se a primo acchitto la storia sembra riportare a un certo film politico moderno (Syriana per fare un esempio) la messa in scena (che sembra più una piece teatrale) è quella di una farsa comica con un gusto sarcastico di beffeggiare il potere in qualunque parte del mondo operi. Ideologicamente parlando il film di Nichols ricorda molto lo opere di Joe Dante,tipo la seconda guerra civile americana. Il tema principale è lo stesso; l’inconsapevolezza della politica leggera e frivola di fare la storia. Qualunque piccolo gesto ha delle conseguenze grandissime nel futuro (Il battito della farfalla contemporanea). Ed è qui che il film di Nichols diventa essenziale per capire i giorni nostri. Un monumento politically correct sulla carenza di valori politici e diplomatici della nostra epoca. Il fattore storico però serve al film più da scenografia per mettere in atto battute e contro battute che risultano essere la miglior cosa del film. Gli scontri dialettici tra i vari personaggi sono egregiamente scritti e sorprendentemente recitati con un gusto squisito e ragionato ad hoc. Dialoghi costruiti ad un ritmo velocissimo che disorientano lo spettatore normale e illuminano quello che è in cerca del vero film out della stagione cinematografica (i dialoghi tra Hoffman e Hanks sono magnifici). Ma c’è poco da stupirsi: Nichols è maestro in questo. Quello che invece fa storcere il naso è la grossa quantità di dolore mostrata. Un uso bieco di gambe e braccia mozzate che non giovano allo scopo del film. Sembra che il film tenti più volte di predicare bene e razzolare male. Poche parole da spendere per la seconda parte troppo veloce e didascalica: l’impressione è che avessero fretta di finire il film anche se dura più o meno un ora e mezza. Difficile capire questa mossa. Comunque se proprio uno non riesce a farvi scomodare dalla sedia per andare a vedere questo Charlie Wilson, sappiate che vi potrete consolare con Amy Adams e i suoi capelli che dondolano come la chioma di un cavallo e delle sotto ninfette: galline ma pur sempre visioni. Menzione speciale per il ballo ultra-sexy della Emily Blunt, peccato che Nichols era più interessato a farci sentire quello che dicevano i personaggi che si scorda che della povera Blunt. Certe volte è meglio stare zitti!

di Daniele Pellegrini

JOHN RAMBO

2008-02-09T22:31:00.000-08:00

Rambo

USA 2008

REGIA

Silvester Stallone

INTERPRETI

Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Matthew Marsden

SCENEGGIATURA

Silvester Stallone, Art Monterastelli

Cosa rende Rocky e Rambo dei successi di pubblico così inaspettati? Sicuramente il fatto che sono pensati espressamente per i fan. Che questi film siano fatti con il cuore o con la testa, è ovvio che si sente l'intenzione sincera di rispettare il desiderio dello spettatore. PEr quanto riguarda Rambo, non è un segreto che l'appassionato della serie sia generalmente un guerrafondaio o almeno qualcuno desideroso di eplosioni,morti ammazzati e potenza di fuoco. John Rambo è questo, una sceneggiatura esilissima che racconta la storia dell'ex soldato che vive in Thailandia e traghetta dei medici senza frontiere in Birmania, in mezzo alla guerra. Questi vengono catturati dalla guerriglia e viene mandata una task force per recuperarli. Rambo naturalmente farà la sua parte. L'80% del film è una strage. Colpi in arrivo mai visti, una brutalità che è rarissima per un film commerciale, con quantità di sangue inesauribili. E' sicuramente l'episodio più exploitation della serie, con atti di violenza che ci si aspetterebbe da un torture porn, ma c'è di più. Innanzitutto si decide di parlare di una guerra non sdoganata dai media. Avvengono incredibili atrocità in Birmania ma siccome le nazioni unite non hanno interessi economici a riguardo, rimane fuori dall'interesse dell'opinione pubblica. Mettere luce sulla situazione birmana in maniera così veritiera può servire a smuovere le coscienze. Oltretutto il punto di vista sulla guerra è tutto meno che politically correct. E' un rapporto sincero e per nulla ipocrita sulla situazione. I medici senza frontiere si illudono di poter affrontare la guerra solo con mezzi pacifici ma si scontrano con la guerriglia spietata che si macchia delle azioni più turpi. Agli occhi dello spettatore i soldati, sia Rambo che il soldato coscienzioso o il mercenario, sono una categoria costretta a affrontare l'orrore giorno per giorno,perdendo ogni illusione. Personaggi tagliati con il macete ma che concretizzano il messaggio del film. Per tutti gli altri c'è puro intrattenimento all'idrogeno.

di Gianluigi Perrone

REC

2008-02-04T13:42:00.000-08:00

REC

Spagna 2007

REGIA

Jaume Balagueró, Paco Plaza

INTERPRETI

Manuela Velasco, Ferran Terraza, Vicente Gil

SCENEGGIATURA

Jaume Balagueró, Paco Plaza, Luis A. Berdejo

Parlare di REC non è affatto semplice se si vuole farne un’analisi approfondita. Non perché sia pieno di sfaccettature e doppi significati nascosti chissà dove, ma perché oltre alle immagini che ci vengono propinate, collegate ad una trama iper elementare, non vi è altro.
In due righe si può riassumere il tutto: un condominio a Barcellona in cui un epidemia “zombesca” inizia ad infettare gli inquilini. Giornalisti televisivi, abitanti, pompieri e poliziotti vi si trovano bloccati per motivi di quarantena. La telecamere resta sempre accesa in modalità “rec”, appunto.
Seguendo lo stile reality che ha portato ai fasti opere minimali come Blair Witch Project, la Filmax commissiona (ci scommetterei) a Jaume Balagueró e Paco Plaza questo film tentando di battere il ferro caldo(?) di questo particolare stile inaugurato in primis dal nostrano Cannibal Holocaust firmato Ruggero Deodato.
Le spese sono ridotte a causa delle location minimali, la camera è sempre a mano e il sonoro in presa diretta. Per chi soffre il mal di mare il film è da evitare come per chi ha problemi alle coronarie, dato che Rec è un’opera terrificante, vuota fondamentalmente, come lo è per quanto riguarda l’originalità, ma che incolla alla poltroncina dall’inizio alla fine. Essendo un simil reality, noi siamo in diretta secondo il film e vediamo attraverso l’occhio della telecamera in tempo reale quindi senza regolazioni del sonoro che esplode improvvisamente saturando il canale audio. Anche le immagini spesso diventano sfocate, la videocamera cadrà anche al suolo, ma Ángela, la giovane giornalista interpretata da Manuela Velasco, non vuole rinunciare allo scoop che potrebbe renderla famosa e di fronte alla follia degli eventi in cui si trova involucrata non pensa minimamente alla qualità delle riprese, ma unicamente che il più possibile venga registrato. Se qualche omaggio evidente a Blair Wich Project non può sfuggire le sensazioni di deja vu col remake Dawn Of the Dead di Zack Snyder sono fin troppo evidenti, quasi eccessive agli occhi di un attento osservatore.
Rec non è per questo un prodotto da cestinare, anzi, mantiene quello che promette, ossia spaventare e nulla più. Il livello di tensione cresce in un’escalation di struttura simile a quella di un videogioco fino al “livello” finale..

di Davide Casale

30 GIORNI DI BUIO

2008-02-01T09:11:00.000-08:00

30 Days of Night

USA 2008

REGIA

David Slade

INTERPRETI

Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston, Ben Foster

SCENEGGIATURA

Steve Niles,Stuart Beattie,Brian Nelson

Tutto in una notte. Una notte lunga 30 giorni. La città di Barrow in Alaska vive questa condizione una volta l'anno ed è l'ideale per un clan di vampiri andare lì a pasteggiare indisturbati. Questo l'assunto della fortunata graphic novel di Steve Nile e Ben Templesmith , munifica di sequels, che la GhostHouse di Sam Raimi ha deciso di consegnare nelle mani di David Slade, sulla fiducia del lavoro fatto su Hard Candy. Innanzitutto, mettetevi l'anima in pace, qui il fumetto di Niles c'entra poco. Niente vampiri "goodfellas", nessun Vincent, nessuna ironia cafona. Niente figure acuminate dalle fattezze di vetro. Quello che rimane dei succhiasangue di Templesmith è la ferocia con cui pretendono il sangue dalle vittime. Niente romanticismi, baci,poppisti,il morso è netto e si porta via bei pezzi di carne insieme al sangue. E' difficile parlare del lavoro di Slade perchè sulla carta c'è molto più di quello che alla fine vediamo in video. Slade ama la regia classica. Le avvisaglie c'erano già in Hard Candy, un costrutto tradizionale, compassato, asciutto, basato su dialoghi ed attori. Qui si è tentato di fare la stessa cosa, nellaria rareffata dell'Alaska, Slade ha tentato l'evidente omaggio a La Notte dei Morti Viventi, mettendo una comunità a confronto con se stessa di fronte ad un pericolo ignoto,terrificante e incomprensibile. Infatti la presenza della minaccia si palesa attivamente (a parte sporadiche apparizioni) solo dopo un'ora di film. Tutto il resto voleva essere lavoro su personaggio, tensione, mestiere da artigiano classico, quasi un film in bianco e nero. Il problema è che il risultato non è stato quello che Slade si aspettava. Perchè non c'è tensione, non c'è lo scontro tra personalità, decisioni, movimento delle situazioni. C'è confusione ed indecisione. Gli attori fanno un ottimo lavoro, Hatnett e Ben Foster su tutti, ma non basta certo ad interessarci alle loro chiacchiere. Oltretutto, a parte sporadici casi, questa tendenza alla ripresa classica di Slade non ha alcuna resa moderna. Semplicemente non ha un bel senso visivo,non vi sono immagini che rimangono impresse e questo perchè Slade ha volutamente girare nella maniera classica che forse è l'unica possibile per lui. Verso la fine, di sangue ne scorre e l'azione comunque non manca (esistono pure sempre dei produttori) ma l'eccesso di sofisticatezza della regia (già,perchè fare oggi un horror classico è sofisticato) cozza con il risultato finale ed è un vero peccato, perchè le aspettative erano molto alte.

di Gianluigi Perrone

CLOVERFIELD

2008-01-29T14:29:00.000-08:00

Cloverfield

USA 2008

REGIA

Matt Reeves

INTERPRETI

Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Michael Stahl-David, Mike Vogel

SCENEGGIATURA

Drew Goddard

C'è un limite oltre il quale la furbizia diventa genio. Questo è quanto si può dire di J.J. Abrams che, con una scaltra campagna pubblicitaria atta ad alimentare la curiosità verso Cloverfield (memore delle furbate in rete nate per Lost), crea uno dei casi cinematografici dell'anno. Il bello è che, visto che il trailer del film su Star Trek andrà prima del film nelle sale, non è escluso che l'operazione non fosse nata semplicemente per pompare la pellicola diretta da Abrams. Eppure Cloverfield non doveva essere una delusione ed infatti colpisce propriò lì dove intendeva. Come ormai sembra la scelta avanguardistica del momento, la ripresa è quasi sempre in prima persona, documentaristica, girata con camera a mano come se fosse amatoriale. Sono passati anni da Blair Witch Project e oggi vengono fuori l'ottimo Rec di Plaza/Balaguerò, Diary of the Dead di Romero, in maniera molto meno efficace la serie August Underground ed anche alcune scene di guerra de I Figli degli Uomini di Cuaron ricordano questo tipo di ripresa. Matt Reeves, tra i creatori della serie Felicity, dirige un "microscopico colosso". Perchè quella che sembra una ripresa casuale durante l'armageddon che scoppia nel cuore di Manhattan è in realtà un lavoro chirurgico e precisissimo, una prova di attori estenuante ed un lavoro di falso piano sequenza talmente studiato da essere dannatamente reale. La storia è semplice e banale, come ci si potrebbe aspettare è vista dal punto di vista di un gruppo di amici che durante una festa vivono questo calamità, ovvero un enorme creatura vagamente antropomorfa che distrugge New York, riversando sulla città anche i suoi parassiti che attaccano la gente. Hud è il cameraman che riprende tutto il loro viaggio. Gli sceneggiatori cercano di curare attentamente gli avvenimenti per non creare forzature. Il primo problema di questo tipo di film è che probabilmente nessuno in una situazione di pericolo o caos seguiterebbe a riprendere. Negli atti di Hud c'è tutto il sensazionalisto dell'11 Settembre. Ci viene mostrato come la gente sia abituata a filmare gli eventi(molti in mezzo al delirio fanno foto e piccoli video coi cellulari) anche se qualche forzatura si sente. Così come c'è indubbiamente nelle azioni dei ragazzi che per salvare la ragazza di cui uno di loro è innamorato si cacciano in guai che in una situazione del genere neanche il più incosciente fanatico alla ricerca di eroismo si metterebbe. Eppure questo non cambia di una virgola il risultato del film nel quale ci si immedesima in maniera totale. Veniamo proiettati all'interno della catastrofe, alcune scene sono talmente pazzesche da rischiare il cardiopalma e non certo per un trasporto emotivo narrativo ma puramente visivo. Un film che quasi sicuramente farà una scuola senza sbocchi duraturi ma del quale bisogna ammettere che coinvolge lo spettatore senza eccezioni.

di Gianluigi Perrone

INTO THE WILD

2008-01-26T11:10:00.000-08:00

Into the Wild

USA 2007

REGIA

Sean Penn

INTERPRETI

Emile Hirsch, William Hurt, Marcia Gay Hayden, Jena Malone, Vince Vaughn,Catherine Keener,Hal Holbrook

SCENEGGIATURA

Sean Penn

Ecco che Sean Penn gira il film più bello dell'anno e il più maturo della sua carriera. L’attore è da tempo che paventa di lasciare la carriera per diventare regista a tempo pieno. Quel momento è arrivato. In Into The Wild si sente moltissimo l’esperienza fatta con Clint Eastwood sul set di Mystic River, dove Sean ha rubato con gli occhi la vera anima di un regista americano.Stiamo naturalmente parlando di un capolavoro. Il film racconta la storia di Christopher McClandless dal libro John Krakauer, appena laureato e partito verso la natura selvaggia, come da titolo, in un viaggio prima spirituale, Lungo le strade d’America incontriamo insieme a Chris, che si fa chiamare Alexander Supertramp, una serie di personaggi che diventeranno il bagaglio umano del giovane. Penn rende fa di poesia la regia, proprio come fu un tempo capace John Ford, e recentemente proprio Eastwood. Invisibile ma concreto, semplice ma complesso, banale ma avvincente, tutto giocato sui volti universali quasi religiosi, dei personaggi. Performance attoriale di Emile Hirsch ( Lords of Dogtown) che si pone come nuovo leader della propria generazione. Grandissimi i supporters: William Hurt, Marcia Gay Hayden, la giovanissima Jena Malone, Vince Vaughn,Catherine Keener e su tutti Hal Holbrook cheprenderà l' oscar. Fantastica la colonna sonora di Eddie Vedder , nel suo essere anch'essa un capolavoro. Into the Wild è una esperienza cinematografica unica e la strada di Penn adesso conoscerà solo questa strada.

di Gianluigi Perrone

L'INCUBO DI JOANNA MILLS

2008-01-25T18:25:00.000-08:00

The Return

USA 2006

REGIA

Asif Kapadia

INTERPRETI

arah Michelle Gellar, Peter O'Brien, Adam Scott, Kate Beahan

SCENEGGIATURA

Adam Sussman

Probabilmente un'occasione sprecata quella di The Return, dell'inglese Asif Kapadia, che dimostra una raffinatezza registica invidiabile ma che non convince sulla narrazione. La storia è quella di Joanna (Sarah Michelle Gellar) che si trova in un periodo straniante della sua vita durante il quale sembrano affiorare ricordi lontani. Comincerà a seguire a ritroso una strada che la porterà verso una vita altrui e verso un fatto delittuoso. Tipico film che poggia sul twist finale, riesce a ricreare alcune atmosfere che guardano evidentemente al classico Lynch ma anche al primo Shyamalan ma non cattura per tutta la prima ora di film, divenendo confuso e troppo simile a cose già viste. Si avverte un forte potenziale e probabilmente non è stato chiarito a pieno quello che la sceneggiatura di Adam Sussman ovoleva esprimere.
E' percepibile un senso di inespresso ed incompleto nonostante spesso il film dimostri di poter essere potenzialmente grande. Non si è riuscita a bilanciare l'autorialità degli intenti con le necessita di genere, probabilmente.

di Gianluigi Perrone

AVPR - ALIEN CONTRO PREDATOR 2

2008-01-22T16:10:00.000-08:00

Alien vs predator - Requiem

USA 2007

REGIA

Greg & Colin Strause

INTERPRETI

John Ortiz, Steven Pasquale, Johnny Lewis, Reiko Aylesworth.

SCENEGGIATURA

Shane Salerno

Il secondo capitolo arriva preciso come la morte quando il primo è un successo. Succede anche per Aliens vs predator, film tratto da un videogioco di una certa fama, e cross over di due serie cinematografiche amate dai fan. Il primo esperimento, voluto fortemente dal regista di “Resident Evil” Paul W.S. Anderson, era un mezzo disastro: poco appassionante, noiosetto, derivato da cento altri film e persino esangue nei momenti dove lo splatter doveva regnare sovrano. Con queste premesse il secondo capitolo non doveva essere fatto, ma è il Dio denaro a parlare al di là della qualità di un’opera. Licenziato il vecchio regista (ma da quanti set è stato cacciato Anderson?) si prendono due quotati effettisti speciali, Greg e Colin Strause, fratelli perché dai Wachowsky ai Pang fa sempre cool firmare in famiglia un’opera, e l’operazione prende il via. Non che uno si aspettasse tanto da questo Aliens vs predator 2: requiem (il titolo è bello), ma le aspettative sono state sorprese da un film che, pur essendo cazzone e cafone, è molto divertente. Questa volta si dimentica l’ambientazione precedente in Antartide e si cambia scenario con una più ridente cittadina da college movie americano. La lotta tra Predator e Alien trova qui il massimo godimento con questi ragazzini arrapati che vengono falciati dalle armi aliene, usati come incubatrici e divorati con un certo gusto per il budello sanguinante. Certo la trama è da fumetto di bassa lega, ma la cosa più importante è che i due neo registi riescono a rendere altissima l’azione in un continuo di colpi di scena e sparatorie forsennate senza quasi mai far scemare la tensione. Tra le scene già cult l’arrivo dell’alienator, un misto tra le due razze aliene, e l’incubazione dei piccoli alien all’interno dell’ospedale. AVP2: requiem è un film che non guarda in faccia nessuno: uccide senza pietà bambini, non ha paura di versare quelle gocce di sangue in più, è divertimento da oratorio certo, da stadio calcistico pieno di coatti urlanti, ma è comunque divertimento, di quello che è raro vedere al cinema ancora. In attesa di “Predator 3” che sembra sarà con Sly…

di Andrea Lanza

AMERICAN GANGSTER

2008-01-18T14:46:00.000-08:00

I am Legend

USA 2007

REGIA

Ridley Scott

INTERPRETI

Russell Crowe, Denzel Washington, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr.

SCENEGGIATURA

Steven Zaillian

Guardando American Gangster, dopo una ventina di minuti avrete un deja vu. Questa storia l'ho già vista da qualche parte. Non ci vorranno più di una manciata di secondi per capire che si tratta di Scarface di DePalma. In effetti la sceneggiatura di Oliver Stone era ispirata al personaggio di Frank Lucas, detto Superfly (ricorderete il film Gordon Parks jr del 72 dedicato al personaggio), che in breve tempo divenne il punto di riferimento per il traffico della droga in america, una ascesa al potere inaudita, ancora più surreale perchè portata avanti da un nero. Infatti sarebbe stato impensabile che il protagonista di Scarface potesse essere un afroamericano e quindi si pensò a un più "pallido" cubano, mischiando un po' di fatti di cronaca. Invece Ridley Scott racconta la storia vera di Lucas, romanzandola e dipingendolo come un personaggio romantico e vincente. oRmai Denzel Washington, insieme a Samuel L Jackson, è il nuovo blaxploitation hero della sua generazione, nonostante sia un grandissimo e versatile attore fa scelte di genere e si impegna in una maniera sopraffina. Puoi vedergli la tensione intorno alle spalle, fremere tra le labbra e valorizzare ogni inquadratura con la sua presenza: questa è inesauribile energia. Ci vuole un bel paio di palle per mettere giù uno come Russell Crowe, co-protagonista che impallidisce di fronte all'attore nero. Insieme a lui tutta la nuova(e non) generazione di attori di colore come il bravissimo Chiwetel Ejiofor e Cuba Gooding Jr. a supportare una leggenda come Frank Lucas, il sogno americano criminale nell'immaginario di qualsiasi gangsta rapper che NON si rispetti. American Gangster ha tutti gli elementi per essere un blaxploitation moderno: azione,ritmo, musica soul e funky, orgoglio nero e epicità cafona ma stavolta con un mare di denaro in più rispetto alla media dei vari Truck Turner e similia. Un film del genere doveva finire tra le mani di un Craig Brewer o John Singleton, o Spike Lee persino, invece lo dirige un inglese come Ridley Scott! Non solo, Scott da qualche anno a questa parte è diventato freddo, gelido. Una tecnica perfetta e spaventosa, elementi che collimano perfettamente eppure non c'è anima nei suoi film. Talmente perfetti da non essere veri, ed è dura con una storia originale avvincente come quella di Lucas. Intendiamoci, American Gangster è un bel vedere e si fa piacere nonostante la lunghezza, ma è finto, quasi parodistico. Cosa è successo a Ridley?

di Gianluigi Perrone

IO SONO LEGGENDA

2008-01-18T14:33:00.000-08:00

I am Legend

USA 2007

REGIA

Francis Lawrence

INTERPRETI

Will Smith e Alice Braga

SCENEGGIATURA

Mark Protosevich e Akiva Goldsman

Ahi, fa male! C’eravamo quasi ad un passo dall’ avere una trasposizione del capolavoro di Matheson degna di tal nome. Le aspettative erano nere. Il regista Francis Lawrence era quello di Constantine: un tale pasticcio da fargli augurare una breve (anzi brevissima) carriera in un monastero. Neville che viene interpretato da Will Smith: più minaccia che attore. Molte volte i pregiudizi sono la degna conseguenza di una acquisizione massiccia di mediocrità. Era difficile pensare a qualcosa di buono. Per lo più il nome di Smith era legato a quella violenza carnale nei confronti di Asimov nel ignobile “Io, Robot”. Incredulità. Forse è questa la minaccia più grande, perché il film di Lawrence per tre quarti va alla grande. Il Smith/Neville non è il macho protagonista che tutti si aspettavano: incredibilmente rispecchia il tormentato personaggio di Matheson. Un impassibile e umano protagonista assoluto che gira solitario per una New York svuotata dalla sua stessa natura. Roba da non crederci: non hanno snaturato Neville! E’ “bello” vederlo irrazionale e alienato come mamma l’ha fatto invece che incazzato, paladino della razza umana, che spanna vampiri a destra e manca. E non ci voleva tanto. Anche la regia di Lawrence è compatta e ispirata. Non manca nulla a ben vedere. Naturalmente le sorprese non sono finite qui. Perché incredibilmente il film manca il bersaglio più facile: le scene in CG sono quanto di peggio visto negli ultimi anni. Plasticose creature che si staccano dallo schermo. Dilettanti allo sbaraglio. E’ incredibile ancora vedere certe cose. Però nessuna colpa, un difettuccio piccolo piccolo che non intacca il valore dell’opera. Allora cosa c’è che non va? Io sono Leggenda dura come già detto per tre quarti, il resto non si sa bene da dove venga. La regia cambia registro, il senso anche stesso del nome del film viene alterato e diventa quello per cui era stato “pregiudicato”. Un vero peccato perché era successa la stessa cosa pochi mesi fa anche per Invasion. Ma qui a differenza del pasticciato film con la Kidman, l’inizio era speranzoso (anzi di più!). L’importante comunque è che il grande passo è stato fatto: la spazzatura finale la attribuiamo per buona fede a dei timori reverenziali ancora pre-esistenti delle Major. L’incazzatura rimane così come l’orgoglio italico che il più bel “Io sono leggenda” è ancora del nostro Ragona. Però c’eravamo quasi. Sigh!

di Daniele Pellegrini

IL MISTERO DELLE PAGINE PERDUTE

2008-01-18T14:16:00.000-08:00

National Treasure: Book of Secrets

USA 2006

REGIA

Jon Turteltaub

INTERPRETI

Nicolas Cage, Justin Bartha, Diane Kruger, Jon Voight, Helen Mirren, Ed Harris e Harvey Keitel

SCENEGGIATURA

Gregory Poirier , Cormac Wibberley , Marianne Wibberley, Ted Elliott e Terry Rossio

Non so per quale motivo o per quale assurda verità spesso l’integrità famigliare viene messa a dura prova quando viene infangato il buon onore di un avo. Nessuno può permettersi di offendere il buon nome delle mamma (proprio lei non si deve toccare), figuriamoci un eroe della guerra civile americana. E proprio quello che succede a Ben Gates (il sempre più imbronciato Nicolas Cage) nel seguito del patriottistico film avventura Il mistero dei templari. Salvaguardare l’onore della famiglia e nel frattempo scoprire quali segreti si celano dietro un tesoro nascosto nel tempo. Il format è uguale al primo: gli indizi sono nascosti nei simboli della cultura americana (Statua della libertà, Scrivanie presidenziali, ecc) tanto per dare adito al vero senso dell’operazione: creare un film avventura radicato nella storia americana. Alla fine è tutto qui: dare un logica misteriosa e fantastica a una storia che è fatta di sangue e tradimenti. Un progetto populista neanche troppo velato (le tirate social-finto-democratiche si sprecano). Funziona?. Come film avventura si: gli enigmi sono ben elaborati e il ritmo non cade mai. Certo bisogna passare oltre al senso di disagio per certe situazione al limite della stupidità cronica (su tutti un presidente degli Stati Uniti mai così fumettistico) e non farsi disincantare dall’ alto tasso di improbabilità, però questo National Treasure è proprio quello che vuole essere: stupido, innocuo, elementare, fazioso, infantile e soprattutto divertente. Vi lamentate? Più spazio alle cose serie? Benvenuti in Bruckheimer World’s. Se pensate che veramente ci sia differenza tra questo e i pirati dei Caraibi o tra Pearl Harbor e Allarme rosso siete fuori gioco. Loro vi danno il divertimento (il grande parco gioco del Cinema) a voi non resta che spegnere il cervello e inconsciamente assemblare quelle quattro cazzatine finto-buoniste. Il problema è che non ci casca nessuno se non hai un massimo di sei anni (e quelli se non sbaglio non votano). Valli a capire questi americani. Avranno ragione loro?

di Daniele Pellegrini

HITMAN - L'ASSASSINO

2007-12-12T13:34:00.000-08:00

Hitman

Francia,USA 2007

REGIA

Xavier Gens

INTERPRETI

Timothy Olyphant, Dougray Scott, Olga Kurylenko, Robert Knepper, Ulrich Thomsen, Henry Ian Cusick, Michael Offei.

SCENEGGIATURA

Skip Woods

Leggenda vuole che il regista Xavier Gens, alla sua seconda regia, si sia chiuso in casa a vedere ininterrottamente soltanto action di Hong Kong, dai classici di John Woo a quelli più recenti di Johnnie To. Effettivamente il lavoro lo si nota nelle sparatorie molto curate e orchestrate in maniera ineccepibile. Ma è anche il limite di un film che vive soprattutto d’azione senza essere glorificato da una trama decente e da personaggi che non superano la macchietta. Difficile d’altronde trarre di più da un gioco che ha la sua forza nel poter compiere missioni senza essere notato, dove l’azione adrenalinica di un “Doom” lascia lo spazio ad una meditazione anticipatrice che ricorda una regola degli scacchi: “Per vincere non pensare alla prima, ma alla terza mossa”. In questo lode a Gens che trasporta dal mondo videoludico a quello cinematografico una pellicola impossibile da girare, cercandola di nobilitare con una tecnica a tratti impressionante. Il reparto attori è perfetto: Timothy Olyphant incarna perfettamente l’agente 47 del videogioco omonimo, un killer misogino e silenzioso, così come Olga Kurylenko, attrice e modella ucraina, è bella quasi da far male. A incendiare il cuore di molti fan del gioco la ricostruzione fedele di alcuni scenari e l’idea fulminante e geniale di mettere in scena il protagonista in una stanza dove due ragazzini giocano al videogame di Hitman. Peccato che il budget sembri poverissimo con più interni che esterni, con città della Repubblica Ceca camuffate da Mosca o Londra. “Hitman” è certo un film da vedere, molto divertente, ma rimane l’amaro in bocca che sarebbe potuto essere qualcosa di più con un minimo sforzo nello scrivere una sceneggiatura decente. Peccato poi che il film sia stato stuprato in fase di montaggio per renderlo più commerciale ampliando la comunque esigua storia d’amore tra il killer e la bella prostituta russa. Produce l’ex divo d’azione Vin Diesel con la complicità del marpione Luc Besson. Cammeo straordinario del T-Bag di “Prison break”.

di Andrea Lanza

1408

2007-12-07T10:59:00.000-08:00

1408

USA 2007

REGIA

Mikael Hafström

INTERPRETI

John Cusack, Samuel L. Jackson, Mary McCormack, Jasmine Jessica Anthony

SCENEGGIATURA

Matt Greenberg, Scott Alexander, Larry Karaszewski

Belli i tempi in cui Stephen King era sinonimo di garanzia per libri o film. Ora i suoi lettori (e spettatori) sono cresciuti e di merda ne hanno inghiottita a iosa, hanno capito che non per forza il binomio libro buono da’ un film buono. Certo non tutti i registi sono Carpenter o Romero e col senno di poi l’It televisivo era per lo meno vedibile, ma ultimamente le opere tratte da King oltre ad essersi notevolmente assottigliate nel tempo sono diventati compitini presuntuosi che ruotano intorno a quei due o tre temi cari allo scrittore del Maine. Questo 1408 non fa difetto alla sequela di filmetti dimenticabili, anzi ne diviene l’alfiere più autorevole con una pochezza di idee preoccupante e attori di un certo calibro come Cusack o Lee Jackson sciupati in marchette alimentari. La storia è sempre quella, da Shining in avanti, con una camera diabolica che spinge alla follia chi ha il coraggio di affittarla. Interessante certo lo sforzo in fase di scrittura di rendere ancora più umano il personaggio del protagonista, rispetto al raccontino originale di King, affibbiandogli un passato luttuoso con figlia uccisa da malattia. Poteva essere una pellicola quindi anche gradevole se il regista svedese Mikael Hafström e i suoi tre sceneggiatori avessero avuto per lo meno un’idea di cosa sia un film del terrore non banale e tutto il plot invece gira su stesso regalandoci almeno due finali senza mai sapere dove parare. 1408 poteva essere un episodio ottimo di “Masters of horror” se fosse durato 50 minuti, ma i suoi 104 minuti pesano come un macigno. Non aiuta poi certo che i produttori, come spesso in tanto cinema recente d’autore o no (Captivity, Hitman), abbiano defenestrato nel final cut il regista in favore di leggi commerciali non molto condivisibili sul piano qualitativo. Quindi nel volere di Mikael Hafström (autore di un interessante “Evil” e di un brutto “Derailed”) il finale era molto più plumbeo e cattivo. Oddio, non che la cosa avrebbe alzato più di tanto il tiro, ma per lo meno si sarebbe potuto giudicare l’opera nel suo complesso. Consigliato solo a chi è stato dal 1940 in Himalaya senza possibilità di andare al cinema o vedere la tv.

di Andrea Lanza

LA PROMESSA DELL'ASSASSINO

2007-12-04T19:05:00.000-08:00

Eastern Promises

USA 2007

REGIA

David Cronenberg

INTERPRETI

Naomi Watts, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl,

SCENEGGIATURA

Steven Knight

Questa volta un noir puro per Cronenberg, o ancora , un classico gangster movie che, secondo la sceneggiatura di Steven Knight, non sarebbe dispiaciuto a Raoul Walsh. Già, perchè stavolta siamo su territori già ampiamente calcati nella storia del cinema, quasi banali nella loro classicità: le regole della criminalità organizzata come l'immaginario comune le ha assimilate. I dettami del Mafia Movie vengono rispettati pedissequamente e probabilmente in mano ad altri il risultato non sarebbe stato il medesimo. Cronenberg invece trasforma in delirio anatomico tutto ciò che tocca, passa attraverso gli scontri emotivi dei personaggi per suggerire le implicazioni dei loro corpi, più che mai organici, più che mai involucri. L'involucro che contiene la vera protagonista del film, Christine, nata da una madre 14enne morta per dissanguamento,figlia di una violenza carnale e che nel suo dna ha la rivoluzione delle gerarchie criminali costituite. L'involucro di tatuaggi e cicatrici che contiene Nicholai, un gigantesco Viggo Mortensen, un enigma vivente, l'aspirante Re che nasconde dolorosamente il vero se stesso con l'immagine incredibilmente suggestiva, cool, che può avere un hitman della mafia russa. Per sua stessa ammissione privo di madre e padre, morto a 15 anni e da allora abitante della "zona" dove le emozioni non solcano lo sguardo. L'involucro scomodo in cui è contenuto Kirill, Vincent Cassell, il migliore in assoluto, il principe incapace di potestà, insicuro di una identità reietta, sia essa familiare (il sangue) sia essa sessuale (la presunta omosessualità), personaggio complesso ed indispensabile. L'involucro che contiene il mite Semyon, Armin Mueller-Stahl, il Re apparentemente giusto e buono che nasconde dentro la Bestia, capace delle azioni più basse, una figura quasi horror nella sua inespressa psicopatia. Questi sono i corpi senzienti in cui sono sepolti gli orribili segreti. C'è tutta una poetica attraverso parole e sentenze che dipingono un universo profondamente cronenberghiano("seppellisci i segreti coi propri corpi"-"corpo,singolare", "siamo nati già sepolti,io e mio padre","dagli schiavi nascono schiavi","per ragioni poetiche,suggerirei il suo sangue"), frasi intense e "coreografiche" ma fondamentali per Cronenberg che ne trascrive sopra naturalmente i propri temi. Come nella più grande bladefight di tutti i tempi, in cui il guerriero più valoroso, nudo e feroce, conquista il diritto al trono epicamente. Come nel finale solo apparentemente consolatorio, dove nonostante si raggiunga il proposito si ammette, mestamente nello sguardo del nuovo Re, che l'unica soluzione è l'esilio, la negazione di sé, l'abbandono del corpo verso altro.

di Gianluigi Perrone

THE KINGDOM

2007-12-03T06:22:00.000-08:00

The Kingdom

USA 2007

REGIA

Peter Berg

INTERPRETI

Jamie Foxx, Chris Cooper, Jennifer Garner, Jason Bateman e Jeremy Piven

SCENEGGIATURA

Matthew Michael Carnahan

Peter Berg è un regista strano. Le opere precedenti a The Kingdom avevano sempre mostrato di più di quanto uno si aspettasse, con un fiuto eccezionale per le storie bizzarre. In the Kingdom succede il contrario. La trama del film è di quelle importanti: Arabia Saudita e U.S.A. Un didascalico riassunto all’inizio del film analizza 100 anni di collaborazioni tra i due paesi e si conclude con un perentorio “L’Arabia Saudita è il primo produttore di petrolio al mondo, gli U.S.A. sono il primi consumatori di petrolio al mondo” . Perfetto! Ma dopo come associare queste informazione al film. La sensazione è che alla fine non interessasse granchè di continuare questo discorso: in tutto il film c’è solo un timido accenno alle differenza di cultura (ma che palle!!) è basta. Il resto si divide in un timido film investigativo dove le soluzione sono le più banali possibili e una lunghissima e indecifrabile sequenza d’azione, molto più simile ad un sparatutto che a una scena di guerra, che fa finire il film in un modesto quadretto: siamo noi occidentali i salvatori e loro le pecore o siamo noi i cattivi e loro un po’ meno cattivi. Difficile costruire una morale dopo aver abbattuto un centinaio di Arabi, pensate se poi il film aveva lo scopo principale di essere di denuncia. Ma dove sta la denuncia: nelle frasi nascoste sussurrate all’orecchio, brutte parole che uscirebbero solo da un benpensante in un salottino privato prima di entrare in un congresso e far accettare alla gente che la guerra è giusta. Sinceramente non si capisce il film dove voglia andare a parare. Vuole essere di denuncia, ma un pochino action. Un po’ pacifista un po’ azionista. Difficile interpretare il senso dell’operazione. Comunque almeno non annoia ed è già qualcosa. Cast innocuo.

di Daniele Pellegrini

ACROSS THE UNIVERSE

2007-12-03T06:15:00.000-08:00

Across the Universe

USA 2007

REGIA

Julie Taymor

INTERPRETI

Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther

SCENEGGIATURA

Dick Clement, Ian La Frenais

All You Need Is Love. Chissà perché tutte le generazione passano come le loro mode, le rivoluzioni, la loro musica. L’unica che stenta ad appannarsi è la cosiddetta generazione dei figli dei fiori. I loro sogni sono ancora i nostri. Il sogno di Julie Taymor era quello di raccontare questa generazione con la musica degli immortali Beatles. Un musical per raccontare la storia d’amore tra Lucy e Jude (ma va’) nei faticosi 1960s. E per la prima volta si può dire che un film Taymor funziona in toto o quasi. E’ pensare che il peso era colossale. Non si può cadere nel banale quando si parla di Sixteen o Beatles: i detrattori sono troppi e le malelingue ti aspettano sempre come avvoltoi. Con furbizia e convinzione la Taymor lascia che sia la musica dei Beatles a raccontare la storia. Ogni pezzo è stato scelto con intelligenza e incanalato nel giusto stile registico diverso per ogni canzone e stato d’animo (la scena Strawberry Fields Forever è uno spettacolo per gli occhi). Il raggiungimento artistico di Across the Universe è incredibile: il capolavoro non è poi così lontano. Ma c’è un difetto, grosso come il monte Everest: i Beatles. Ma siamo sicuri che siano veramente i Beatles i veri cantori di quella generazione. Di sicuro erano e sono i più famosi, ma su questo aspetto si poteva fare meglio. Forse: i Jefferson Airplane (conigli bianchi a posto di Fragole rosse), i Doors, i The Moody Blues o addirittura i fottutissimi Guess Who (il film ne avrebbe guadagnato in tasso alcolico e donne). Ma meglio di tutti sarebbe stato un Medley di tutti i miglior pezzi anni ’60. Perché capolavoro o no il film può piacere solo a chi è appassionato di Beatles (e li conosce profondamente). In ogni caso, escluso il fatto prettamente conoscitivo, Across the Universe è un film che si fa adorare soprattutto per l’incredibile impatto visivo e per quella spensieratezza narrativa che in qualche modo riesce ad emozionare. Gli attori tutti bravi nessuno escluso, cantano e ballano con una leggerezza sublime. Cammei per Bono (un grande Boh) e Joe Cocker che invece di rifare Little help from my friends ci delizia con una rivisitazione di Come Together in uno dei migliori momenti del film.

di Daniele Pellegrini

THE MATADOR

2007-11-22T00:17:00.000-08:00

The Matador

USA, Germania, Irlanda 2005

REGIA

Richard Shepard

INTERPRETI

Pierce Brosnan, Greg Kinnear, Hope Davis, Philip Baker Hall, Adam Scott, Dylan Baker.

SCENEGGIATURA

Richard Shepard

Cosa implica nella carriera di un attore interpretare una incona come James Bond? Se lo si chiedesse a Pierce Brosnam probabilmente parlerebbe di pro e contro. E' chiaro che si entra instantaneamente nella storia del cinema ma contemporaneamente la propria faccia diventa indissolubilmente legata a quella dello 007 più sexy che sia a servizio di sua maestà. Un prezzo da pagare per una popolarità del genere. Il problema arriva dopo. Come essere credibili per altri ruoli? Daniel Craig lo sta facendo alternando altri lavori completamente diversi, finchè gli permettono di farlo, Brosnam tenta il tutto per tutto. Ed ecco l'ironico The Matador, una commedia molto poco corretta che vede Brosnam in un ruolo non molto dissimile da quello di Bond ma diametralmente opposto. Infatti la vita di Julian Noble è parimenti straordinaria a quella dell'agente segreto ma caratterialmente ne è agli antipodi. Infatti Noble, nonostante il nome, è un rozzo,alcolizzato,tabagista, sboccaso, sessuomane killer professionista. Naturalmente l'ironia della scelta del ruolo è evidente e l'attore pare incredibilmente divertito nella parte del laido assassino. Richard Shepard ci racconta di un momento di evidente depressione del personaggio che, privo di qualsiasi stimolo di vita, si rende conto di aver fatto terra bruciata intorno a sé. Solo, il giorno del suo compleanno, tenta un approccio con un perfetto sconosciuto,Danny Wright (Greg Kinnear),un integerrimo e mite uomo d'affari in difficoltà, che come Noble è a Città del Messico per lavoro. Noble si attacca morbosamente al suo nuovo amico e parte il classico buddy movie, che però si avvale di una sceneggiatura e dei dialoghi talmente accattivanti da essere difficilmente inefficaci. Richard Shepard gira con una regia pomposa e presente, su scenografie coloratissime e appariscenti, trasformando il film in un divertente fumetto che perde di ritmo nella seconda parte ma è assolutamente delizioso per la maggio parte della sua durata.

di Gianluigi Perrone

LA LEGGENDA DI BEOWULF

2007-11-21T23:57:00.000-08:00

Beowulf

USA 2007

REGIA

Robert Zemeckis

INTERPRETI

Ray Winstone, Brendan Gleeson, Angelina Jolie, Anthony Hopkins, Robin Wright Penn, Crispin Glover e Alison Lohman

SCENEGGIATURA

Neil Gaiman e Roger Avary

Accidenti a Zemeckis e alle sue idiozie. E dato che ci sono accidenti anche alla Motion capture, all’ IMAX 3D e a tutte le altre stronzate. Il senso è zero. Beowulf è un buffo cartoon plasticoso fatto con gli scarti di produzione di Shrek. Eppure Zemeckis era un grande innovatore, uno che vent’anni fa aveva fatto il grande salto verso la tecnologia di interazione tra personaggi veri e animati. Insomma non è l’ultimo arrivato che si ciba di tecnologia per evitare carenze tecniche. Quindi immagino che The Polar Express non bastasse come esempio e si doveva ripetere l’errore. La tecnologia si sarà evoluta dall’epoca? Purtroppo non è cambiato molto. Stiamo ancora qui a commentare gli stessi errori; scarsa impressionabilità, movenze irreali, distacco visivo tra i protagonisti e le controfigure e quant’altro. La logica e un pochino di moralità vieterebbero di chiamare a recitare uno come Anthony Hopkins e trasformarlo in un pupazzone: specialmente per uno che ha basato tutto il suo lavoro sulla presenza scenica. Quindi preso atto che la tecnica non funziona o perlomeno è ancora troppo primordiale per impressionare davvero, sorge una domanda; ma era necessario utilizzare questa tecnologia per raccontare Beowulf? Sicuramente non era necessario. Di sicuro un poema come Beowulf non necessitava di un trattamento del genere, al massimo poteva renderlo più accattivante (perché è bene ricordarlo: il poema di Beowulf è una palla mostruosa) alle nuove generazioni che magari in un contesto più classico avrebbero evitato di andare a vedere le gesta del Re caccia mostri per eccellenza. Lo scopo è chiaro; Beowulf deve essere un prodotto di intrattenimento e il difficile lavoro di rilettura viene messo nelle mani di un duo magnifico di sceneggiatori: Gaiman e Avary. Lo scopo del loro lavoro; riuscire a racchiudere in massimo due ore di film le lunghissime gesta dell’eroe, senza però dimenticare che deve essere un film per tutta la famiglia. Il problema è che non si può avere tutto dalla vita. Ci sarebbero volute 5 ore per raccontare bene la storia; il film non dura neanche 2 ore e il risultato è una penosa narrazione didascalica che infila momenti epici (naturalmente deve essere serio) e momenti più o meno umoristici (deve pur piacere a un pubblico che ha al massimo 10 anni). Insomma un bel pastrocchio. Per fare un esempio; nella scena madre dove Beowulf combatte nudo contro Grendel, per evitare di mostrare i genitali del guerriero la regia usa trucchetti come mettere un bottiglia davanti o un spada manco fossimo in un film di Zucker. Di bello c’è la realizzazione di Grendel fatta a computer (e lì sì che serve il computer) e un bellissima Angelina Jolie (anche lì serviva il computer, perché negli ultimi tempi pure la sua bellezza, oltre che la carriera, si sta disciogliendo). Insomma in definitiva, nulla di nuovo sotto il sole. Mi viene solo da piangere al pensiero che non c’è due senza tre. BRRRR

di Daniele Pellegrini

IL NASCONDIGLIO

2007-11-19T00:18:00.000-08:00

Il Nascondiglio

Italia 2007

REGIA

Pupi Avati

INTERPRETI

Laura Morante, Burt Young, Giovanni Lombardo Radice,Venantino Venantini

SCENEGGIATURA

Pupi Avati

Pupi, il cuore è altrove.
Che l’horror sia tornato di gran moda e che sia quasi sempre sinonimo di incassi vertiginosi non è una novità; che altrettanto spesso questo successo di pubblico non sia legato ad una qualità che giustifichi tanto clamore massmediatico, neppure. Così, i tantissimi nostalgici del cinema del terrore che l’Italia sapeva regalare qualche decennio or sono, avevano accolto la notizia del ritorno di Pupi Avati nei territori che dominò prima con La casa dalle finestre che ridono poi con Zeder con giustificato entusiasmo, dimenticando, o forse fingendo di farlo, gli ultimi, neanche così tanti per la verità, passi falsi del regista romagnolo.
Per questo più volte sognato ‘revival orrorifico’ il nostro si trasferisce negli Usa, mettendo in scena una personale rivisitazione del filone ‘case infestate’, dotando il film di un prologo ambientato a metà del ‘900 che è forse la parte più riuscita dell’intera pellicola. Il ritorno ai giorni nostri, che è la conseguenza inevitabile di quello che fu nell’antefatto, non mantiene le promesse che sembrava aver fatto l’atmosfera gotica dei quindici minuti iniziali. Il film sembra con il passare del tempo prendere più la forma del legal-thriller, del cosiddetto ‘giallo di ricerca’ piuttosto che quella che tutti i fan del vecchio Avati auspicavano: le malsane atmosfere che caratterizzavano i precedenti horror del regista sono ridotte alle voci off che infestano la casa, la voglia di angosciare delle pellicole precedenti e che ben si può sintetizzare in quei beffardi sorrisi della casa titolare di quello che forse è il film simbolo del Pupi gotico sembra essere sparita in luogo di un ben più facile compitino. Una pellicola dalla scrittura lineare, sicuramente senza particolari scossoni che potrebbero far deragliare il film, ma anche senza la voglia di osare che era lecito aspettarci. Uno strano ibrido tra nostalgia per quello che si è fatto e paura di tornare ad esagerare, un continuo vorrei ma non posso (o non voglio) esplicitato anche dalla scelta del cast: perchè la presenza di Giovanni Lombardo Radice e di Venantino Venantini sono la prova evidente che la voglia di rimanere attaccato alle origini, al genere, non sia mancata nelle intenzioni, ma la presenza di Laura Morante sembra il paracadute di chi teme di aver puntato troppo in alto.
Rimane così un discreto thriller che sembra più strizzare l’occhio più alla nuova scuola spagnola che alla vecchia guardia italiana: un film asettico nella sua deprecabile perfezione, una macchina che funziona ma che, nonostante qualche momento mirabile (torna l’ossessione del regista per le vecchie maniache), non riesce a consacrarsi come il ritorno di Pupi Avati, quello totale, completo, con la mente ma soprattutto con il cuore.

di Michelangelo Pasini

MILANO - PALERMO: IL RITORNO

2007-11-15T10:42:00.000-08:00

Milano Palermo - Il ritorno

Italia 2007

REGIA

Claudio Fragasso

INTERPRETI

Giancarlo Giannini, Raoul Bova, Ricky Memphis, Simone Corrente

SCENEGGIATURA

Rossella Drudi

E' importante chiarire che l'esistenza di una cinematografia sana si basa sul cinema popolare, il cinema di genere e l'entertaiment. Non sempre quello che vuole il pubblico è quello che funziona veramente,anzi raramente ma privare il cinema di un certo tipo di identità è quantomeno dannoso. Ecco perchè Milano Palermo Il Ritorno è un film essenziale per il cinema italiano, tanto quanto lo è stato Arrivederci Amore Ciao di Michele Soavi(che non a caso fa un cameo nel film). Tant'è. Fragasso fa ancora una volta un film internazionale, con un cast tutto italiano ma veramente notevole,massiccio e funzionale. Tralasciando i soliti noti (Loverso,Giannini,Bova)sono i coprimari a fare il lavoro migliore. Libero DeRienzo, il sempre romanissimo e tosto Ricky Memphis,SImone Corrente vestito da Wolverine e i giovanissimi attori del film. La storia non val manco la pena raccontarla, ed in effetti nonostante una scrittura funzionale e alcune scene azzeccate il plot è volutamente banale e a volte fine a sé stesso per avere un respiro quanto più commerciale possibile. Il risultato è una elegia del genere attraverso l'azione ma anche il western che Fragasso cita a piene mani, in maniera veramente sapiente ed inaspettata. Sparatorie complesse in stile hongkonghese, una regia piena ed intensa, tutto sommato senza esagerare il film intrattiene ed emoziona anche se non centra ogni momento nel complesso a causa di un plot che non tiene abbastanza. Aria fresca per il cinema italiano,comunque e sempre.

di Gianluigi Perrone

I GUARDIANI DEL GIORNO

2007-11-15T10:18:00.000-08:00

Daywatch/Dnevnoy dozor

Russia 2006

REGIA

Timur Bekmambetov

INTERPRETI

Vladimir Menshov,Valery Zolotukhin,Rimma Markova,Galina Tyunina,Victor Verzhbitsky,Aleksei Chadov,Konstantin Khabensky

SCENEGGIATURA

Timur Bekmambetov e Sergei Lukyanenko

Tibur Bekmambetov torna ancora con la saga di Nightwatch di Lukyanenko, grandissimo successo in patria e chiave di svolta per l'industria cinematografica russa. Questo secondo capitolo pare essere ancora più denso di azione del precedente. Quello che colpiva del primo capitolo era la maniera assolutamente cafona ma efficace con cui Bekmambetov utilizzava tutti gli espedienti visivi più di impatto, scene d'azione oltre l'immaginabile, bullet time e ralenti a manetta e l'epitome dell'esagerazione. Nel secondo arriviamo ad affrontare i grattacieli e il mito dei guardiani della forze del bene e del male si evolve in direzione verticale. Per fortuna la produzione russa ha capito di non doversi fossilizzare sul modello originale. Daywatch infatto è scritto molto meglio del precedente, la storia è decisamente più complessa e densa di svolte narrative e colpi di scena. Lo stesso protagonista,Anton, si produce in performance complesse e grottesche, approfondendo notevolmente il personaggio. Per adesso il futuro del cinema russo è legato esclusivamente a Bekmambetov e dopotutto ai fuochi d'artificio, ma se dovesse far scuola abbiamo una scena notevole da cui attingere.

di Gianluigi Perrone

TIDELAND - IL MONDO CAPOVOLTO

2007-11-15T10:05:00.000-08:00

Tideland

USA 2006

REGIA

Gregory Hoblit

INTERPRETI

Jeff Bridges, Jodelle Ferland, Janet McTeer, Brendan Fletcher

SCENEGGIATURA

Tony Grisoni e Terry Gilliam

L'interpretazione di Terry Gilliam del durissimo romanzo di Mitch Cullin è decisamente uno dei lavori più controversi degli ultimi anni. Da una parte lo stile di Gilliam è evidente, assolutamente riconducibile ai lavori precedenti del regista, Paura e Delirio a Las Vegas e La Leggenda del Re Pescatore soprattutto. Dall'altra è un film incredibilmente disperato e acre che quasi cozza con lo stile irreale del regista. Infatti se la storia della piccola Jeliza Rose, figlia di due tossici diretti in overdose,abbandonata nelle mani del popolo che vive ai margini nel mondo visto coi suoi occhi di novella Alice (Carroll è l'ispirazione principale del romanzo), è estremamente crudele e non può che riempire lo spettatore di un surreale,poetico disagio, non è escluso che sia proprio la regia di Gilliam a edulcorare minimamente un testo estremamente nero. Nonostante il film sia incredibilmente forte ed efficace, probabilmente grazie anche a ottimi interpreti, un Jeff Bridges hyperdude ed una Janet McTeer a la Carl McCoy ma soprattutto al "fenomeno" Jodelle Ferland, questo piccolo gioiello di schizofrenia, non riusciamo a immaginare quanto sarebbe stato duro il suo approccio in mano ad un Armony Corine o a Gregg Araki. Ma quello che sarebbe potuto essere non ha senso, visto che comunque l'interpretazione del testo di Gilliam è comunque delicatamente perversa e orbita intorno a necrofilia e pedofilia senza però addentrarvici troppo. Tideland potrà avere dei difetti(alcune lungaggini ad esempio) ma va visto con la parte giusta del cervello e con sufficiente apertura mentale da accettare la bellezza dell'abiezione e dell'orrore di vita , come era comunque Henry di McNaughton, ma trascendendo il genere o idealmente abbracciandoli tutti. A suo modo unico.

di Gianluigi Perrone

IL CASO THOMAS CRAWFORD

2007-11-10T17:32:00.000-08:00

Fracture

USA 2007

REGIA

Gregory Hoblit

INTERPRETI

Anthony Hopkins, Ryan Gosling, David Strathairne e Rosamund Pike

SCENEGGIATURA

Daniel Pyne e Glenn Gers

Un ingegnere aeronautico (Anthony Hopkins) uccide la moglie creando un delitto perfetto. La pratica dell’accusa viene affidata a Willy Beachum (Ryan Gosling), giovane e rampante avvocato che è un procinto di lasciare la procura distrettuale per entrare in uno studio privato. Però quello che doveva essere un processo lampo si trasforma in un gioco al gatto ed al topo.
Ennesima delusione di Gregory Hoblit, che dopo un paio di buoni film all’inizio è scivolato in un abisso di prove mediocri da cui sembra non volere uscire. Fracture è un innocuo esempio stilistico di duello tra due personaggi; Hopkins rifà Hannibal Lecter, mentre il bravo Gosling ritira fuori tutto (o quasi) il suo bagaglio di ragazzino duro. Un duello dialettico dove i due si fronteggiano a colpi di lunghissimi dialoghi che allungano a dismisura la pellicola. Insomma un thriller di poca cosa questo Fracture che cerca eloquentemente di fare solo due cose: incastrare quà e là qualche pezzo del puzzle e far giocherellare il più possibile i protagonisti. C’e pure un timido accenno critico ad un sistema legislativo, ma è troppo poco messo in risalto per essere il tema portante; un vero peccato perché ad un certo punto poteva prendere questa strada e il film ne avrebbe di sicuro guadagnato. Insomma un'altra grande occasione persa per questo Hoblit che infila per lo meno una buona dose di inquadrature azzeccate e ci da prova di un’ innata capacità di saper dirigere gli attori. Se solo lo script fosse stato meglio.

di Daniele Pellegrini

THE BOURNE ULTIMATUM

2007-11-07T12:30:00.000-08:00

The Bourne Ultimatum

USA 2007

REGIA

Paul Greengrass

INTERPRETI

Matt Damon, David Strathairn, Joan Allen, Albert Finney, Paddy Considine, Scott Glenn e Julia Stiles

SCENEGGIATURA

Tony Gilroy e Scott Z. Burns

Capitolo finale della trilogia sull’ agente segreto smemorato più famoso del cinema (se ampliamo il campo ci sarebbe XIII a cui forse Robert Ludlum avrebbe dovuto qualcosa). Caso strano in questo senso è il sottotitolo italiano di smithiana memoria: Il ritorno dello sciacallo. Chi non ricorda il dibattito sulle trilogie in Clerks 2 tra “Il ritorno dello Jedi” e “Il ritorno del Re” (che a dir la verità fanno pena tutte e due). Ecco per una volta i distributori italiani danno un idea di quello che è e che sarà per sempre la saga di Jason Bourne: il miglior esempio degli ultimi anni di un trilogia fatta con coerenza e passione. Detto questo c’è da dire che lo sciacallo (mi viene in mente solo il film di Zinnemann) lo avranno visto solo i distributori italiani. Ok, estrapolazione del cavolo, passiamo al film. La regia viene di nuovo affidata all’istrione con tendenze al Parkinson (con tutto il rispetto possibile per la malattia) di nome Paul Greengrass, già autore del notevole secondo capitolo e di altri buoni prodotti più o meno politici (in realtà lui è un regista di cronaca). Difatti per la prima volta la saga cerca di fare politica. Ed ecco spuntare come per magia il termine “omicidio preventivo da parte di agenzie segrete”. Cose brutali che ormai non sono più ipotesi di complotto, ma cronaca. Quella cronaca scritta su un trafiletto di qualche giornale (naturalmente non italiano, non si sa mai). Ecco un altro caratteristica di questo ultimo capitolo: il giornalismo. Per la prima volta nella saga la storia di Bourne esce dai corridoi dei palazzi dei servizi segreti e si affaccia al mondo reale sulle pagine di un giornale. Ed è strano che poi sia proprio da lì che parta la caccia a Jason Bourne; le grandi teste possono accettare spie e contro spie, giochi di potere e quant’altro ma non possono far sapere al mondo quello che sta succedendo; cioè “omicidio preventivo da parte di agenzie segrete” di cui lo stesso Bourne ne è l’essenza. Tutto torna insomma come gli svariati inseguimenti e lotte, marchio di fabbrica della saga. Da Mosca a Tangeri, da Madrid a New York ci sarà sempre da menare o da spingere a tavoletta l’auto (o la moto. la grande novità) in inverosimili inseguimenti. Inutile dire che anche questa volta questi non tradiscono l’attesa ma se vogliamo proprio mettere i puntini sulle “i” non aggiungono molto a quelli che avevamo già visto nei primi due capitoli. Associamo poì un finale semplice che riesce a concludere la saga con intelligenza e convinzione e avrete un idea di che cosa è la saga di Bourne. Un plauso al responsabile del casting per la scelta dei comprimari; dal primo capitolo si sono affacciati gente del calibro di Chris Cooper, Clive Owen, Franka Potente, Karl Urban, Joan Allen, Brian Cox, David Strathairn, Scott Glenn, Paddy Considine e Albert Finney, aggiunti al fatto che Matt Damon in tutta la saga parla pochissimo; è un altro valore aggiunto in più da accreditare alla saga.

di Daniele Pellegrini

QUEL TRENO PER YUMA

2007-11-04T13:24:00.000-08:00

3:10 To Yuma

UK 2007

REGIA

James Mangold

INTERPRETI

Christian Bale, Ben Foster, Russell Crowe, Alan Tudyk, Vinessa Shaw, Peter Fonda, Gretchen Mol, Kevin Durand

SCENEGGIATURA

Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas

Più che un remake, questo di James Mangold è una rivisitazione blockbuster del racconto di Elmore Leonard che dopotutto era l'elemento più forte del film. Mangold non è incapace, i problemi dei suoi film sono semplicemente una mentalità che dà più peso ad elementi che tendono a annacquare un vino che altrimenti può inebriare. Vedasi l'impronunciabile biopic su Johnny Cash. In 3:10 To Yuma in fin dei conti ci sono elementi positivi ed altri negativi. Non era difficile dare forza alla esperienza di convivenza forzata tra il feroce bandito Ben Wade ed l'umile contadino Dan Evans quando hai come interpreti Russell Crowe e Christian Bale. Ed infatti i due personaggi giganteggiano,le frasi rimbombano nelle loro bocche e rapiscono troppo la scena per biasimare le inspiegabili lungaggini che vessano sul corpo centrale del film. In effetti il film è assurdamente lungo e non tiene conto della suspance che teneva l'originale, trasformando il film in una epica storia d'onore tra due personaggi fortissimi. Eppure quello che era sulla carta era altro. E infatti è nel finale(cambiato per l'occasione) che il film prende quota e ritmo,complice una ritmo tamburellante ed una regia nerboruta. Mangold ha fatto quello che spesso tentano di fare i registi che oggi(raramente) tentano di riportare in auge il western: guardano un sacco di vecchi film del genere trovando maggiormente interessanti gli spaghetti western e quindi ne aggiungono gli elementi nel film. Se il film originale era uno western di regia grossomodo classica con qualche elemento differente dal solito, il suo remake è un western sensazionalista e fracassone che prende regia e molte trovate dalla tradizione italiana. Il film alla fine funziona perchè gli elementi sono professionali, attori di personalità (compreso un Ben Foster in stato di grazia)e dopotutto rispetto per il modello originale.

di Gianluigi Perrone

STARDUST

2007-11-04T11:51:00.000-08:00

Stardust

UK 2007

REGIA

Matthew Vaughn

INTERPRETI

Charlie Cox, Sienna Miller, Peter O'Toole, Mark Strong, Jason Flemyng, Michelle Pfeiffer, Robert De Niro e Claire Danes

SCENEGGIATURA

Jane Goldman e Matthew Vaughn

Che il fantasy sia di moda è un dato di fatto; a pochi anni dal portentoso successo del Signore degli anelli già si può fare un piccolo bilancio sull’ enorme quantità di pellicole ambientate in mondi fantastici e magici. Tralasciando l’adolescenziale Harry Potter che fa gioco a se, purtroppo il genere sembrava ancorarsi a prodotti più o meno innocui; film che generavano scarso interesse se non avevi meno di dieci anni. Serviva un po’ di maturità nel genere; e dove trovarla se non in Neil Gaiman vero cantore del new fantasy letterario. Matthew Vaughn, già produttore di Ritchie e nonché regista del bellissimo Layer Cake (da noi uscito con il titolo di Pusher), deve aver capito subito il potenziale di tale operazione. Un Gaiman trasportato al cinema con parecchi soldi di budget è un autentica miniera d’oro. Peccato che scelga di fare il romanzo più deliziosamente classico dello scrittore. Stardust alla fine non è altro che un fantasy vecchio stile ringiovanito dagli effetti speciale che cerca di ricalcare le orme degli ormai classici La storia fantastica e Willow. Il rischio è di cadere in un restyling ridicolo; per fortuna gli riesce quasi tutto. Come avevo detto le basi sono classiche; Vaughn si preoccupa principalmente di creare una storia che sia più il veloce possibile. Non gli interessano per fortuna le piccole sfumature o le grandi scene epiche. In Stardust c’è la storia (una cometa caduta o l’eredità del Re) e grandi e piccoli personaggi che interagiscono con essa nel modo più semplice e divertente possibile. Prendete il capitano Shakespears, interpretato finalmente da un ottimo DeNiro; un pirata che nasconde alla ciurma il suo essere gay. Un personaggio talmente goliardico che pure la sua breve apparizione sarà elettrizzante. O i fantasmi dei potenziali re uccisi, che seguono le vicende da spettatori non paganti. In poche parole Stardust è un opera essenziale e divertente che di certo non deluderà gli spettatori di qualsiasi età. C’è solo un pò di malinconia nel vedere anni fa la trasposizione di MirrorMask in versione low “Tiratissimo” budget e l’incubo di non vedere mai un film su Sandman o American Gods. Speriamo solo che questo Stardust abbia aperto la coscienza dei produttori.

di Daniele Pellegrini

INVASION

2007-11-04T11:22:00.000-08:00

Invasion

USA 2007

REGIA

Oliver Hirschbiegel e James McTeigue

INTERPRETI

Nicole Kidman, Daniel Craig, Jeremy Northam, Jeffrey Wright

SCENEGGIATURA

David Kajganich

A quanto stiamo? Al terzo rifacimento. E pensare che ero pure ben accetto da l'idea di una rimodernizzazione dell'invasione degli ultracorpi di Don Siegel. In fin dei conti, come nel primo, anche Kaufman e Ferrara avevano usato il racconto di Jack Finney come specchio delle paure dell'epoca. Insomma visto come siamo messi c'è materiale per ricamarci sopra. Eppure c'è qualcosa che non quadra nella versione di Oliver Hirschbiegel (sostituito nel finale da McTeigue). Un male che affligge molti film del nuovo millennio; la spiegazione scientifica. La paura in cambio di paroloni come cellula, micro-organismi e DNA. Un baratto difficile da accettare per chi si aspetta un film con un minimo di tensione. Non sarò io a dare lezioni di cinema a chi lo fa di mestiere; ma è l'ignoto che fa paura. Il risultato di questa decisione può portare solo a un film noioso, presuntuoso e senza la consapevolezza di come finirlo. Eppure da salvare c'è la protagonista (Nicole Kidman), spaesata spettatrice di una carneficina. Tutti si chiedono perché o per cosa mentre a lei interessa solo di salvare suo figlio. Agisce per un istinto naturale; la cara e vecchia sopravvivenza. Risulterà in fin dei conti l'unico personaggio vero e interessante di un film sterile e scritto male (chiedete al povero Daniel Craig, a lui le battute peggiori del film). Avevo detto prima che il film non aveva la consapevolezza di come finire. Almeno questa è la sensazione dopo un'oretta di film. Il risultato è ancora peggio. Un bieco tentativo di trasformare un film noioso ma pure sempre intelligente in teatrino mal riuscito per l'intrattenimento. Un distacco enorme che fa scivolare il film in un inverosimile happy end. Quindi senza fare le dovute differenze con il finale strepitoso dell'invasione degli ultracorpi di Kaufman (da noi uscito con il titolo Terrore dallo spazio profondo) mi piacerebbe giudicare il film con il materiale scartato da McTeigue. Solo così si può dare un giudizio obiettivo di Invasion. Perchè per quello che ho visto è pessimo e la maggior parte delle colpe vanno distribuite negli ultimi minuti del film. Il resto poteva essere interessante. Giudizio in sospeso quindi.

di Daniele Pellegrini

LA TERZA MADRE

2007-11-03T18:08:00.000-07:00

La Terza Madre

ITA 2007

REGIA

Dario Argento

INTERPRETI

Asia Argento, Udo Kier, Robert Madison, Clive Riche, Coralina Cataldi Tassoni, Moran Atias, Tommaso Banfi

SCENEGGIATURA

Dario Argento, Jace Anderson , Walter Fasano, Adam Gierasch, Simona Simonetti

Allora siamo tutti d'accordo che Dario ultimamente(un paio di lustri) non è al suo massimo. Però almeno a livello visivo i Masters of Horror lasciavanop presagire che ci fosse un po' più di coscienza del mezzo cinematografico rispetto a disastri come Ti Piace Hitchcok o Il Cartaio. Bene, era presumibile che per La Terza Madre, terzo film della serie dopo due film veramente belli come Suspiria e Inferno, ci fosse un po' più di cura stilistica per cercare di non fare brutta figura. D'altronde è un film attesissimo. Ebbene niente! Anzi peggio del peggio. Sì perchè sinceramente Non Ho Sonno o Il Cartaio, con tutti i difetti di sceneggiatura che potevano avere, non arrivano al nulla de La Trza Madre. Il film non parla di niente, c'è semplicemente Asia Argento che corre inseguita da qualcosa di mostruoso. Sembra che abbiano girato solo scene di omicidio quanto più cafonemente violente possibile senza metterci quelle di raccordo. Non si riesce a capire come sia possibile fare un lavoro tanto pessimo. Nemmeno nel peggior amatoriale si incappa in scivoloni del genere. A parte le musiche di Simonetti, che sono belle, con la canzone cantata da Dani dei Cradle of Filth, non c'è niente altro che si salvi. Niente. Addirittura incomprensibile come possano aver ridotto così il trucco, che non rivela un minimo di capacità. Spingono su gore e sesso manco stessimo parlando dell'ultimo film tedesco prodotto a zero budget, la Moran Atias compare giusto per mostrare il pelo. Non si riesce veramente a crederci a quanto sia banale la trama. Non c'è molto da dire se non che il film semplicemente non c'è.

di Gianluigi Perrone

REIGN OVER ME

2007-10-16T16:26:00.000-07:00

Reign over me

USA 2007

REGIA

Mike Binder

INTERPRETI

Adam Sandler, Don Cheadle, Jada Pinkett Smith, Liv Tyler, Mike Binder, Donald Sutherland

SCENEGGIATURA

Mike Binder

Alan Johnson (Don Cheadle) è un Dentista di New York, debilitato da un moglie dolente e intrappolato da un lavoro non soddisfacente. Un giorno, casualmente, incontra Charlie Fineman (Adam Sandler), suo vecchio compagno di università, dilaniato dalla perdita della propria famiglia nel fatidico 11 settembre. Charlie per paura di ricordare il suo dramma famigliare si chiude completamente al mondo, creandone uno suo fatto di musica anni '70, Mel Brooks, ristoranti Cinesi e Shadow of Colossus. Il Dott. Johson cercherà di aiutare Charlie a ricordare. Naturalmente è facile parlare di 11 settembre: la tragedia e l'orrore erano sotto gli occhi di tutti. Quello che non è facile è parlare del post-11 settembre: i giorni della paura, dell'incomunicabilità, della voglia di non tornare indietro a riflettere. Reign over me parla di questo. Charlie è solo uno dei tanti alienati che si chiude come un riccio pur di non affrontare le proprie paure in un città soffocata dall'incapacità di giustizia (e la giustizia non è la legge del taglione). New York (incredibilmente fotografata) è il grosso colosso che pesa sulle spalle dei loro abitanti (importante in questo caso la similitudine con Shadow of Colossus). Charlie, non ha fatto niente di speciale; a differenza degl'altri ha trovato solo il modo per non piangere. Magari non è per amicizia ma più per curiosità (come ogni persona al mondo davanti ad un Tv) che il dott. Johnson lo accompagna verso il viaggio per ricordare. Lui vuole sapere. E' desideroso di sapere come può essere stare da soli: se c'è plausibilità nell'isolamento. Lui vuole essere Charlie senza il dolore. Un modo egoistico per non affrontare i problemi. Eppure lui non ha sofferto nessuna perdita nell' 11 settembre, ma vuole scappare come Charlie. L'11 settembre forse è solo il giorno in cui la maggior parte della popolazione si è resa conto di essere indeterminante per le sorti del mondo. E' se non c'è voglia di parlarne, resta solo la frustrazione. Magari mi sbaglierò, ma questo Reign over me (citazione di una canzone di Quadrophenia degli Who) non è il semplice lacrima movie anche se dal finale si direbbe di si. Manca la compatibilità tra i personaggi e gli spettatori. Nessuno vorrebbe essere un uomo che asseconda i problemi e di certo nessuno verserà mai lacrime per dei sociopatici volontari. Questo non significa che il film non emoziona, anzi il motore principale del film è emotivo. L'attesa per quel pianto liberatorio è snervante quanto basta per renderlo uno dei film più drammatici dell'anno. Ma c'è dell' altro in questo Reign over me: un dito medio alzato verso un mondo che non si rispecchia più. Quella voglia maledetta di essere lasciati in pace. Qualche parola va spesa anche per un monumentale Adam Sandler. In precedenza non avevo grande simpatia per questo attore (anche quando aveva lavorato con Anderson). Ma la sua interpretazione in questo film a metà tra il drammatico e il buffo (ricorda molto il primo Hoffman) vale da solo tutto il film. Applausi per lui.

di Daniele Pellegrini

MR BROOKS

2007-10-15T09:11:00.000-07:00

Mr Brooks

USA 2007

REGIA

Bruce A. Evans

INTERPRETI

Kevin Costner, Dane Cook, Demi Moore, William Hurt

SCENEGGIATURA

Bruce A. Evans,Raynold Gideon

Earl Brooks (Kevin Costner) è un famoso imprenditore, uomo dell'anno ma è sopratutto il killer dell'impronte. Doppia personalità o secondo lavoro: chiamatelo come vi pare, ma Mr.Brooks è bravo in quello che fa. Tanto bravo a cancellare le prove che nessuno è ancora riuscito a prenderlo. Vorrebbe smettere, ma il suo Alter Ego di nome Marshall (William Hurt) glielo impedisce. Un giorno per errore durante un omicidio lascia le finestre aperte e un fotografo voyeurista (Dane Cook) scatta delle foto e lo ricatta chiedendogli se può insegnargli a diventare un serial killer. Come se non bastasse l' isterica detective Tracy Atwood (Demi Moore) è vicinissima ad incastrare Mr.Brooks.
Improbabilità è il termine giusto per definire questo film. Dove è finita la logica narrativa? mettere in scena un Alter Ego che gigioneggia per due ore di film, fottendosi dei tempi cinematografici, è roba da folli. Per non parlare dell' intuizioni miracolose della detective o di come vengono a contatto i vari personaggio. Il film inoltre costruisce anche delle teorie infondate sull'eredità genetica del serial killer. Magari bastava accentrare la storia sul solo e unico Mr.Brook ma il film ci propina una miriade di personaggi (e di serial killer) che riescono a distogliere lo spettatore dal tema principale. Neanche si può affermare che sia un occasione sprecata in quanto di queste storie c'è ne sono state e c'è ne saranno per sempre. Il tema dello sdoppiamento come quello dell’insospettabilità del serial killer (Petri insegna) è stato usato e abusato spesso dal cinema e Mr. Brooks ne esce al confronto da incompetente . C'è solo un piccolissimo interesse nel vedere un Costner diverso dal solito. Insignificante soddisfazione, insieme al bel finale che non può certo elevare un film come Mr.Brooks.

di Daniele Pellegrini

CEMENTO ARMATO

2007-10-15T08:57:00.000-07:00

Cemento Armato

Italia 2007

REGIA

Marco Martani

INTERPRETI

Giorgio Faletti, Nicolas Vaporidis e Carolina Crescentini

SCENEGGIATURA

Fausto Brizzi

Senza mettere in mezzo la polemica noiosa e ipocrita sulla morte vera o presunta del cinema italiano, Cemento armato rimane comunque uno di quei film nati per far discutere. Fa discutere perché realizzato in un periodo in cui sembra che tutti debbano per forza urlare e dimostrare che i generi ancora esistono, e godono di ottima salute. Niente di più falso. Almeno nel caso del film di Marco Martani: tentativo lodevole, indubbiamente, ma se questo è sufficiente a giustificare qualsivoglia risultato, allora significa che la crisi c’è ed è anche grossa. Il motivo della tragica malriuscita di Cemento Armato, a pensarci bene, è uno solo: dimentichiamo per un attimo la sceneggiatura colabrodo e incoerente, i dialoghi da farsa e le interpretazioni dilettantesche, perché hanno il loro ruolo solamente fino a un certo punto. No, il problema del film si chiama televisione. O fiction, che dir si voglia. Cemento armato è talmente subordinato agli standard televisivi di questi tempi da mettere veramente una gran tristezza: non c’è cinema in tutto questo, non c’è nessuna idea, nessuna visione del mondo o delle cose; Cemento Armato vorrebbe volare alto, ma finisce per cadere rovinosamente a terra con un gran tonfo. Trasmettiamolo in prima serata su Canale 5, e vi accorgerete che nessuno saprebbe distinguerlo da un Distretto di polizia qualsiasi: eccola qua la prova del nove. C’è chi, per difenderlo, tira in ballo i poliziotteschi anni 70, di come siano stati sottovalutati all’epoca auspicando tra qualche anno una rivalutazione anche di Cemento Armato: chi sostiene questo dimentica forse che, nel cinema italiano di trent’anni fa - bello o brutto che fosse - la fiction non era ancora cancro per le idee e i generi come invece accade oggi. E la conseguenza è il ridicolo involontario, sempre pronto a fare capolino da dietro l’angolo.

di Giacomo Calzoni

RESIDENT EVIL 3

2007-10-14T10:53:00.000-07:00

Resident Evil: Extinction

USA 2007

REGIA

Russell Mulcahy

INTERPRETI

Mike Epps, Milla Jovovich, Sienna Guillory, Oded Fehr, Iain Glen

SCENEGGIATURA

Paul W. S. Anderson

Diciamolo: la trilogia di “Resident Evil” è già un classico per le nuove leve al pari forse di come è stata la trilogia romeriana per le vecchie generazioni. Certo facendo le legittime distanze: Romero è un classico, sicuramente più artistico di quanto possa essere mai la saga con Milla Jovovich. Paragonarli sarebbe già ingrato, come mettere a confronto un Kubrick con un Danny Boyle, anche se quest’ultimo ha portato sul grande schermo un’interessante e affascinante versione personale di “2001”. Ma è l’approccio con il tema a rendere paragonabile i due animi: da un lato l’arte, dall’altra la fruizione popolare, ma con lo stessa identico tema, quello degli zombi. “Mezzogiorno di fuoco” è un capolavoro? Certo. Tex Willer è immondizia? No di certo. Nel 1979 quando gli Zombi di “Dawn of the dead” irruppero su tutti gli schermi trovarono un mondo lontano da questo odierno, niente computer, che cazzo era la Ps2, l’X box, il Nintendo, loro eravamo noi, ora non più. “Resident evil” nasce da un videogame che nasce dai film di Romero, due mondi di per se stesso incolmabili, tanto che lo stesso Romero fallirà nel tentativo di dirigere il primo “Resident evil” e ci riuscirà egregiamente il quasi sconosciuto Paul W.S. Anderson. Romero è e resta un grandissimo, sia detto senza timore, ma ora come ora si agita come un ritornante di Anne Rice tra prove sbagliate (Bruiser) ed altre che vent’anni prima sarebbero state innovative (Land of the dead). Questo non è il suo mondo, i suoi ragazzi cadaveri ne hanno fatta di strada da “La notte dei morti viventi”, si sono fatti furbi, corrono persino, questa “Terra dei morti viventi” dev’essere descritta da altri. E perciò entra in campo “Resident Evil”, la zombie saga per eccellenza del nuovo millennio. Quello che contraddistingue i tre capitoli è la diversità della regia, l’approccio dei tre registi nell’affrontare la stessa vicenda nel suo evolversi: più classica in Anderson, più adrenalinica in Witt e più apocalittica in Mulcahy. Ogni tassello di questa epopea è uno sguardo in una diversa rappresentazione dell’irreale narrato. In questa terza parte Mulcahy ci porta direttamente all’inferno, una landa desolata ormai dominio dei morti viventi, in un’idea saccheggiata e ampliata da “Day of the dead” di Romero. Mulcahy sia chiaro è regista inetto, ha girato di buono in vita sua solo due o tre film, ma qui è in uno stato di grazia senza paragoni, non cade mai nel facile virtuosismo, ma mantiene una regia sobria, quasi fordiana. E qui siamo in campo western senza dubbio, con queste carovane di disperati che passano di città in città, dove i cattivi, gli indiani, sono stati sostituiti da zombi. Non esiste sceneggiatura forse è vero, ma c’è un divertissement non banale nel passare da schema in schema come si trattasse di un videogioco della serie. Si ha la famiglia di stupratori (cannibali?) con cani mutanti al servizio, i corvi spolpa carne, gli zombi podisti e quelli più lenti, ogni quadro sempre più difficile fino al boss finale, uno scienziato che i puristi chiameranno Tyrant, dalle sembianze di un umanoide tentacolare. La sceneggiatura banalizza quello che poteva essere studiato meglio (i rapporti coi personaggi, i legami col capitolo precedente), ma gioca con i luoghi comuni della serie con una certa abilità (vedere l’intro con la morte dell’eroina). Anche l’impianto scenografico fa la sua bella figura, con una Las Vegas diventata discarica del mondo, roba certo non di seconda scelta. E’ cinema pop corn sicuramente, per alcuni cafonata usa e getta, ma diamine tremendamente divertente. E come fare a non parteggiare per l’eroe quando sorridente si fa saltare in aria mentre fuma un cannone? E’ cinema all’ennesima potenza non ci sono dubbi.

di Andrea Lanza

SHREK TERZO

2007-10-10T15:22:00.000-07:00

Shrek the Third

USA 2007

REGIA

Raman Hui, Chris Miller

INTERPRETI

Mike Myers, Eddie Murphy,Cameron Diaz, Antonio Banderas, John Cleese

SCENEGGIATURA

Jeffrey Price,Peter S. Seaman,Jon Zack

La saga di Shrek arriva al terzo capitolo e segna un'altra tacca importante per le vittorie della computer grafica. Questa volta Shrek si deve confrontare con la paternità e la corte di Far Far Away con l'attacco dei cattivi a capo del principe Azzurro. Al di là degli eventi, quello che diverte sono le gag incredibilmente esilaranti e la bravura degli sceneggiatori a inquadrare dei personaggi da fiaba in situazioni moderne ed esilaranti. Ogni personaggio diventa un grande comico slapstick, si umanizzano in maniera mi fatta prima. Tecnicamente si fanno passi da gigante. Oramai quello che non è plausibile sono solo i volti. Peli,lana,cotone,roccia sono tutti reali. L'effetto è consegnato ancora di più grazie alla regia che sembra esistere e muoversi in un ambiente che in realtà non esiste. Quindi dovrebbe essere inutile ma in realtà è una ripresa geniale per rendere rendere tutto reale,soprattutto nelle scene d'azione.

di Gianluigi Perrone

UN'IMPRESA DA DIO

2007-10-10T15:14:00.000-07:00

Evan Almighty

USA 2007

REGIA

Tom Shadyac

INTERPRETI

Steve Carell, Morgan Freeman, Lauren Graham, John Goodman.

SCENEGGIATURA

Steve Oedekerk, Joel Cohen

Il primo film, Una Settimana da Dio di Tom Shadyac, era un ritorno commerciale di Jim Carrey a ruoli più rassicuranti per il pubblico, con il team di film fortunati come Bugiardo Bugiardo. Qui Steve Carrell, star del Saturday Night Live, era solo una comparda. Adesso, con i successi di 40 anni vergine e la serie The Office, versione americana della serie inglese, viene promosso a protagonista ed il film diventa Evan Almighty. Qui sappiamo subito che il protagonista diventa da giornalista televisivo a membro del congresso a Washington D.C. e ha una nuova vita piena di autocelebrazione,fitta di impegni e assolutamente priva di dedizione della famiglia. Dio, che come si sa gira solo da quelle parti, negli States(c' ha la casa a Los Angeles nella casa che era di Marlon Brando, vicino di Jack Nicholson) lo incontra e lo intima a costruire una nuova arca dell'alleanza. Sapevate che Mosè era stato scelto per avere la barba e i capelli lunghi? Perchè a Evan cominciano a crescere e si trova costretto a portare famiglia e 150 animali a spasso con il barcone. Già, peccato che Steve Carrell non è Jim Carrey e che senza l'istrionico attore a rimbalzare per i muri non c'è soluzione. Non che Carrell non sia efficace ma ha una comicità diversa, più tongue-in-cheeck, che diventa assurda quando è Brick in Anchorman o il buon sfigatone di 40 Anni Vergine. Però non c'è mordente in Evan Almighty e il film si fa guardare solo per l'immane uso di computer grafica.

di Gianluigi Perrone

28 SETTIMANE DOPO

2007-09-25T17:45:00.000-07:00

28 Weeks Later

UK ,Spagna 2007

REGIA

Juan Carlos Fresnadillo

INTERPRETI

Robert Carlyle,Jeremy Renner,Rose Byrne,Imogen Poots e Mackintosh Muggleton

SCENEGGIATURA

Rowan Joffe e Juan Carlos Fresnadillo

Quello che fa effetto della saga biohazard di 28 After è questa caratteristica degli infetti dalla rabbia di spruzzare e vomitare saliva e sangue ovunque. Ha un che di malato che fa venire voglia di lavarsi in una vasca di plutonio. Se fossimo in era da fobia AIDS questi film sarebbero considerati rivelatori. Lo era The Crazies di Romero di cui non sono altro che remake. Per il sequel di 28 Giorni Dopo, Juan Carlos Fresnadillo(Intacto) immagina una diffusione trasversale della rabbia e di un gene immune in alcuni,ovviamente se trattasi di un bambino è ancora più accattivante. Il film è una lunga fuga disperata dall'invasione di questi esseri mentre il governo ha raso al suolo Londra e comincia a fare piazza pulita di civili. C'è un neanche tanto voluto sottotesto antibellico nel film che giocoforza analizza situazioni di guerriglia urbana molto efficaci che sono il pane quotidiano su territorio di guerra. Il film riesce grazie a diversi elementi calibrati, una regia furiosa e compassata che si permette anche di fare degli esperimenti sulla fotografia digitale come una lunga scena in effetto notte riuscita molto bene. A questo si aggiunga un ottimo cast su cui naturalmente spicca,quantomeno per familiarità,Robert Carlyle che ha un personaggio che subisce una insolita espiazione evolutiva. Ottimi anche Jeremy Renner(Dahmer),Rose Byrne e i due portatori sani,Imogen Poots e Mackintosh Muggleton. In un ruolo secondario c'è anche Harold Perrineau,ex Oz e Lost. Il film naturalmente sfrutta diverse influenze, naturalmente soprattutto zombifiche romeriane ma ha anche richiami a Hitchcock e strutturalmente a Aliens di James Cameron. Sarebbe curioso sapere se sono volontari o subconsci. Comunque il film non fa assolutamente rimpiangere il predecessore che comunque rimane superiore.

di Gianluigi Perrone

SUPERBAD

2007-09-25T17:09:00.000-07:00

Superbad

USA 2007

REGIA

Greg Mottola

INTERPRETI

Jonah Hill,Michael Cera,Christopher Mintz-Plasse, Seth Rogen,Bill Hader,Emma Stone

SCENEGGIATURA

Seth Rogen e Evan Goldberg

E fu così che Superbad conquistò l'America. Successo strabiliante in patria,dove c'è sempre un desiderio di teen comedy da Porky's a Animal Housefino ad American Pie e questa new sensation di Greg Mottola. Scritto da Seth Rogen e Evan Goldberg, ripercorre un po' le loro adolescenze e quelle ditutti in pratica! Infatti quello che va oltre in questo che tutto sommato è un filmcinematograficamente povero, con una sceneggiatura esile e attori azzeccatima non eccezionali neanche come comici, è il fatto che questo è unospecchio genuino di quello che sono i ragazzi. E' un continuo deja vù perchè neanche alle suore si è esenti di dire le peggiori oscenità possibili. Questisono gli adolescenti di oggi e di sempre,le cui pulsioni sessuali sono così intense da poter fare qualsiasi cosa per un orgasmo seppur immaginato. Edinfatti i due protagonisti Seth e Evan, Jonah Hill e Michael Cera,a breve superstar insieme a Christopher Mintz-Plasse, sono alle porte del diploma evogliono salutare il liceo e la loro amicizia con una sana scopata che sperano andentemente di procurarsi facendo ubriacare delle ragazze ad unafesta. Orribile ma assolutamente realistico! Solo che negli States l'alcohol èillegale sotto i 21 e quindi devono mettersi nei guai per procurarselo. Visto che questa parte è troppo esile per un film ci aggiungono la sottotrama assurda(che forse è la cosa più esilarante)dell'amico Fogell, un iper-nerd completamente svalvolato, che finisce nelle mani di due poliziotti scatenati dai passatempi a dir poco criminali. Il tutto ha ritmo da vendere ma soprattutto è al contempo leggero ed efficace grazie ad un linguaccio scurrile fine a sé stesso ma incredibilmente genuino.

di Gianluigi Perrone

SICKO

2007-09-25T13:04:00.000-07:00

Sicko

USA 2007

REGIA

Michael Moore

INTERPRETI

/

SCENEGGIATURA

Michael Moore

Per questo nuovo documentario (che,come detto mille volte,documentario non è) a Michael Moore cosa daranno? Il Nobel? Forte dei suoi successi, Moore stavolta se la prende con la Sanità Pubblica,non riuscendo a colpire le lobby farmaceutiche che si sono chiuse a riccio terrorizzate dall'ariete del paffuto regista. Moore non si sforza troppo stavolta. Fa quello che si farebbe bormalmente per attaccere il sistema sanitario di un paese come gli Stati Uniti: mostra gente che sta male e muore abbandonata a sé stessa. Quando si scrive di Moore bisogna premettere che è assolutamente deprecabile il fatto che negli States non ci sia assistenza pubblica ed è giusto che si sappia questo. Però Moore lo fa come sempre in maniera poco chiara,dinonesta e faziosa. Il film sembra scritto per la classe ingnorante ed arrabbiata che non vede l'ora di prendersela con qualcuno per la sua condizione. Moore è deciso a far vedere come in America faccia tutto schifo ed invece nel resto del mondo stanno tutti bene. Va in Canada dove la gente si vanta di stare benissimo,in Inghilterra ed infine in Francia dove solo una babbeo potrebbe fidarsi del fatto che il governo ti lava i panni. Non a cas si parla di paesi molto nazionalisti a cui piace parlarsi a dosso, se fossero venuti in Italia non ci sarebbe stata gente che si vantava così della propria sanità.Infine Moore adotta un falso sfruttamento della proprietà transitiva, fa una spedizione a Guantanamo e si porta dietro alcuni eroi del 9/11 che si sono ammalati sul luogo. L'idea che vorrebbe dare è "se l'ospedale di Guantanamo è migliore di un ospedale medio americano, vuol dire che stanno meglio i terroristi.Ah beh,bella forza. Ed infine va a Cuba dove dovremmo credere che ogni volta che ci entri ti mettono il tappeto rosso. Non è che lui andava con una camera appresso. Roba per chi ci vuole per forza credere.Però devo ringraziare Michael Moore per avermi permesso di scrivere una cosa che dico da molto. Se a Cuba si sta cosi bene ed è tutto così bello PERCHE' DIAVOLO QUALSIASI CUBANA E' DISPOSTA A SPOSARSI CON IL PRIMO CHE PASSA PUR DI ANDARSENE DA LI'????

di Gianluigi Perrone

FUNERAL PARTY

2007-09-24T18:51:00.000-07:00

Funeral Party

UK 2007

REGIA

Frank Oz

INTERPRETI

Matthew Macfadyen, Keeley Hawes, Andy Nyman, Ewen Bremner, Alan Tudyk
SCENEGGIATURA

Dean Craig

E' più una annotazione che un premessa quella con cui voglio cominciare questa recensione: Frank Oz è britannico e quindi faccia dello humor brittannico. Se è possibile per sempre, visto i risultati entusiasmanti di questo Funeral party. Non è un critica al buon Oz che di cose carine ne ha fatte in abbondanza. Però in un mondo come Hollywood dove, a mio modo di vedere, c'è la spovveduta idea che alla fine conti più l'attore che un buono script (è stato uno dei motivi principali della caduta di Eddy Murphy): ed ecco, come per magia, spuntare fuori cretinate come the Score e la Donna perfetta. Magari mi sbaglio, ma per adesso sono contento Oz abbia avuto buon gusto (naturalmente British) di affidare uno script intelligente quanto grottesco a un cast d'attori sconosciuti (unica eccezione per Tudyk e uno strepitoso Bremner). I risultari si vedono sin da subito. Perchè Funeral Party non è un film che basa il suo umorismo sull' imprint del suo attore protagonista (emblematici in questo caso sono i film di Will Ferrell) ma è un film che punta sull'interpretazione corale da parte di tutto il cast. Ne segue un film armonico e non decentrato. Ma partiamo dalla storia: una ricca o medio borghesia (ma a chi importa?) si ritrova al funerale del patriarca. Niente di così sconvolgentemente triste. Perchè dopo neanche due minuti ecco la prima gag: Daniel, figlio del defunto, davanti al feretro sussurra stupito ai becchini "chi è? Non è mio padre". Da li in poi si riderà (garantito e assicurato) fino alla fine. Niente ripensamenti o cadute di stile. Il film alza sempre di più il tiro tanto che con il passare dei minuti Funeral Pary diventa sempre più scorretto (indimenticabile in questo caso la storia del nano imbucato). Naturalmente la ricetta delle gag è alquanto semplice: si prende un momento solenne e impostato come un funerale e si inserisce un sovvertitore (Valium coretto, la merda del nonno incazzato, l'imbucato, ecc) in modo che la reazione dei protogonisti sia il più bizzarra e grossolana possibile. Facile si. Alquanto facile se non si tiene conto del fatto che la comicità è ritmo. E di ritmo Funeral party ne avrebbe da regalare. Oz riesce a gestire anche tre gag alla volta senza andare ad intaccare l'equilibrio della storia. Tutto è sincronizzato come un orologio svizzero, merito e qui mi ripeto dello straordinario cast e di uno script brillante. Applausi di quelli sinceri quindi ad quest'ultima opera di Oz. Forse il miglior Oz degl'ultimi tempi. Di sicuro il più onesto con se stesso.

di Daniele Pellegrini

SEVERANCE - TAGLI AL PERSONALE

2007-09-24T18:42:00.001-07:00

Severance

UK 2006

REGIA

Christopher Smith

INTERPRETI

anny Dyer, Laura Harris, Tim McInnerny, Toby Stephens

SCENEGGIATURA

James Moran,Christopher Smith

Per una volta il titolo Italiano per distribuire un film straniero nelle sale ha colto nel segno, “tagli al personale” riassume sarcasticamente tutto il plot.
Ma di cosa parla questo film dal titolo bizzarro? Appunto di personale, ossia di un team di impiegati di una multinazionale di armi che seguendo il buon metodo Toyotista (cercate il significato su Wikipedia se non lo sapete) inaugurato dai Giapponesi, si ritirano in un luogo deserto per creare il salubre ambiente del team di squadra. Una sorta di training per partorire nuove idee e rafforzare lo spirito di gruppo. Già la presentazione dei personaggi è comica, c’è quindi la fresca di turno, il casinaro che si diverte con le droghe ed è completamente leso, il ragazzone timido, quello che si innamora a caso, il capo team che è uno sfigato paranoico tremendo ecc..ecc...
Arrivano dunque in questo posto isolato e vengono dopo poco tempo presi d’assalto da un manipolo di mercenari che vuole far loro la pelle. Più avanti si scoprirà chi sono questi simpatici quanto letali signori. Curioso come il regista, Christopher Smith, quello di Creep per capirci, cambi completamente di registro, passando dall’horror claustrofobico alla commedia horror-splatter.
Il gore c’è eccome, sempre in maniera goliardica ma alcune sequenze sono abbastanza brutali ed è lì il bello, nel far passare da un clima di risate allo shock, o presunto tale, per smembramenti vari, tagliole, decapitazioni e chi ne ha più ne metta.
Vi sono alcune sequenze davvero esilaranti, come quella dell’aereo abbattuto, la quale va direttamente a toccare i nervi scoperti del post 11 settembre. Non è certo un film da prendere particolarmente sul serio, ma la critica alle multinazionali e all’industria delle armi è più che evidente anche se in maniera sarcastica. Diciamo che si va a stuzzicare cose risapute, in maniera tutt’altro che faziosa, ma innegabile nello stato di fatto. Guardatevi la sequenza della decapitazione attentamente perché è davvero indimenticabile. Se vi piacciono le tette al vento in stile anni ’80 (capirete), avrete la vostra sferzata di action-tamarro anni ’80. Se riconoscete la scena vuol dire che un po’ tamarri lo siete anche voi. Ma non si nasconde un tamarro dentro ognuno di noi?
Deliri a parte questo Severance Tagli Al Personale non è affatto un film brutto e tanto meno stupido, merita senz’altro una visione, anche due magari, giusto per entrare meglio nell’atmosfera delirante, con questo non voglio dire che alcuni sono poco attenti, o forse si, ma andatelo a vedere ne vale la pena. Ben vengano prodotti del genere, di questo genere e che se ne infischiano di prendersi sul serio, almeno apparentemente. Spariamo al cielo!

di Davide Casale

LA RAGAZZA DEL LAGO

2007-09-21T11:37:00.000-07:00

La ragazza del lago

ITALIA 2007

REGIA

Andrea Molaioli

INTERPRETI

Tony Servillo, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni

SCENEGGIATURA

Sandro Petraglia

Per il suo primo film, Andrea Molaioli,aiuto regista di Moretti, rispolvera tutti gli elementi divenuti tipicamente fruttuosi per il cinema italiano un po' più autoriale. Una regia mimetica, una realtà provinciale, musica dub, riferimenti al cinema di genere e ottimi caratteristi come Ernesto Mahieux o Toni Servillo, strumenti già ampiamente utilizzati daSorrentino e Garrone, che hanno la fortuna di avere anche un team di ottimi sceneggiaturi .Invece lo script de La Ragazza del Lago si arena su una serie clichè del noir oramai desueti. LA parte meno convincente è quella dei dialoghi, stucchevoli nella loro prevedibilità, e se non è Toni Servillo a recitarli con gigioneria,il risulato è spesso tiepido. Molaioli dimostra bravura ed è conscio di aver intuito gli elementi esatti per far bene ma potrebbe osare di più,un problema assolutamente comune qui nel Bel Paese.

Gianluigi Perrone

I SIMPSON - IL FILM

2007-09-20T16:19:00.000-07:00

The Simpsons Movie

USA 2007

REGIA

David Silverman

INTERPRETI

Dan Castellaneta, Julie Kavner, Nancy Cartwright, Yeardley Smith, Hank Azaria, Harry Shearer

SCENEGGIATURA

James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Ian Maxtone-Graham, George Meyer, David Mirkin, Mike Reiss, Mike Scully, Matt Selman, John Swartzwelder, Jon Vitti

Dopo anni e anni di attesa il film di una tra le più grandi invenzioni televisive mai fatte arriva sugli schermi. i Simpsons sono una delle maggiori influenze dell'era moderna, rispecchiano sia la famiglia americana ma comunque quella occidentale in generale(questo mette un po' i brividi) e hanno cambiato l'immaginario comune radicalmente. Non si può negare che Homer e i suoi familiari siano personaggi diventati reali con personalità reali ormai note a tutti. Dal film ci si sarebbe aspettato qualcosa di più a dirla tutta, visto che è sì una puntata in cui si vede la devastazione di Springfield e l'estraniamento della popolazione ma il tutto risulta come una summa delle migliori scene della serie che hanno ispirato quelle del film. Homer ne combina una grossissima e Springfield diventa la città più inquinata d'America tanto che il governo (a capo di Schwartzenegger) devide di isolarla con una cupola di vetro. Intanto Lisa come al solito si innamora di un ragazzino perfetto, Burt ha dei dubbi sul padre(non potete biasimarlo)e si affeziona di Flanders(ora sì,potete biasimarlo) e Marge ha dei ripensamenti sull'amore verso Homer. Tanto alla fine la famiglia è comunque unita. Alcune scene veramente simpatiche divertono e sarebbe stato impossibile che non ci fossero,però neanche più di tanto e nella seconda parte il film scade nella ripetitività. Si poteva,anzi si doveva, fare di più per il film dei Simpson,visto che chi la scrive è un genio. Poteva essere un evento invece è solo una operazione per risollevare gli ascolti della serie tv che dopo 17 anni calavano.

di Gianluigi Perrone

BLACK CHRISTMAS - UN NATALE ROSSO SANGUE

2007-09-20T16:15:00.001-07:00

Black Christmas

USA 2007

REGIA

Glen Morgan

INTERPRETI

Katie Cassidy, Mary Elizabeth Winstead, Lacey Chabert, Michelle Trachtenberg.

SCENEGGIATURA

Glen Morgan,Roy Moore

Secondo remake per il regista californiano Glen Morgan, dopo l'ottima prova di Willard, già produttore di due dei tre Final Destination. Morgan ha già uno stile suo definito, anche se non particolamente originale che si riesce a evincere da due film molto diversi come Black Christmas e appunto Willard. Una densità di immagini e un senso per il weirdo molto retrò che sembra ingigantire i personaggi e le immagini a dismisura deformandoli come in un fumetto di Thomas Ott. L'effetto era molto più calzante per il primo film ma anche in questo Black Christmas non difetta. La pellicola si allontana ed anche parecchio dal modello originale anche se aggiorna e rielabora alcuni elementi vincenti del film del compianto Bob Clark. Il plot rimane tale, una

casa piena di belle figliole, alcune abbastanza disinibite, ma la storia di Billy è più chiara e il personaggio delineato in luogo dell'occhio nell'oscurità dell'originale. Il pover oBilly avrebbe massacrato la famiglia la notte di Natale di 15 anni prima e torna a casa per le feste. Morgan ha lavorato molto sull'illuminazione del film che è molto fastidiosa vista l'accozzaglia di colori che spara sullo schermo ma è volutamente distorcente per ridurre il tutto ad un delirio caleidoscopico. Uno dei personaggi è veramente sopra le righe: un malriuscito trans itterico in accappatoio. Anche sul versante dello splatter Morgan non scherza e i bulbi oculari diventano il marchio di fabbrica del film. Niente di stupefacente, un lavoro di artigianato che probabilmente nel tempo e con lungimiranza darà i suoi frutti.

di Gianluigi Perrone

PREMONITION

2007-09-17T13:37:00.000-07:00

Premonition

USA 2007

REGIA

Mennan Yapo

INTERPRETI

Sandra Bullock, Julian McMahon, Nia Long, Kate Nelligan, Amber Valletta, Peter Stormare

SCENEGGIATURA

Bill Kelly

Tiepido questo thriller sovrannaturale di Mennan Yapo, al suo secondo film e primo con un budget sostanzioso. La storia è quella di una normale tragedia quotidiana in una famiglia medio borghese americana in cui il marito muore di incidente stradale. Inspiegabilmente il tempo comincia a frammentarsi e a scorrere in maniera irregolare mentre l'una che pare accorgersene è la protagonista, la madre, Sandra Bullock, che non prendendo in considerazione la follia tenta di cambiare il destino. Gli elementi per un buon thriller ci sarebbero tutti ed invece il film è talmente didascalico ed apoditticamente dogmatico che risulta noioso,morto. Si gioca sui rapporti morali dello spettatore nei confronti del lutto e della miseria quotidiana,come faceva ottimamente Pet Sematery,però è questi parodistico e irreale. Quasi impercettibile ma presente la vacuità di emozioni vere in questo film,incredibile a dirsi, a dispetto di una ottima interpretazione di Sandra Bullock. Cosa ancora più grave, alla fine della complessa sciarada, i conti non tornano.

di Gianluigi Perrone

DIE HARD - VIVERE O MORIRE

2007-09-16T12:47:00.000-07:00

Live Free or Die Hard

USA 2007

REGIA

Len Wiseman

INTERPRETI

Bruce Willis, Justin Long, Timothy Olyphant, Cliff Curtis, Maggie Q, Cyril Raffaelli, Mary Elizabeth Winstead

SCENEGGIATURA

Mark Bomback

“Sei come un Timex in un’era digitale”, No! Invece no! John McClane non ci sta a farsi definire in questo modo dal cattivo di turno, lui non è l’ultimo Rocky, se ne sbatte dell’introspezione, se non per alcuni secondi e in maniera autocelebrativa. John McClane ha le palle al posto giusto e continua a collezionare cicatrici tra avventure mirabolanti e autoironia pungente. Non c’è nulla di nuovo in questo capitolo di Die Hard, ancora una volta il nostro Bruce Willis si trova a fronteggiare dei ladri, di nuovo è praticamente da solo, non è invecchiato se non per dei capelli in meno, è ancora indistruttibile. Se la struttura della sceneggiatura è trita e ritrita le cose che cambiano sono la mole di quello che va a salvare McClane, in questo caso gli Stati Uniti, nel capitolo precedente New York, in quello prima un aeroporto e nel primo Die Hard un gruppo di persone.
L’adattamento temporale è più che ovvio, infatti siamo in pieno sentore post 11 settembre e i nemici sono degli hacker abilissimi. Ma c’è qualcosa in più, le scene d’azione non sono esagerate come sempre lo sono state, qui si va oltre, qui non si esagera, qui si delira totalmente!! Il nostro eroe farà di tutto, ogni cosa è assurda ma estremamente divertente, si lancia dalle macchine in corsa a folle velocità, cavalca i caccia, finisce i colpi della pistola e come arma lancia un’ automobile. Insomma non c’è limite al caos. Ignoranza pura e leggi della fisica mandate a fan culo senza nessun ritegno! Non importa, l’obiettivo è far passare il già visto come nuovo mantenendo la formula vincente, facendo esagitare chi sta guardando il film. Si resta a bocca aperta, ci si affeziona al dinosauro McClane e si ride di continuo.
Parliamoci chiaro, se non fosse una tamarrata funambolica questo film sarebbe una cacata bella è buona, invece è una cacata maledettamente divertente. Se vi è piaciuto quel delirio che è stato Ghostrider gradirete anche questo!
Da segnalare il cameo a sorpresa di Kevin Smith! Buon divertimento e ricordate: “yippi kai ay motherfucker!!”

di Davide Casale

VI DICHIARO MARITO E MARITO

2007-09-16T12:23:00.000-07:00

I Now Pronounce You Chuck and Larry

USA 2007

REGIA

Dennis Dugan

INTERPRETI

Adam Sandlers, Kevin James, Jessica Biel,Ving Rhames, Steve Buscemi, Dan Aykroyd,Cole Morgen

SCENEGGIATURA

Barry Fanaro,Jim Taylor,Alexander Payne

“Vi dichiaro marito e marito” è una commedia graziosa, strappa più di una risata e risulta essere alla fine un divertimento abbastanza innocuo, ma piacevole. La storia, purtroppo risaputa, è quella di due amici pompieri che per motivi fiscali fingono di essere gay scatenando così il solito andirivieni di gag ed equivoci. Se il modello, soprattutto nel descrivere la vita di coppia dei due “eterogay”, è sicuramente un capolavoro come “Il vizietto”, tanto alto invece non è il repertorio di battute, doppi sensi, a volte abbastanza sconfortanti. Il regista Dennis Dugan non viene certo aiutato dagli (altrove)apprezzati sceneggiatori Alexander Payne e Jim Taylor, autori di commedie brillanti come Sideways e A proposito di Schmidt. Certo che “Vi dichiaro marito e marito” poggia soprattutto sulle spalle di ottimi interpreti come il bravo Adam Sandler o del suo patner Kevin James, già visto e apprezzato in “Hitch” con Will Smith. A questi si aggiungano una pletora di comparse riuscite come il mastodontico Dan Akroyd o il brillante Vigh Rahmes nei panni di un gay represso. La controparte femminile, Jessica Biels dal fisico prorompente, non lascia alcuna traccia né per la bravura interpretativa né per l’importanza del suo personaggio. Altro non poteva essere in un “buddy movie” che si vorrebbe pro gay e invece diventa man mano che prosegue terribilmente omofonico. Basta dire che “frocio” è una parola svilente per non essere politicamente scoretti? No se poi il ritratto che ne esce di questi omosessuali americani è il solito stereotipato a base di mossette e gridolini. Ma che diamine, è pur sempre una commedia usa e getta e in fondo fa il suo dovere di passatempo scacciapensieri. Rob Schneider, altro comico del “Saturday night show” con Adam Sandler, copre il mimetico ruolo di un prete orientale, una delle gang più simpatiche del film. Modesto.

di Andrea Lanza

HOT FUZZ

2007-09-11T10:39:00.000-07:00

Hot Fuzz

UK 2007

REGIA

Edgar Wright

INTERPRETI

Simon Pegg, Nick Frost, Bill Bailey, Jim Broadbent, Steve Coogan, Timothy Dalton, Bill Nighy, Stuart Wilson

SCENEGGIATURA

Edgar Wright e Simon Pegg

Tre anni di attesa perché quel geniaccio di Edgar Wright partorisse il suo nuovo successo annunciato. Sì, perché questo giovane inglese ha talmente sbalordito con quella commedia horror a tema zombesco quale è Shaun of the Dead (in Italia è orrendamente L’Alba dei Morti Dementi) che non ci si poteva aspettare che un altro grande film, infatti il signor Wright, con Hot Fuzz, spacca letteralmente il culo!
I protagonisti sono ancora loro due, quello coi capelli rossi e quello grassottello coi capelli neri, quello che crea i casini. Il rosso è Simon Pegg e il moro è Nick Frost, il primo è un agente di polizia coi controcazzi, ma nella vita uno sfigato totale, personaggio che vive solo per il suo lavoro e lo fa maledettamente bene, al punto di suscitare invidie ed imbarazzo anche tra le alte gerarchie del corpo di polizia. Proprio per questo i capi della polizia di Londra decidono di trasferirlo in campagna, in un paesino che rappresenta la noia totale, un villaggio che vince da anni il premio del luogo perfetto. Non vi è crimine a Sandford ma non vi è nemmeno vita, solo noia. Infatti colui che va a completare la coppia perfetta, Danny ,il figlio del capo della polizia del villaggio agreste, si appiccica subito al nuovo arrivato mettendolo di continuo in imbarazzo tra sbornie, guai e un modo di fare sull’orlo della demenza.
Ci sono poliziotti e ci saranno delle morti misteriose, mica si tira indietro il regista, anzi, confeziona un intreccio classico nello stile, sebbene molto originale nei fatti e ci spinge dentro la delirante storia attraverso caratterizzazioni esilaranti e sopra le righe.
Si sprecano strizzate d’occhio a classici dell’action movie recenti o meno. Ogni momento del film è una citazione a successi di qualsiasi genere. Riconoscerete film come Point Break, Terminator II, Commando, Arma Letale II, Bad Boys, Cobra e molti altri, ma forse la citazione più geniale è proprio quella verso il finale a Last Action Hero, in cui si svela chiaramente e con un elegante inchino quello che il film è: la parodia della finzione che caratterizza gli action movies. Hot Fuzz è tutt’altro che una semplice parodia, ed è molto di più di un semplice film comico, non solo per gli inserti di splatter estremo ma per il montaggio perfetto, per le location che lasciano a bocca aperta, per l’atmosfera che riesce a creare il regista, che è unica, come unico è il trio dei due protagonisti e del regista. Un cult movie!

di Davide Casale

MAIAL ZOMBIE

2007-08-23T13:28:00.000-07:00

Die Nacht der lebenden Loser

Germania 2004

REGIA

Mathias Dinter

INTERPRETI

Tino Mewes, Manuel Cortez, Thomas Schmieder, Collien Fernandes, Hendrik Borgmann, Nadine Germann

SCENEGGIATURA

Mathias Dinter

Mathias Dinter dirige Die Nacht Der Lebenden Loser, oppure The Night Of the Living Dorks, oppure il titolo Italiano che vuole essere a tutti i costi ancora più demente e idiota: Maial Zombie: Anche I Morti lo Fanno. Il titolo Italiano è divertente non c’è che dire, e per una volta nella sua ridicolaggine riesce ad esprimere il senso del film meglio del titolo originale. Se qualcuno affronta il film pensando che sia un po’ diverso dalla solita stronzata tette, canne e birra si ricrederà dopo pochissimi secondi. Infatti il film, dopo una premessa delirante, si apre con uno dei tre protagonisti svegliato dalla madre che gli entra in camera di soprassalto. Lui sciabola attraverso le coperte un erezione niente male in pieno stile Pipino di Porky’s, il film re delle stronzate collegiali. Dopodiché ci saranno continui rimandi sia al film sopraccitato che ai vari American Pie, al punto che è difficile credere che il film sia Tedesco, dato che a parte i nomi sembra di essere nel classico college Americano con i soliti personaggi: i nerd (chi più chi meno i protagonisti) la topa bionda stronza e abbastanza zoccola, il tipo antipatico figaccione, la ragazza dark che è la più intelligente però di legno (che palle!!), il professore nazista psicopatico, il gruppetto di quelli che si fumano le canne ecc…Aggiungete a tutto ciò un rito voodoo ridicolissimo come premessa al film, appunto, e i nostri tre protagonisti che diventano zombi ed avrete il tocco originale del film. Ora, fin qui sembra che il film sia una cacata, e lo è, ma è divertente, è maledettamente divertente! I personaggi stereotipati stanno al loro posto e sono scritti in maniera da non uscire mai troppo dai ranghi, da non essere mai troppo dementi e, sarà la leggendaria precisione tedesca, il tutto funziona come un orologio. Vedremo i neo zombi perdere le palle e recuperarle, perdere l’uccello e graffettarselo all’inguine e gag sullo stile sempre sospese tra la commedia collegiale in stile yankee e l’horror. Il personaggio più riuscito è il più nerd dei tre protagonisti, un occhialuto sfigato che annota da anni su un taccuino tutte le angherie che subisce. Quando si ritrova zombi, affamato e con una forza sopra la norma, decide di vendicarsi di tutti e ci prova gusto, associando la vendetta al nutrimento. Che dire, spegnete il cervello, andate al cinema e tiratevi fuori l’uccello (per le donne e seni) mentre lo guardate, tanto il livello cameratesco è quello. Rock’n roll!

di Davide Casale

PATHFINDER

2007-08-22T13:42:00.000-07:00

Pathfinder

USA/CANADA 2007

REGIA

Marcus Nispel

INTERPRETI

Karl Urban, Russell Means, Moon Bloodgood, Jay Tavare, Clancy Brown, Ralf Moeller.

SCENEGGIATURA

Laeta Kalogridis

Pathfinder è il remake assolutamente libero di un film norvegese,Ofelas (che vuol dire...pathfinder) del 1987 e che presto recensiremo visto che ha stuzzicato l'interesse dei protagonisti di questo Pathfinder e di Markus Nispel che dopo il successo del remake di Non Aprite Quella Porta, se non altro fa una scelta coraggiosa e si butta in un film ostico sin dalla carta ed assolutamente non commerciale. Sfatiamo subito questa leggenda che il film sia simile a 300. L'unica cosa che hanno in comune sono i ralenti. Per il resto la pellicola è il racconto di fantasia su supposizioni storica ancora non provate al 100%. Come è noto, 500 anni prima di Colombo ci andarono i Vichinghi in America e il film ipotizza che fecero quello che sapevano fare
meglio: massacrare, violentare, torturare ,trucidare. In una parola: la guerra.
La storia parte da una prima spedizione dal Norge in cui un bambino rimane da solo in mezzo agli indiani e questi lo tengono a crescere tra di loro.
Quindi abbiamo Ghost, il nome dato al bambino, cresciuto come un indiano ma di razza ariana. Della sua vita passata Ghost ricorda la sua lingua e la capacità di far oscillare la spada nell'aria. Quando un nuovo gruppo di "uomini drago" approda dai fiordi scandinavi per massacrare gli indiani sarà lui a condurre,a loro insaputa, i suoi consanguignei verso la morte. Se dovessimo dar retta al film sembra che gli indiani siano stati massacrati per colpa loro. E che l'unica possibilità di salvarsi fosse nelle mani di un bianco, quindi di una di una razza più strategicamente incline alla lotta. Questo non è sicuramente il film del film. Quello che vediamo è una situazione di guerra che cerca di essere quanto più vicina alla supposta realtà storica, per cui spesso il film risulta lento e privo di trama. Quando i nodi vengono al pettine si comincia a comprendere qualcosa di più e la storia avvince in qualche modo. Nispel tributa spesso Milius nelle inquadrature e sequenze di guerra ma la materia è molto meno epica e più realistica il che è sia il pregio che il limite del film. E' un film che si dimentica presto ma confido che rivisto possa rimanere a lungo nel ricordo. E' comunque una operazione che merita di essere promossa, nonostante tutti i difetti del caso.

di Gianluigi Perrone

CAPTIVITY

2007-08-21T15:31:00.000-07:00

Captivity

USA/RUSSIA 2007

REGIA

Roland Joffe

INTERPRETI

Elisha Cuthbert, Daniel Gillies, Pruitt Taylor Vince, Laz Alonso

SCENEGGIATURA

Larry Cohen,Joseph Tura

Povero Roland Joffe. Aveva iniziato la sua carriera con il turbo, con una nomination per Urla Nel Silenzio e subito dopo un'altra per Mission. Poi,si sa, gli insuccessi e ci si trova a dirigere un torture thriller senza nè capo nè coda. Eppure ci dispiace di più per Larry Cohen che è un grande sceneggiatore e meritato tutto il rispetto per ciò che ha fatto, anche per le ultime piccole cose uscite che dimostravano un grande mestiere e una capacità di curare i dettagli, il sale per un buon scrittore. Invece Captivity è tutto il contrario. E' il classico film dove le forzature stridono troppo spesso e ci si scoccia di essere presi in giro. Non ci dispiace per la protagonista,Elisha Cuthbert, la figlia di Jack Bauer in 24, che non è mai stata brava e a dirla tutta neanche carina. Qui pare abbia pure evitato di mostrare troppa carne e quelle che se la tirano così non ci sono state mai troppo simpatiche. Il film non è altro che un succedaneo di tanti Saw ma senza avere un vero perchè negli eventi. Il concept del film vorrebbe essere "la seduzione è un'arma mortale e ti consuma come una tortura" e invece è "Tira più un pelo di fica che un carro di buoi". Realmente! I fini per cui viene creato tutto l'ambaradan attraverso il quale viene torturata Jennifer, la protagonista, sono esclusivamente sessuali. Una maniera troppo complessa per fare il "rattuso". Siamo contenti invece per la produzione russa che mette location(anche se dovremmo essere a New York ufficialmente),troupe e probabilmente buona parte dei soldi. In compenso i produttori escono la sera con un sorriso a 32 denti dicendo alle ragazze che hanno prodotto un film con l'attrice di 24 e il regista di "quel film con Robert DeNiro, quello in
costume,no,non Frankestein,quell'altro...". Contenti loro.

di Gianluigi Perrone

SMOKIN' ACES

2007-08-21T03:07:00.000-07:00

Smokin Aces

USA 2007

REGIA

Joe Carnahan

INTERPRETI

Ben Affleck, Jason Bateman, Common, Andy Garcia, Alicia Keys, Ray Liotta, Jeremy Piven, Ryan Reynolds

SCENEGGIATURA

Joe Carnahan

Strano film questo Smoking’ aces. Inizia male, anzi malissimo, per diventare nell’ultima mezz’ora uno delle più interessanti pellicole d’azione degli ultimi anni. Merito a Joe Carnahan, autore di un del sottostimato “Narc”, e qui alla sua opera più vivace, dirompente e notevole. I difetti del film sono molteplici e tutti, come detto, inseriti nella prima ora di girato. All’inizio Smoking’ aces sembra un misto pane di tanto cinema, autori, culti moderni e passati. Tutto così tremendamente modaiolo e cool da generare imbarazzo se non confusione in una interminabile passerella di star che fanno il verso ad Altman e al suo cinema corale, calato qui in una dimensione di pulp tarantiniano. C’è davvero di tutto: dialoghi fiume come il buon vecchio Quentin insegna, umorismo e personaggi sopra le righe come nei film di Guy Ritchie, killer spietati contro killer spietati come in “Pistole sporche” di Albert Pyun, trasformismo alla James Bond, bad girl che fanno un baffo a “Nikita”. Il tutto shakerato così male da lasciare un senso di vertigine allo spettatore che si trova straniero in un mondo che non capisce e non lo appassiona. Poi magia della magia. Dopo qualche segnale di interesse rialzato (l’uscita di scena di Ben Affleck, la presentazione dei nazi killer) il film diventa adrenalina dirompente e comincia a far quadrare i nodi della vicenda in una catarsi drammatica e disillusa davvero inaspettata. Dopo una sparatoria in ascensore (“Get carter” con Sly?) in scena si scatena l’inferno con corpi maciullati dai proiettili, killer che si innamorano o per amore arrivano a sacrificarsi, ruoli che, senza bisogno di facili maschere, si scambiano. Chi è davvero il male o il bene? In questa orgia pulp deliziosa troviamo una sensuale Alicia Keys e un inaspettatamente bravo Ryan Reynolds. La parte del leone spetta però a Jeremy Piven, perfetto nel suo drammatico ruolo di vittima sacrificale, un personaggio dai toni altamente shakespeariani. Un applauso quindi a Joe Carnahan, che anche, e soprattutto. Stavolta ci regala un gioiello dalle molteplici sorprese. Sempre che avrete la pazienza di degustarlo come un buon vino d’annata.

di Andrea Lanza

PROTECTOR - LA LEGGE DEL MUAYTHAI

2007-08-21T01:30:00.000-07:00

Tom yum goong

Thailandia 2007

REGIA

Prachya Pinkaew

INTERPRETI

Tony Jaa, Petchtai Wongkamlao, Bongkoj Khongmalai,Nathan Jones

SCENEGGIATURA

Mark Neveldine e Brian Taylor

Spacciato da qualcuno per Ong Bak 2 (che invece arriverà l'anno prossimo) per Tom yum goong(un piatto thailandese) è il tentativo estremo di internazionalizzare il fenomeno Tony Jaa e di sfruttare all'estremo le sue caratteristiche atletiche. Il film,bilingue(thai e inglese),si svolge quasi per intero a Sidney dove un gruppo di farabutti rapisce gli elefanti(sì,quelli con la proboscide,perchè voi non ne avete mai avuto uno in giardino?)di Kham. L'assunto della tradizione che lega indissolubilmente alcune popolazioni rurali thailandesi ai pachidermi non è affatto trascurabile; anche se è surreale vedere una persona tanto legata a una bestia di 5 quintali,non è da prendere alla leggera il substrato storico-culturale che vi si cela dietro. Tale substrato si va a benedire nel momento in cui il regista Prachya Pinkaew ha avuto il suo McGuffin per giustificare tutte le azioni mirabolanti dell'atleta. Qui il film ha semplicemente la struttura di un videogioco a scorrimento,la qual cosa appare estremamente evidente una infinità di volte. Semplicemente il protagonista atterra decine di avversari e saltuariamente affronta anche dei "boss di livello". Sembra banale a dirsi ma è chiaro anche dalle inquadrature che l'approggio del regista è stato vidoludico. Il raccordo tra le scene di dialogo è montato in maniera amatoriale, il personaggio di Petchtai Wongkamlao(noto comico in patria)è assolutamente inutile visto che non tenta neanche di far ridere così come la presenza della stupenda Bongkoj Khongmalai è giustificata solo per benedire la madre che ha messo al mondo un tale splendore. Il resto è affidato al "femomeno" Tony Jaa che fa cose mai viste prima, sfida la forza di gravità e la massacra a calci nelle gengive finchè non implorano misericordia. Jaa viene messo contro una serie di avversari dalle caratteristiche notevoli come il campione capoheira Lateef Crowder, il giovane maestro di Wushu Jon Foo o l'ingnorantissimo wrestler Nathan Jones (quello che si definirebbe "il mostro finale") e su di loro esprime tutta la sua agilità ed efficace mimica marziale. Tutto è sopra le righe, il cattivo di turno è addirittura un trans e uno degli elefanti muore perchè se lo mangiano(!!!), il che giustifica l'esistenza nel mondo di uno che fa le acrobazie di Jaa. Il film sembra essere cucito per giustificare le scene di combattimento, alcune, c'è da ammettere, ben riuscite come la lotta nel tempio infuocato (premendo il tasto start il giocatore ha il personaggio in smoking), una battaglia che emula la lotta con gli 88 Folli di Kill Bill( a proposito, il film è un "Quentin Tarantino Presenta"),solo che gli avventori non vengono mutilati con una katana ma i loro arti vengono spezzati sistematicamente in un fragore di scricchiolii che fa il suo bell'effetto. Scena top, di cui tutti parlano, è il piano sequenza(e qui sembra veramente un videogame) in cui il fenomeno Jaa sale 5 piani di un Hotel e massacra decine di avversari con oggetti assortiti e mosse incredibili senza che la camera stacchi mai. Un tour de force che il povero Jaa ha dovuto fare 5 volte prima che venisse bene. La scena è talmente emozionante che ci si immagina Pinkaew, dopo la realizzazione che esclama "avanti,adesso parlate male del film!". Classica sequenza, infatti, che vale tutta la visione. Invece, al di là della sua spettacolarità, c'è da biasimare proprio il protagonista. Tony Jaa è stato definito da alcuni il nuovo Bruce Lee, e nel film si autoconferisce il valore di successore di Jackie Chan in una scena all'aereoporto dove incrocia un suo sosia ( cosa che da noi sarebbe considerata patetica ma in Thailandia no,quindi va bene così). Il problema è che Lee era un artista poliedrico e Jackie Chan sa indubbiamente recitare mentre Jaa è un pezzo di granito e difficilmente lo si vedrebbe in futuro a fare battute o ammiccare. Quello che esprime è sostanzialmente disperazione o sfiga e se non trovano una soluzione per riciclarlo a dovere presto vedremo cadere questa cometa nel dimenticatoio. La versione italiana che hanno dato al cinema è tagliata. Press Play on Tape.

di Gianluigi Perrone

FEED

2007-08-21T01:20:00.001-07:00

fEEd

USA 2005

REGIA

Brett Leonard

INTERPRETI

Rose Ashton, Marika Aubrey, Mary Beaufort, Yure Covich, Matthew Le Nevez, Emily Mees, Gabby Millgate

SCENEGGIATURA

Kieran Galvin

Brett Leonard è uno che ha sempre scelto sceneggiature interessanti,il suo problema è che le sviluppa sempre nella maniera sbagliata. Prendiamo il precedente Man-Thing per esempio. Per portare avanti l'uomo-vomito ci voleva almeno un po' di ironia, delle situazioni sopra le righe per supportare il soggetto. Invece nulla. Tutto il contrario di Feed che potenzialmente poteva essere un vero colpo allo stomaco se girato in maniera asettica, glabra,in qualche modo "europea" intesa alla maniera del miglior Buttgereit. Invece, un po' per esigenze finanziarie e commerciali che imponevano uno stile contenutistico e linguistico d'impatto,il tutto si è risolto in una cafonata immane. La storia parte dal Cannibale di Rotenburg, la storia del tizio che si faceva mangiare consensenzialmente, per poi prendere strade diverse. Tra le perversioni più o meno ortodosse che girano in rete c'è il fenomeno di feeders e gainers,in cui qualcuno ingozza qualcun'altro fino a farlo diventare una specie di Jabba. In questo caso abbiamo una specie di serial killer con il pallino degli affari che oltre a nutrire a morte le sue vittime ci alza un po' di quattrini con il suo sito internet che riprende tutta l'operazione con tanto di scommesse sulla morte della vittima consenziente. Con queste premesse Jeffrey Dahmer oggi sarebbe a capo della Microsoft. Un poliziotto telematico australiano si mette sulle sue tracce e lo marca stretto fino a divenirne la nemesi. Il plot è anche interessante perchè le scene di nutrizione sono veramente estreme e disgustose, Leonard non lesina sul dettaglio anzi,in questo caso letteralmente ci gode a mostra tutto questo adipe gocciolante, però il film diventa demente ogni volta che ci si sposta sulla trama che contiene alcuni stereotipi davvero inverosimili. In effetti Feed sarebbe più la storia per un corto e pare che ad allungare il brodo non sia stato nessuno dotato di particolare sagacia visto che il poliziotto protagonista si scontra inspiegabilmente con traumi e perversioni personali di cui tutti sono al corrente tranne lui. Inoltre ci sono dei personaggi messi lì a casaccio come la moglie asiatica del serial killer che prima inveisce contro il poliziotto, poi gli rivela l'ubicazione del nascondiglio del marito e...poi ritorna a ribellarsi. Effetti di una dissociazione mentale evidentemente, visto che, giusto per mettere un po' di dado nella minestra è pure una fanatica religiosa. Inspiegabile l'apparizione del padre del maniaco assassino che non vuol dire assolutamente nulla. Più di tutti però è il protagonista a suscitare una involontaria ilarità a causa delle sue scelte strategiche suicide e della sua capacità di soccombere anche da armato contro un uomo a mani nude. Tutte queste caratteristiche danno comunque al film la simpatia che può avere un piatto di pasta con tutto quello che c'è nel frigo fatto a notte fonda in preda alla fame chimica: un schifezza surreale in cui immergersi a naso tappato. Ideale per una serata adolescenziale a pizza e birra.

di Gianluigi Perrone

CRANK

2007-08-18T13:04:00.000-07:00

Crank

USA 2007

REGIA

Mark Neveldine e Brian Taylor

INTERPRETI

Jason Statham, Amy Smart, Jose Pablo Cantillo ,Dwight Yoakam

SCENEGGIATURA

Mark Neveldine e Brian Taylor

Chissà in quale genere si può inserire questo Crank. Da una parte può sembrare un bieco ed eccessivo tentativo di saturare un genere chiuso da delle regole come action movie, dall'altra c'è un grido di innovazione narrativa che fa salire questo Crank tra le pellicole più esagerate e interessanti dell'ultimo periodo. La trama e semplice: Chev Chelios, un killer professionista, sopre che durante il sonno è stato avvelenato da un virus che nel giro di un ora potrebbe ammazzarlo. L'unico modo per rimanere vivo e completare la sua vendetta è quello di mantenere l'adrenalina alta. Ed è proprio l'adrenalina il motore di tutto il film: Adrenalina imprime ritmo alla pellicola ed in egual misura scatena il protagonista il scene assurde quanto ironiche (da non perdere la scena di sesso con la Smart). Un caratteristica unica, ma anche un enorme handicap, perchè si ha come la sensazione che Crank non possa mai uscire dai binari prestabiliti dalla storia. Infatti se le situazione eccessive lasciano il sorriso in bocca, la trama è ancorata ad dei punti in cui gli spazi di manovra sono limitatissimi. Quindi ci si trova davanti ad un film forzato e innaturale. Poco male comunque perchè quel che conta (specialmente nelle torride notti d'estate) è entertainment, ed in Crank c'è ne in dosi massicce, e talvolta sono proprio le trovate più stupide e irreali che riescono a soprendere lo spettatore. La sorpresa vera arriva però dalle pretese registiche dei due autori: se la prima cosa che salta all'occhio e la similitudine con Speed (il corpo al posto dell'auto), assurdità di Crank è che sembra un film scritto da Ritche, girato come uno spin-off di 24 (real time, split screen e Google Earth sic.) e con la lucidità fracassona di Too Many Ways to Be No. 1 di Ka-Fai Wai. Insomma Crank è si un film costruito sulla carriera di Jason Statham (evitare paragoni con Willis, Please) ma riesce perlomeno a molestare lo spettatore con dose massicce di tutto il repertorio registico videoclipparo e quant'altro. Non insegna nulla, non provoca reazioni ma almeno diverte. Ed è già qualcosa. Ottimo il finale

di Daniele Pellegrini

VACANCY

2007-08-18T12:56:00.000-07:00

Vacancy

USA 2007

REGIA

Nimród Antal

INTERPRETI

Kate Beckinsale, Luke Wilson,Frank Whaley

SCENEGGIATURA

Mark L. Smith

Una strada sbagliata, un motel non propriamente da luna di miele, dei pazzi che cercano di ucciderti. Potremmo andare avanti per ore, ormai non c'è niente da fare: l'horror non sa più confrontarsi con paure nuove. Naturalmente non fa eccezione questo Vacancy, esordio americano di Nimród Antal, regista Ungherese che nel 2003 aveva esordito con il bello quanto prosaico Kontroll. Se c'era la pur minima possibilità di trovarsi di fronte a un interessante connubio tra Psyco e Tetis, il lavoro asettico dello sceneggiatore Mark L. Smith, guasta la pur poco la credibilità del film. Infatti a differenza degli illustri ispiratori, Vacancy manca di logicità. Le soluzioni alla storia (VHS, botole, ...) vengono inserite senza una spiegazione convincente, rendendo Vacancy un film goffo e pressato. Un problema non da poco, visto che sotto la veste di film risibile, Vacancy ha dalla sua una caratterizzazione dei personaggi complessa. Difatti i due protagonisti non sono quella specie di macchinette teen votate al testosterone, viste in quantità industriale nelle varie pellicole dell'orrore, ma hanno una loro credibilità sociale che rende la loro sotto storia forse più interessante del plot stesso del film. Peccato solo che il film non riesca ad essere solido come i suoi due protagonisti. Comunque se la storia manca di lucidità almeno la parte tecnica è di alto livello. Vacancy è girato bene e fotografato meglio, e quel che conta di più, i momenti di tensione hanno il ritmo giusto. Questo fa si che anche con i suoi difetti il film di Antal non annoia. Un diversivo emblematico che accompagna horror moderno, spesso bello esteticamente ma poco convincente nella trama. Almeno questo Vacancy non ha la presunzione di accostarsi, con dosi massicce di splatter, ad un ennesimo clone di Hostel. Se solo la storia funzionasse meglio...

di Daniele Pellegrini

CONFETTI

2007-07-15T18:55:00.001-07:00

Confetti

UK 2007

REGIA

Debbie Isitt

INTERPRETI

Martin Freeman,Jessica Stevenson,Stephen Mangan,Meredith MacNeill

SCENEGGIATURA

Debbie Isitt

Che piacere! Questo Confetti di Debbie Isitt si dovrebbe chiamare con più cognizione di causa supposte e spieghiamo presto il perchè. Qui Italia è stata fatta la barbarie,al cinema danno sottoprodotti televisivi in cui non è più,come in passato,che gli attori del cinema si andavano a racimolare con vergogna due lire in più in televisione ma il contrario. Fino ad arrivare a perle come Parentesi Tonde o Vita Smeralda. Ma in Inghilterra,dove tempo fa si erano scatenati contro la tv italiana(a ragione,che vuoi dirgli?)viene prodotto quello che non è altri che una copia di un reality show per il cinema. Orrore e raccapriccio! Tutta la misoginia possibile per la regista Debbie Isitt che magari si ritiene intelligente ad aver speso due lire muovendo le camere
in maniera televisiva e disinvolta sugli attori ricreando situazioni da reality. Le suocere rompipalle,le smorfiette tra fidanzati idioti,problemi esistenziali del merlo e possibilmente mancano frasi tipo "chi disprezza vuol comprare". Insomma la demenza defilippiana. La storia è quella di tre promessi sposi in concorso per vincere una casa. Il loro deve essere il matrimonio più originale. Alcuni fanno il matrimonio musical,altri sul campo da tennis e poi ci sono due nudisti perchè la Isitt si voleva assicurare di far sghignazzare qualche cretino. Fosse fatto bene almeno,invece il fim è noioso e non c'è sbocco se non ricreare nell'encefalogramma piatto di un determinato spettatore già coglione di suo dei richiami mnemonici a quella tv di merda che tanto gli piace per rilasciare endorfine sul ricordo dell'immagine. Inoltre,se non fossero bastate tutte le commedie con Hugh Grant e i vari Bridget Jones,questo film dimostra che il pubblico popolare inglese è veramente pessimo. Una catastrofe su tutta la linea che meriterebbe il campo di sterminio solo per l'idea malsana con cui è stata concepita. Riversare letame sulla già dolorante carcassa del cinema britannico.

di Gianluigi Perrone

CATACOMBS

2007-07-10T17:37:00.000-07:00

Catacombs

USA 2007

REGIA

Tomm Coker
David Elliot

INTERPRETI

Cabral Ibaka, Shannyn Sossamon

SCENEGGIATURA

Tomm Coker,David Elliot

Nella vita di tutti c’è sempre l’incontro con un cretino così antipatico e così convinto della sua simpatia da crogiolare nel proprio sadico repertorio di battute e scherzi dementi. “Catacombs” potrebbe essere una di queste burle tanto è assurdo nel suo essere girato, ideato e recitato. L’idea della Francia che traspare qui è delle più squallide, con un senso di xenofobia quasi delirante per i parigini ritratti come dementi depravati. La trama del film poteva essere anche accattivante, tanto era intrigante l’idea di sfruttare le catacombe di Parigi (si parla di km di cunicoli e labirinti sotto la città) come scenario per un horror, se i due pseudo registi-sceneggiatori non avessero ideato uno sviluppo a sorpresa tanto idiota da fare sembrare “Gossip” un opera di Alfred Hitchcock. Non solo. Il film è poi noiosissimo, di una noiosità tale da far pesare i suoi 100 minuti come 10.000, con la protagonista che si agita, corre, si ferisce, a volte inquadrata a volte no, in un buio che regna sovrano per un terzo del metraggio. Si potrebbe ipotizzare che Pyun e il suo “Adrenalina” hanno fatto scuola, ma sarebbe come confondere l’oro e il fango, soprattutto se il materiale pregiato che si usa come paragone tanto pregiato non è. Ma Pyun pur con i suoi tonfi resta regista interessante, cosa che il duo Coker and Elliot non sono né saranno mai. Colpo di grazia poi lo fanno le due attrici protagoniste, Alecia "Pink" Moore e Shannyn Sossamon, una più cane dell’altra. Ma se “Pink”è soprattutto cantante, la Sossamon resta imperdonabile, con il suo eterno sguardo da rozza bovina e il suo sex appeal da fattona che una volta può andare bene, ma sempre risulta irritante, pellicola dopo pellicola. Non dimentichiamo una regia modaiola e vergognosamente dilettantesca che confonde il casino per un ritmo veloce. Roba da uscire dopo venti minuti incazzati. Va bene l’Estate e i suoi fondi di magazzino, ma diamine che schifo! Il peggior horror del 2007 tanto per tenere la media di scelleratezza con il “Pulse” dell’anno scorso.

di Andrea "Il Bastarcontrario" Lanza

THE MESSENGERS

2007-07-08T13:59:00.000-07:00

The Messengers

USA 2007

REGIA

Oxide Pang Chun
Danny Pang

INTERPRETI

Graham Bell, Dylan McDermott, Penelope Ann Miller

SCENEGGIATURA

Mark Wheaton ,Todd Farmer (storia)

“The messengers” è il primo film americano di due registi orientali già molto occidentali nello stile, i fratelli Oxide e Danny Pang. Non è il loro film migliore certo, ma neppure il peggiore e rispetto ad altri autori emigrati nella cinematografia a stella e strisce i due se la cavano più che egregiamente. E’ una vittoria, al di là dei magri riscontri al botteghino, anche per la Ghosthouse di Sam Raimi che nel giro di poco tempo ha sfornato due piccoli gioielli del cinema horror come “The grudge 2” di Takashi Shimitsu e questo. Film che gli asiologhi con la puzza sotto il naso snobbano come peste così come facevano con il dittico Kill Bill di Tarantino, ma che si rivelano invece pellicole capaci persino di sorprendere. Certo, a livello narrativo per il film dei Pang siamo davvero a risultati sconfortanti: il plot ricicla senza pudore “Oscure presenze a Cold creek” per mescolarlo con l’”Espinazo del diablo”, ma è emotivamente, a livello epidermico, che il film è eccezionale. Chi conosce i due fratelli orientali sa come le loro storie siano il più delle volte scuse per mostrare un talento visivo non ordinario che trova il massimo sfogo in quel manifesto esteticamente antonioniano che è lo splendido “Ab-normal beauty”. “The messengers” regala genuini momenti di terrore e molte scene d’antologia: basti pensare a quando la ragazza chiede al bambino dove siano i fantasmi non accorgendosi che uno è già dietro lei. E per chi si lamenta di sterile maniera la scena finale con il colore che passa al bianco e nero, col passato che contamina il futuro, è difficilmente dimenticabile. Stride è vero un lieto fine quasi da mulino bianco, ma i due registi si sono già dichiarati incolpevoli: in un recente numero di “Fangoria” hanno detto non riconoscono completamente il loro film distrutto da un montaggio scellerato. Fatto sta comunque che “The messengers” non sarà sicuramente una pietra miliare del cinema horror, ma riesce a fare trascorrere senza noia e con qualche brivido queste afose serate estive. Non è poco credo.

di Andrea Lanza

TRANSFORMERS - DECEPTICONS REVIEW

2007-07-02T16:54:00.000-07:00

Transformers

UK 2007

REGIA

Michael Bay

INTERPRETI

Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Jon Voight, John Turturro

SCENEGGIATURA

Roberto Orci e Alex Kurtzman

Michael Bay è stato negli anni 90 marchio di garanzia per uno spettacolo avvincente, superficiale, ma confezionato molto bene. Eh sì perché a discapito dei suoi detrattori il Signor Bay è molto bravo con la macchina da presa, basti vedere le sparatorie del mediocre “Bad boys 2” o i tanti inseguimenti con le auto delle sue opere. Roba che prese singolarmente potrebbero mangiarsi a colazione un “Miami vice” di Mann senza tanti problemi. Ma il problema è che Michael Bay invecchiando si è ancor meno interessato delle sceneggiature già flebili che contraddistinguevano le sue prime opere. E così una buona idea di partenza come “The island” veniva buttata via da una regia come sempre virtuosistica ed efficace, ma non servita da una sceneggiatura all’altezza neanche di un B movie con Sascha Mitchell. “Transformers” è se è possibile, ancora peggio del peggio di Bay. Dopo un buon inizio che ricorda vagamente il capolavoro di “Starship troopers” di Verhoeven il film precipita nel mediocre più assoluto. Tutto è messo lì alla rinfusa, Bay si appassiona all’immagine come un Vanzina dei bei tempi, ma si disinteressa completamente della storia, dei personaggi, della continuità degli eventi. Il pastrocchio mischia senza pudore i teen movie anni 80 alla Matthew Broderick con l’immaginario dei cartoni animati di robot, senza risparmiarsi il solito inseguimento dal sapore di maniera. Ma è cinema, dispiace dirlo, spazzatura, poteva andare bene per le produzioni Cannon a zero budget, ma un tale dispiegamento di attori e soldi fa quasi rabbia. Che senso ha scritturare un attore come John Turturro per un micro ruolo inutile? O abbandonare senza motivo due personaggi principali per poi riprenderli due ore dopo come se nulla fosse successo? Il film è dilettantesco, fastidioso nella sua stupida retorica e assassino nel durare tre lunghissime e noiose ore. Il finale poi con questi robot che si colpiscono e demoliscono palazzi senza uccidere nessuno è micidiale. Il colpo di grazia (o la ciliegina da cinema trash) però lo fanno i dialoghi. Dopo avere messo in bocca a questi robot frasi del tipo “Ehilà fratello sei ganzo” regala almeno dieci minuti di non dialoghi tra i due antagonisti cibernetici. Roba del tipo “Io sono il bene e tu sei un cattivone perciò devi morire” e risposta con risata annessa alla Mazinga Z. Finale all’altezza con il resto. Il bene vince sul male (ma qualcuno aveva dubbi?) e la Camaro robot chiede ai suoi soci di poter rimanere sulla terra a difendere il suo giovane protetto. Ma perché mai? La scena dopo ci mostra tutti i trasformer intenti a spiare come dei voyeur il protagonista intento ad amoreggiare con la sua bella. Non dovevano partire? Mah. Arrivederci a “Transformer 2”.

di Andrea Lanza

TRANSFORMERS - AUTOBOTS REVIEW

2007-07-02T16:52:00.000-07:00

Transformers

UK 2007

REGIA

Michael Bay

INTERPRETI

Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Jon Voight, John Turturro

SCENEGGIATURA

Roberto Orci e Alex Kurtzman

E anche i Transformer c'è li siamo tolti di torno! In pieno revisionismo hollywoodiano, sotto la grande guida del dio CG, prima o poi la guerra civile tra gli Autobots e i Decepticons sarebbe approdata sul grande schermo. Non c'è da vergognarsi nel sentirsi come Elias di Clearks II. Se poi il film funziona come in questo caso tanto di cappello alla coppia Bay - Spielberg e al loro coraggio. Perchè diciamolo la cosa più difficile è rendere credibile un format come quello dei pupazzoni della Hasbo in un contesto sempre più autorevole come quello cinematografico.
Neanche la fama del regista, mezzo uomo mezzo tamarro, come Michael Bay è di grande aiuto. Bastava fare un giro per la rete per scoprire quanto la gente odia questo regista; di solito il suo nome è accostato a un figurina che vomita. Peccato, perchè Bay i film li sa girare. Certo è innegabile il fatto che il suo cinema si riassume in zero trama, poche battute, tante esplosioni e molti tramonti. Ma basta e avanza per un film che ha come protagonista un mega robot di nome Optimus Prime. Quindi il gioco è fatto. No, perchè come nei migliori thriller, i transformer inganna e sorprende: chi avrebbe mai detto, dopo aver visto tantissimi trailer ultra-pompati, che il film dia il meglio di sè, quando la scena si sposta fuori da un contesto action. Inspiegabile per un film su i Transformer, figuriamoci per un film di Bay. Eppure è così, la prima parte tutta ironica e auto-citazionistica è la cosa migliore del film, complice uno script praticamente perfetto di Orci e Kuzman (gli uomini che non ti aspetti), applicato alla perfezione da uno straordinario talento come Shia Le Beouf: appena ventenne è già una presenza scenica importante. Peccato solo che questi momenti vengano alternati con le scene dei soldati in Medio Oriente: molta azione e tanta banalità (non si sa perchè per Bay un personaggio impostato deve essere per forza anche noioso) insomma pura accademia per il regista californiano.
E incredibile anche come il film ritardi le attese senza subirne alcun danno. Momenti che una volta passati velocemente, ti mancheranno, quando il film comincerà ad essere quello per cui era nato. In effetti nella seconda metà perde tutta l'ironia,. teorizza velocemente qualche concettino, prende una piega pratriottica e delude non poco chi per un ora era stato ingannato che questo film potesse essere qualcosa di diverso da un traboccante blockbuster. Poco male comunque perchè per l'ultima mezz'ora il film si trasforma (scusate il gioco di parole) nel giocattolo fracassone che piace tanto a Bay e che difficilmente deluderà gli appassionati: orde di Robot metallizzati che luccicano al sole, che se le danno di santa ragione al ritmo mezzo secondo a inquadratura. State solo attenti alle convulsioni.
Per concludere va detto, anche se è calibrato male e di certo non potrà mai soddisfare il palato fine di chi cerca in un film "d'autore", i Transformer è un film che può regalare non poche sorprese se si prende per quello che è, un grande passo avanti per un genere che si stava saturando.

di Daniele Pellegrini

FOLLIA

2007-06-24T19:21:00.000-07:00

Asylum

UK 2005

REGIA

David McKenzie

INTERPRETI

Natasha Richardson,Ian McKellen,Marton Csokas,Hugh Bonneville

SCENEGGIATURA

Patrick Marber,Chrisanthy Balis,Patrick McGrath(romanzo)

Esce con notevole ritardo Asylum(Follia il titolo italiano),diretto da David MacKenzie che sapientemente tiene conto del fatto che il film è tratto da un complesso romanzo di Patrick McGrath e cerca di fare tesoro dalla maniera di trasporlo scelta da Cronenberg in Spider. Qui la storia però è sensibilmente diversa e quindi,se la messa in scena può sembrare simile,non lo è la struttura del dramma. Siamo sempre dalle parti di matti in manicomio ma qui si tratta di una giovane moglie di un ambizioso psichiatra(Natasha Richardson)che fa fatica ad ambientarsi alle regole del nuovo posto di lavoro del marito,un austero manicomio tenuto da un gruppo di baroni della medicina. Si farà trascinare dalla passione per un paziente dell'ospedale che ha ucciso la moglie per una ossessionante eccesso di gelosia. McKenzie ce la mette veramente tutta e non si può negare sia stato coadiuvato dall'ottimo lavoro della protagonista che dà anima e corpo alla
causa,così come il sempre immenso Ian McKellen. Tuttavia il lavoro di McKenzie è anonimo e geometricamente troppo preciso per l'irregolarità del dramma di follia in cui precipita la protagonista. Va a finire che non si rimane mai completamente soddisfatti e più si avanza nella storia e meno ci si sente presi dalle tiepide fisse della donna. Poi un po' di sesso non scandalizza più nessuno.

di Gianluigi Perrone

LA CITTA' PROIBITA

2007-06-11T15:42:00.000-07:00

Man cheng jin dai huang jin jia

HK,CINA 2006

REGIA

Zhang Yimou

INTERPRETI

Chow Yun Fat, Gong Li, Chou Jay, Liu Ye

SCENEGGIATURA

Zhang Yimou,Yu Cao

Non si può negare a Zhang Yimou,oltre che di avere talento,di essere un cineasta attento alle proprie scelte produttive. Dopo due film di successo come Heroes e La Foresta dei Pugnali Volanti,era rischioso ripetersi con questa occidentalizzazione commerciale del wu xia che aveva ormai stancato e fatto storcere il naso soprattutto agli estimatori del genere. Quindi dirige un film apparentemente più piccolo ma con mezzi ugualmente elevati se non superiori,realizzando quella che per ogni cittadino cinese mainlander e non è più che una impresa:girare all'interno del Gugong,l'immenso palazzo dell'imperatore nel cuore di Pechino,ettari ed ettari di maestosità che ne fanno il più grande edificio del mondo. Qui,durante la fine della dinastia Tang ed il declino dell'era imperiale,si vivono intrighi familiari degni di una Versailles asiatica,in cui nessuno ama nessuno e tutti si odiano. La figura dell'imperatore,Chow Yun Fat,ne esce malissimo. Un personaggio salito al potere nel sotterfugio che tenta di avvelenare lentamente la moglie che
tacitamente acconsente a questa morte difronte alla disgregaione familiare. I figlio odiano il padre per quell'essere disprezzabile quale è e un segreto si nasconde dietro la dinastia. Chi muoverà guerra contro il potere verrà schiacciato sia militarmente che letteralmente,atroce la scena in cui il figlio minore viene frustato a morte. Il film è molto più vicino al melò classico di quanto abbia mai fatto Zhang e si intrattiene molto sulla folle disperazone dell'imperatrice,una manieristica Gong Li,che appascisce ogni giorno che passa come il prepotente e corrotto potere costituito che rappresenta e stride in mezzo allo sfarzo volutamente esagerato(ma era così)che impera nella Città Proibita. Zhang fa e dice esattamente il contrario di quello a cui ci aveva abituato ultimamente ma non lesina con combattimenti incredibili che però non sono l'unica sostanza del film,per fortuna. C'è da riflettere sull'enorme quantità di guerra che sta ritornando sui grandi schermi,che sia nel 10° secolo in Cina,nel 73 a.C. in Grecia o la Seconda Guerra Mondiale.

di Gianluigi Perrone

THE DARWIN AWARDS

2007-06-09T07:40:00.000-07:00

The Darwin Awards

USA 2006

REGIA

Finn Taylor

INTERPRETI

Joseph Fiennes,Wynona Ryder,Chris Penn,David Arquette

SCENEGGIATURA

Finn Taylor

Avete presente quella storia che racconta Randall a Dante del cugino morto mentre si succhiava l'uccello da solo in Clerks? Quello sarebbe stato un potenziale Darwin Award. Si tratta di una faccendaa nata su internet in cui si prendevano i casi di morte accidentale più curiosi e gli si dava il premio. L'idea(cinicissima)era che questa gente aveva compiuto delle azioni talmente idiote che la loro scomparsa era un toccasana per l'evoluzione dell'umanità. Più che un premio è una diffamazione! L'idea di farci una commedia non è neanche malaccio perchè basta prendere un po' di questi
fatti e organizzarli ad arte per dargli un filo logico. Questo quello che avrebbe dovuto fare Finn Taylor ma che invece non realizza. La storia è quella di un investigatore super intuitivo che da indizi banali riesce a capire cosa è successo in un evento(un po' come il metodo deduttivo di Sherlock Holmes ma inverosimile)e siccome non sopporta la vista del sangue viene licenziato dalla polizia e cerca lavoro in una compagni assicurativa. C'è la collega(Wynona Ryder)che è la sua collega che prima critica il suo essere nerd e poi si innamora si lui e tutte le banalità del caso. Ci sono delle forzature in The Darwin Awards che spesso sono insopportabili. Gli stessi incidenti non sono verosimili,sono talmente delle cazzate enormi che non c'è la minima ombra di un lavoro di sceneggiatura accurato. Notare che nel film si nota che siano i secondo geniti ad essere predisposti ai Darwin Awards ed infatti nel film c'è Joseph Fiennes che è il fratello sfigato di Ralph Fiennes,il fratello con il talento,e la stessa cosa per Chris Penn,che però non aveva avuto la stessa fortuna ma non aveva nulla da invidiare in quanto a bravura al fratello Sean. Questo è stato il suo ultimo film. Per ultimo.Taylor ha cercato pateticamente di dare un senso di metacinema mettendoci un cameraman nel film che filma i nostri protagonisti. Totalemente senza senso.

di Gianluigi Perrone

A PROVA DI MORTE

2007-06-08T03:37:00.000-07:00

Death Proof

USA 2007

REGIA

Quentin Tarantino

INTERPRETI

Kurt Russell,Rosario Dawson, Sydney Tamiia Poitier, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd

SCENEGGIATURA

Quentin Tarantino

Scostiamo ogni dubbio: Grindhouse (“Death proof”) è un film terribilmente imperfetto, ma, anche per questo, esperienza quasi unica e emozionale. Non siamo davanti ad un capolavoro come poteva essere per Le iene, Pulp fiction o il dittico Kill Bill, ma in un divertissement che trasuda amore per i generi, quasi in un esplosione orgasmica incontrollabile che risulta rivoluzione al pari di un “A bout de souffle” di Godard. Certo il cinema tarantiniano è all’apparenza diverso, fottutamente in antitesi con la nouvelle vogue godardiana, ma l’anima è sempre quella snobista che mastica celluloide fin dai manifesti nelle camere dei protagonisti per diventare metacinema intellettuale. Se Godard ne “Il disprezzo” parla di cinema grazie a registi e a produttori, l’attenzione di Tarantino è spostata nella “Manovalanza”, i cascatori, le comparse che silenziosamente fanno il lavoro più grande e sotterraneo per le produzioni. Stundman Mike è l’anima più nera di questi bastardi reietti, ha dato il viso per quei film e ora il suo grido di protagonismo,dopo anni di anonimato, sfocia nel sangue. Ma, genio di un Tarantino, anche in questo caso il personaggio del killer è contorno alla vicenda, il geocentrismo del regista è nel gineprio femminile, come già ai tempi nel discontinuo “Jackie Brown”. Il mondo delle donne è il fulcro che muove e attira le persone come mosche, qualcosa di così ermeticamente poetico da essere quasi una sorta di James Ivory cresciuto tra le gang del bronx perché dietro all’infinità di “cazzo” e “pezzo di merda” si nascondono ritratti non banali di donne in amore. Kurt Russel è splendido, ma nel complesso tutti gli attori fanno la loro bella scena, compresi anche i non attori, la stessa “manovalanza” eretta a protagonista del film con Zoe Bell, controfigura di Uma Thurman in “Kill Bill”. Tarantino dietro gli effetti vintage riesce a fregare tutti, spaccia per exploitation quella che non è, in un contesto liquidato frettolosamente dal Mereghetti come “chiacchere e inseguimenti”. Non ci sono nudi sbattuti in faccia allo spettatore né morti nei primi quindici minuti (per dirla alla Corman), ma dialoghi infiniti scritti da Dio e violenza centellinata col contagocce. Che exploitation avrebbe mai potuto essere questo? In questo mondo dove Sergio Martino sui mischia con Burt Reynolds dove il retrogusto misogino diventa vendetta uterina femminista il divertimento è solo per chi sa ancora apprezzare un film per le sensazioni che realmente da. Gli altri possano pure piangere come femminucce o sputare sangue come maiali. Le ragazze di Faster Pussycat Kill! Kill! risorgono dopo più di trent’anni in queste immagini regalandoci uno dei finali più lunghi e selvaggi degli ultimi anni. Roba quasi da non crederci quando il piede pietoso e virginio di Rosario Dawson perde la purezza nel sangue. Wow!

Nota a margine: La versione visionata è quella più lunga di venti minuti. Sostanzialmente non cambia granché dal girato originale. Erano restati fuori alcuni dialoghi, una scena dove “Butterfly” andava a pomiciare in auto con uno dei ragazzi e una lunga sequenza dove Stundman Mike incontra le altre ragazze in un parcheggio. Questa si può definire la più interessante perché Tarantino come in “Kill Bill volume 1” azzera il colore e mostra la psicopatia sotterranea del personaggio di Russel.
Questi prima odora i piedi di una Rosario Dawson semi addormentata poi frega la sua barba contro di essi svegliandola di soprassalto. Il feticismo tarantiniano per i piedi è celebre dai tempi di Bridgette Fonda e “Jackie Brown”. Se si pensa poi che il film inizia con un paio di piedi inquadrati per lunghi minuti si possono tirare le somme sulle fantasie erotiche del regista. Ma la cosa importante è un’altra: quando mai apriranno in Italia i Big Kahuna Burger? Li vogliamo quei fottuti panini hawaiani.

di Andrea Lanza

HARSH TIMES - I GIORNI DELL'ODIO

2007-06-07T04:29:00.000-07:00

Harsh Times

USA 2005

REGIA

David Ayer

INTERPRETI

Christian Bale, Freddy Rodriguez, Eva Longoria, Chaka Forman, Tammy Trull, J. K. Simmons, Michael Monks, Samantha Esteban, Tania Verafield

SCENEGGIATURA

David Ayer

Jim Davies (Christian Bale) , veterano della guerra del Golfo, torna nella nativa Los Angeles intento a trovarsi un dignitoso lavoro da federale nell’ L.A.P.D., per poi riuscire a sposare la propria fidanzata messicana (Tammy Trull). Tormentato da continui incubi di morte, retaggio dell’esperienza in Afghanistan, non riesce però ad entrare a far parte delle forze dell’ordine. Nel frattempo, Jim bighellona con il ritrovato amico Mike (Freddy Rodriguez), anche lui perdigiorno ad insaputa della propria fidanzata avvocato, Sylvia (Eva Longoria). Le loro scorribande si barcamenano tra sostanziose bevute, infiniti consumi di marijuana, piccoli furti ai danni di spacciatori da quattro soldi, ecc., sollecitando gradualmente la residua bramosia violenta di Jim, il quale conduce l’amico Mike in una inesorabile, letale spirale di autodistruzione.
HARSH TIMES segna il debutto dietro alla macchina da presa di David Ayer, sceneggiatore di film mainstream come FAST AND FURIOUS, S.W.A.T., ma soprattutto TRAINING DAY di Antoine Fuqua, con cui il suo primo lungometraggio condivide la realistica mise en scéne (ampio ricorso a primi piani sui visi degli attori, largo spazio a dialoghi) e la veridicità del degrado profuso dalla zona sud-est losangelina, con dovuto corollario di malavita e disagio esistenziale. Forse le assonanze si fermano qui, perché se TRAINING DAY era comunque un action movie ad alto budget, sin troppo patinato e moralistico a tratti, HARSH TIMES vanta la genuina credibilità di un cinema indie, scevro di estetismi ed inutili abbellimenti. Da un versante il film (girato in Super 16 mm) privilegia della stessa povertà del suo budget di due milioni di dollari, ma dall’altro paga pegno di una sin troppo dichiarata sgradevolezza, non tanto per la sporadica brutalità di alcune scene, quanto per la difficoltà di poter empatizzare con almeno uno dei due protagonisti. Jim, magistralmente interpretato da Christian Bale, qui anche produttore esecutivo, è sì un disagiato sul quale grava l’ipocrita e cinica acredine di un’intera Nazione che manda a morire i propri giovani in guerra, per poi togliere ai superstiti ogni possibilità salvifica di redenzione, (argomento già esplorato innumerevoli volte da pellicole come Rambo, Nato il 4 Luglio, ecc.), ma è anche un personaggio dalle connotazioni estremamente contraddittorie (l’amore per la propria partner, contrapposto alle scappatelle, l’inusitata passione per lo sballo, la misoginia, accentuata da un’attitudine fastidiosamente cocky, la fragilità di nervi, le incontrollabili esplosioni di violenza), davanti alle quali il fragile Mike non può che reagire come un’ automa. Non che sia un grave difetto di scrittura; di certo però la mancanza di una figura principale idealista e incorruttibile quale il poliziotto interpretato da Ethan Hawke nel film di Foqua, fungerà da deterrente ad un’ampia fetta di pubblico medio, desideroso di abbracciare un accomodante punto di vista “morale” e condivisibile . Anche lo svolgimento del plot è inusuale : la paranoia guerrafondaia di Jim viene introdotta e sviluppata dagli allucinati flashback del prologo, costituiti da frequenti flash visivi e jump cuts, da cui si dedurranno le sue devastate condizioni psicologiche. Per i restanti 2/3, il film è prettamente un resoconto del cazzeggio dei due amici, a metà tra uno Scorsese dei primi tempi ( WHO’S KNOCKING AT MY DOOR e MEAN STREETS su tutti), e un Cassavetes affascinato dalla cultura del ghetto ( il profluvio di slang vomitati nella versione originale – “homeys”, “bros”, “dude” su tutti- mettono a dura prova la sopportabilità di chiunque), prima di arrivare ad un epilogo inevitabilmente tragico. Ayer non riesce inoltre ad evitare alcuni topoi tipici delle pellicole del genere: la caratterizzazione dei messicani non esula dall’usuale enfasi monodimensionale con cui si focalizza lo squallore delle loro esistenze, costituite da sparatorie e traffici di droga; al contrario, il nichilismo da strada, la rabbiosa fatalità e il senso di isolamento di Jim vengono resi con impressionante e, come già visto, quasi urticante autenticità. Impossibile smettere di incensare la performance dell’eclettico Bale: da sola vale il prezzo del biglietto di un’opera prima particolare, imperfetta, ma comunque interessante.

di Francesco Furlotti

PIRATI DEI CARAIBI - AI CONFINI DEL MONDO

2007-06-03T11:26:00.000-07:00

Pirates of the Caribbean: At World's End

USA 2007

REGIA

Gore Verbinski

INTERPRETI

Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley , Geoffrey Rush, Jonathan Pryce, Bill Nighy, Chow Yun-Fat, Tom Hollander, Stellan Skarsgård, Kevin R. McNally, Mackenzie Crook, Lee Arenberg, Martin Klebba, Keith Richards, Naomie Harris

SCENEGGIATURA

Ted Elliott, Terry Rossio

Terzo e conclusivo (si spera) episodio della Walt Dysney dedicato al mondo picaresco creato da Verbinsky. Torna nel bene e nel male tutta la compagnia che abbiamo imparato a conoscere nei precedenti episodi.
L’odioso Lord Beckett portavoce dell’imperialismo più sfrenato -vedi la Compagnia delle Indie Orientali- intenzionato a “disinfestare” il mondo dall’orrida piaga dei pirati, il tenace Will (Orlando Bloom) dall’espressività di una cassapanca, deciso a tradire le persone a lui care pur di salvare il povero padre “dannato”. La bella Elisabeth (Keira Knightley) sempre più magra ed incazzata che mai, altro che le businesswoman di oggi, farà strada la signorina piratessa…(questa la capite dopo aver visto il film).
Il pirata Barbossa sconfitto nel primo film torna alla fine del secondo in versione zombi (anche se non si nota la differenza) riesumato dal mondo delle ombre ad opera della dea dei mari Calypso, pronto a riunire un consiglio di super pirati per opporsi alle mire espansionistiche della succitata Compagnia delle Indie bla bla bla...
Prima di tutto però, bisogna recuperare la star: Capitan Jack Sparrow (Johnny Depp) finito nelle fauci del Kraken alla fine del secondo episodio.
L’avventura inizia in quel di Singapore ritratta come una fogna di Calcutta, dove i nostri allegri e zozzi pirati dovranno recuperare (rubare) una mappa al temibile Capitan Sao Feng (Chow yun Fat, cosa si è ridotto a fare…) pirata con più cicatrici di Marilyn Manson, anche lui invischiato in questo gioco di potere vero fulcro di questo terzo film.
Ovviamente all’appello non manca il soprannaturale vascello Olandese Volante comandatao da Davy Jones, metà uomo e metà polipo, condannato a solcare i mari per l’etrnità un po’ come succede Capitan Findus.
Come avete capito questa volta le carte in tavola sono tante, forse troppe, infatti pare essere proprio questo il punto debole del film. Troppo corto per narrare al meglio ogni singola sottotrama (una mini serie sarebbe stata la cosa più saggia) e troppo lungo per un film di puro intattenimento.
In alcuni momenti la sceneggiatura corre impazzita dando luogo a situazioni quasi ridicole (vedi il risveglio della Dea Calypso) o i “solos”schizzati di Jack Sparrow degni di un film di Gilliam, ma dannatamente avulsi dal contesto e spiazzanti per continuità del film. Tanta carne al fuoco insomma, personaggi che compaiono e scompaiono senza una motivazione e situazioni che definire becere è poco, nonostante ciò il film diverte in virtù di un apparato scenico di grande livello.
Gli effetti speciali della Industrial Light And Magic e della Digital Domain fanno la differenza, soprattutto nel caotico finale dove i vostri occhi verrano spazzati via dalla maestosità degli scontri navali, un turbinare di acque in tempesta, di cannonate, spadate, pistolettate, esplosioni e chi più ne ha ne metta, da lasciare senza fiato anche uno spocchioso esigente come me.
Inutile cercare altro come ho letto in giro, il tema del viaggio inteso come scoperta/crescita, un percorso iniziatico costruttivo e le sue dirette consegenze…
Certo, è un film della Dysney non vi aspettavate mica una gang bang con Keira Knightley vero?
Soddisfacente conclusione di questa saga che mette indiscutibilmente la parola fine lasciando però un finale decisamente aperto. Difficile fermare un brand che incassa così tanto, ho l’impressione che rivedremo molto presto lo stralunato Sparrow e la sua Perla Nera all’orizzonte.

di Marco Figoni

HOSTEL 2

2007-06-02T12:34:00.001-07:00

Hostel 2

USA 2007

REGIA

Eli Roth

INTERPRETI

Lauren German, Roger Bart, Heather Matarazzo, Bijou Phillips, Richard Burgi, Vera Jordanova

SCENEGGIATURA

Eli Roth

Eli Roth colpisce nel segno, il simpatico e giovane regista firma il seguito del suo HOSTEL, film che non brilla certo per timbro registico né per una storia particolarmente evocativa, ma si inserisce nel filone del puro entertainment!
Anche questo secondo capitolo è divertimento puro ma con un sorriso nel volto non si può negare che il giovane regista made in Boston abbia dato il meglio, arricchendo il film di un’ atmosfera unica e ovviando a tutte le mancanze che si notavano nel primo Hostel.
Vari stili cinematografici si accavallano durante la visone, si passa dalle atmosfere dei gialli del cinema bis Italiano a un sentore horror anni’80 Americano con dei tocchi, direi stupefacenti, al cinema che tratta epopee di guerra: è incredibile ma alcune sequenze fanno pensare a momenti catartici di alcuni classici film sulla guerra. Se ne parlava da un secolo dei tre di volti noti del nostro amato cinema che fu, voluti dal produttore mister Quentin Tarantino: si tratta della tutt’ora affascinante Edwige Fenech, che interpreta per pochi secondi un’insegnante Italiana di storia dell’arte, di Luc Merenda (che si pronuncia “Merendà” dato che è Francese, qui i prodotti del Mulino bianco non c’entrano nulla) che interpreta un commissario di polizia Italiano e nientemeno che il re dei cannibalici, il signor Ruggero Deodato, che farà una parte auto ironica, ossia di un Italiano pazzo e cannibale! Sequenza che ricorda il caro Hannibal Lecter oltre che WAXWORK, un famoso horror anni ’80. A dire il vero il film si svolge nei paesi dell’est, per l’Italia si passa solo, quindi niente spaghetti, pizza et similia per Hostel II, ma solo un simpatico “cameo” della culla dell’arte e di un cinema di grande prestigio, ormai ahimè andato perduto, oltre a dei ragazzi italiani che in un treno cantano “ullale ollalla faccela vedè faccela toccà” in pieno stile coatto Italiano.
La messa in scena con sentori di altri generi cinematografici da una sferzata molto particolare al film, una sensazione che unita agli ambienti spesso puliti e asettici (si respirano a tratti atmosfere care a David Cronenberg) crea bruschi passaggi emozionali durante la visione. Un disorientamento che condito ad un’attenzione per i dettagli barocchi, pacchiani e kitsch negli arredamenti e nelle scenografie crea una sorta di atmosfera morbosa, malsana, che si integra alla perfezione con scene che ci mettono di fronte alla follia più pura, bellissima la sequenza in cui una delle vittime del simpatico club viene truccata da una vecchia pazza senza un dente, quasi un’ istantanea di un circo di freaks psicopatici.
Per quanto riguarda l’amico rosso, le viscere e compagnia bella, insomma lo splatter, in HOSTEL II non mancano affatto, anche se è meno incisivo, forse grazie alla varietà delle situazioni cruente. Fermi tutti, gli amanti della carne non rimarranno delusi, ci sono alcune scene, soprattutto verso il finale, che fanno seriamente pensare a come cazzo la censura non abbia imposto i tagli! Resta il fatto che se il primo HOSTEL aveva la sua attrattiva quasi esclusivamente per il gore, questo secondo capitolo è valido anche per gli altri aspetti di cui scrivevo prima. Eli Roth fa una lavoro che mi sento di promuovere a pieni voti all’interno del suo ambito! Inoltre aggiunge un cast femminile che è da manicomio, le fanciulle sono forse esageratamente belle, in certi momenti rischiano di distogliere l’attenzione dagli eventi.
Sequel che meglio di così non poteva essere fatto.
Il signor Eli Roth è promosso a pieni voti! Applausi!

di Davide Casale

ZODIAC

2007-06-01T07:37:00.000-07:00

Zodiac

USA 2007

REGIA

David Fincher

INTERPRETI

Robert Downey Jr., Anthony Edwards, Jake Gyllenhaal, Pell James, Patrick Scott Lewis, Lee Norris, Bijou Phillips

SCENEGGIATURA

James Vanderbilt

Di film che narrano le gesta del killer dello zodiaco ce ne sono sempre stati: dai capolavori (“Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo” di Don Seagal) alle aberrazioni più invereconde della cinematografia mondiale (“Zodia killer” di Ulli Lommel). Ma nessuno di questi film ha mai avuto la stessa potenza scura nel delineare il bene e il male, il confine tra chi viene ucciso realmente e chi lentamente muore nell’interessarsi alla morte. Il ritorno di David Fincher al thriller è segnato da un film all’apparenza studiato a tavolino, ma in realtà maturo e personale. “Zodiac” non è la solita pellicola sui serial killer, è una storia di un’ossessione quasi amorosa tra due detective e un assassino. Quello che a Fincher, a distanza di secoli da “Seven”, interessa non è più il facile effetto a sorpresa o il grandguignol marcato, è la ricerca del sapere, della verità, della conoscenza assoluta. Sia un delitto o Dio, sia un massacratore di coppiette o un emissario dalle fattezze di un Verbal Kane sardonico, il conoscere è l’impulso primario che muove i personaggi ad agire. In questo si può definire “Zodiac” un film intimista perché si sofferma nel privato dei suoi antieroi, lontani dall’etica machista callahiana di “Scorpio” di Don Seagal. Sul piano tecnico il film è strabiliante, soprattutto nel concepire le aggressioni del maniaco in modo assolutamente antispettacolari, ponendo anche qui l’attenzione non sul killer, ma sulle sue vittime. L’impianto è documentaristico, ma sa appassionare, terrorizzare persino in un paio di scene di tensione molto ben studiate. Il film parte dal 1968 anno in cui il killer iniziò la sua carriera e si sposta di capitolo in capitolo non solo a raccontare le sue gesta, ma anche la storia americana che ne fa da cornice. Il cast è ottimo dal sempre troppo sprecato Mark Ruffalo al sottotono Jake Gyllenhaal senza dimenticare grandi “vecchi” come Brian Cox e Robert Downey Jr. Il film è stato comunque un flop tremendo in America, ma se il tempo vorrà sarà adorato negli anni. Come dimenticare l’insuccesso di “Fight club” e ora il suo stato di cult estremo? Certo che dopo schifezze inenarrabili come “Panic room” “Zodiac” arriva come un fulmine a ciel sereno. Da vedere.

di Andrea Lanza

BREACH - L'INFILTRATO

2007-05-31T04:29:00.000-07:00

Breach

USA 2006

REGIA

Billy Ray

INTERPRETI

Chris Cooper, Ryan Phillippe, Laura Linney

SCENEGGIATURA

Adam Mazer, William Rotko, Billy Ray

Che strano regista Billy Ray, quasi un feticista dei personaggi bizzarri che ogni tanto si affacciano qua e là nelle cronache giornaliere. Prima ha stupito il mondo con l’ottimo “Shattered Glass” (da noi uscito con il nome di “L’Inventore delle Favole”) ed adesso con questo spy-movie dal sapore antico. Il film è tratto da una storia vera e racconta le vicende di Robert Hanssen, una spia doppiogiochista, e dell'uomo che lo deve incastrare. Piccola premessa: scordatevi gli inseguimenti alla Jason Bourne o le acrobazie impossibile di Ethan Hunt, in the Breach non vedrete nessuna esplosione, nè sparatorie, nè tanto meno improponibili gadget. Di per se il fatto può essere un vanto per il film ma anche una grave perdita specialmente nei momenti in cui il film non fa altro che ripetere gli stessi concetti. Nulla di così imperdonabile, sia chiaro, the Breach è un ottimo film, però gestito male ed a fasi alterne. Ma la cosa che più colpisce del film di Ray è quando comincia ad indagare sulla duplice personalità di Hanssen, da una parte spia e maniaco sessuale (un gran porcellone !), dall'altra patriota e cattolico. La domanda quindi non è da quale parte sta Hanssen, ma quale sia e se c'è una differenza tra le due personalità, ed è qui che il film centra il bersaglio in pieno. Come se in realtà il film ci stia dicendo "dove è il limite di ciò che l'uomo può fare o essere". Naturalmente queste sono estrapolazioni della storia, che il più delle volte non si sposta dal essere una lineare spy-movie, con un solido finale che lascia qualche certezza e molti dubbi. Inutile dire che Chris Cooper è un mostro, ma si sapeva già da i tempi di “Stella Solitaria”, mentre la Linney continua ad essere una buona co-protagonista (ma non più di quello). Bravo anche Ryan Phillippe, anche se si ha sempre l'impressione che possa dare di più, peccato perchè dai tempi di “The Way of the Gun” non si è mai più ripetuto.

di Daniele Pellegrini

PREY - LA CACCIA E' APERTA

2007-05-28T20:05:00.000-07:00

Prey

USA,Sud Africa 2007

REGIA

Darrell Roodt

INTERPRETI

Jamie Bartlett, Conner Dowds, Bridget Moynahan, Marius Roberts, Carly Schroeder, Peter Weller

SCENEGGIATURA

Beau Bauman,Darrell Roodt

Ah,finalmente un film talmente pessimo da meritare il voto di n.p.,che non vuol dire "non pervenuto" ma "nessuna pietà!". Mi sembra strano che non abbiano sfruttato la faccenda di "tratto da una storia vera"...o l'hanno fatto?boh?Forse hanno preso spunto da quell'atroce video del tizio sbrabato dai leoni che gira su internet.Comunque probabilmente a qualcuno sarà
successo di ritrovarsi sperduto in mezzo alla giungla assediato dalle belve feroci. Fatto sta che la famiglia Newman al completo,esclusa la mamma che ha lasciato col papà che (mica fesso)si è messo con un'altra,mal sopportata dalla figlia adolescente(un intreccio pricologico inedito,eh?),è in vacanza in un paese esotico,probabilmente in Africa,e visto che non vanno tutti d'accordo,decidono di fare un bel safari. Malauguratamente vengono attaccati da dei leoni che gli sbranano la guida e rimangono assediati da questi per due giorni finchè non arriva il papà a riprenderli. Con questo film la carriera di Peter Weller se ne è andata definitivamente a puttane. Il fallimento di Prey sta nel fatto che i leoni sono una paura infantile praticamente inconcretizzabile,visto che non ci capita di vederli mai in giro,in più sono degli animali dall'aspetto regale e la deriva ecologista dei nostri tempi non ci permette di idealizzarli come nemici,nè come pericolo. Insomma non fanno paura. Però non è certo il primo eco-vengeance in cui ci si trova a che fare con animali inconsieti(pensate a Night of the Lepus)ma in quei casi c'era uno script solido dietro. Invece Prey è scritto veramente male,come pochi casi ultimamente. Oltre alla banalità e i patetismi,oltre ai dialoghi pericolosamente imbarazzanti,oltre questo c'è proprio una sequenza di eventi buttati lì senza motivo. Le presunte vittime fanno di tutto per mettersi nei guai e pur di far succedere qualcosa si accetta che la jella nera si sia accanita su di loro. Il resto è tutto tirato via. Un'opera inutile.

di Gianluigi Perrone

TURISTAS

2007-05-27T11:11:00.000-07:00

Turistas

USA 2006

REGIA

John Stockwell

INTERPRETI

Josh Duhamel, Melissa George, Olivia Wilde, Desmond Askew, Beau Garrett

SCENEGGIATURA

Michael Ross

Così sui due piedi a Turistas,così come a John Stockwell,non gli daresti due lire. Il regista si è specializzato in film di ambientazione balneare con i precedenti Into the Blue e Blue Crash,film mediocri a base di fresche acque,tiepidi brividi e bollenti bikini. Turistas ci porta in Brasile di seguito a un gruppo di vacanzieri assortiti che vengono a cercare divertimento,emozioni forti e sesso facile. Il solito incidente li dirotta su una strada che li porterà a scoprire che il brasile non
è solo chiappe che ballano freneticamente. Naturalmente l'esistenza di Turistas si deve al successo di Hostel e a un ritorno del tema del terrore in trasferta. Quello che c'è di buono,in Turistas,è che l'aria che si respira nella prima parte è assolutamente reale,ricorda sul serio l'atmosfera che si vive in vacanza all'estero,quando si fa amicizia facilmente e si scopa a destra a
manca,distruggendosi l'esistenza con l'alcohol. Questo punto di vista è ben sviluppato nei dialoghi e nella caratterizzazione dei personaggi....anzi delle "personaggie",visto che ci si ricorda delle donne,soprattutto di Melissa George,perennemente in due pezzi.Anche il fattore di thrilling,cioè un gruppo di trafficanti di organi, non è campato in aria come spesso succede. Forse non in brasile ma in Asia,tipo in Thailandia,è possibilissimo trovarci sotto il bisturi di un qualche macellaio. L'intenzione sarebbe di accusare in maniera lieve il fatto che molto spesso si va in paesi con fortissimi problemi vedendone il lato superficiale senza curarsi dei disagi che vivono gli autoctoni,per non dire di incentivarli(vedi turismo sessuale). Quello che non funziona è l'orologio nella testa di Stockwell che,quando c'è da passare all'azione tergiversa e se neva,letteralmente,in apnea. Una ottima premessa che lasciava ben sperare crolla su propositi non mantenuti.

di Gianluigi Perrone

SUNSHINE

2007-05-27T00:57:00.001-07:00

Sunshine

UK 2007

REGIA

Danny Boyle

INTERPRETI

Hiroyuki Sanada, Mark Strong, Benedict Wong, Cillian Murphy, Cliff Curtis, Michelle Yeoh, Troy Garity, Chris Evans, Rose Byrne

SCENEGGIATURA

Alex Garland

E’ il 2057 e il sole sta morendo.

Un gruppo di scienziati viene spedito nello spazio a bordo dell’Icarus II per sganciare una bomba nucleare in grado di riattivare il sole. In teoria.Cillian Murphy, attore feticcio di boyle, interpreta il ruolo di un fisico, Capa.
La costruzione della navicella è alquanto particolare, è preceduta da uno scudo protettivo che non permette ai raggi del sole di oltrepassarla.
All’interno vi è una sala di osservazione che vede alternarsi i membri dell’equipaggio per poter osservare il sole tramite uno schermo filtrato.
Pochi elementi originali per quello che sembra essere il solito film di fantascienza.
Sunshine conserva in partenza elementi classici ma finisce per mischiarli ai caratteri dell’action-movie e dell’horror.
Ne esce un ibrido che, seppur derivativo, è totalmente fuori dagli schemi.
Boyle modernizza la fantascienza contaminandola con altri generi.
Sembra di assistere ad un best of della cinematografia fantascientifica, da 2001 Odissea nello spazio in poi. Si cita tutto il citabile, da 2001, passando per Solaris, Dark Star, Babylon 5, Mission to Mars, fino ad arrivare al film cui Sunshine deve maggiormente : Event Horizon.
Quando l’Icarus II riceve una richiesta di soccorso lanciata sette anni prima dall’equipaggio della dispersa Icarus I il film di Boyle vira bruscamente sulle coordinate del film di Anderson (i sette anni sono infatti gli stessi trascorsi dall’analoga richiesta di aiuto dell’ Event Horizon, alla loro ricezione da parte della Lewis and Clark), se ne appropria e lo celebra.
Alex Garland, lo sceneggiatore, imprime anche qui il suo marchio di fabbrica.
Come in The Beach e 28 giorni dopo, divide il film in due tempi distinti e contradditori e racconta ancora una volta una storia sull’uomo, la sua natura, i suoi istinti e i suoi limiti, servendosi di materiale filmico già esistente.
La regia di Boyle è al servizio di Garland, i due autori vivono in simbiosi, lo stile derivativo e citazionista del primo si fonde e vive con quello iperrealistico e visionario del secondo.
Ciò cui si assiste è qualcosa di inedito ed avvolgente, un alternarsi di scene di rara bellezza (la sequenza della riparazione dello scudo, lo splendido finale) e di forte impatto visivo che catturano e accecano lo spettatore trascinandolo fino a fine visione.

di Alberto Viavattene

NOTTURNO BUS

2007-05-24T16:57:00.000-07:00

Notturno Bus

Italia 2007

REGIA

Davide Marengo

INTERPRETI

Valerio Mastandrea, Giovanna Mezzogiorno, Ennio Fantastichini, Francesco Pannofino,Roberto Citran

SCENEGGIATURA

Giampiero Rigosi,Fabio Bonifacci

E’ proprio carino questo NOTTURNO BUS, un film interessante nella sua semplicità, senza troppe pretese e manie di grandezza sebbene il soggetto non sia così lineare, un buon esordio per il regista Davide Marengo al lungometraggio. Ma presentiamo la trama innanzitutto, la quale è tutt’altro che lineare dato che mette in campo un unico punto fermo e nello stesso tempo sfuggente, ossia un microchip che deve arrivare in determinate mani con problemi e personaggi che vi ruotano attorno. Tutto ha origine dal piccolo oggetto e nell’aeroporto di Fiumicino si inceppa il meccanismo di scambio tra violenti faccendieri a causa di una coincidenza: uno dei “passamano” viene rapinato del portafogli e il microchip si trova all’interno del suo passaporto. Sempre casualmente si ritroverà inserito nell’intrigo anche un autista di autobus notturni, da qui il titolo, interpretato da un timido, vile, e senza speranza Valerio Mastandrea, che da prova di un’ ottima capacità recitativa impersonando un individuo non così facile da gestire. La ladra è un’ affascinante Giovanna Mezzogiorno, che inizialmente la vediamo in modalità ladra-truffatrice come femme fatale, ma poi si scoprirà essere una ragazza fragile e dal passato burrascoso. Altri co-protagonisti sono un duo dai tratti comico-grotteschi, dove l’accezione grottesca risiede nella contrapposizione delle differenti personalità dei due: un violento e chiassoso Francesco Pannolino in un ruolo che non si dimentica facilmente e un silenzioso e riflessivo, ma estremamente cinico, Roberto Citran, che da il volto a un personaggio apparentemente di contorno ma che completa e rende una persona sola il duo. Altro personaggio interessante è Matera, vecchio del mestiere di faccendiere in stile servizi segreti, saggio e freddo come il ghiaccio. Matera è interpretato da Ennio Fantastichino, il quale da vita ad una delle numerose sottotrame nel rapporto con la sua ex compagna, parentesi che spunterà più volte durante la visione e che da un tocco noir di pregevole fattura.
Davide Marengo gestisce il tutto con metodo ed è questo forse l’aspetto che brilla meno del film, le inquadrature, i movimenti di macchia a volte sono sbrigativi e spesso sono troppo da manuale, il regista non osa, se ne resta ancorato in uno stile abbastanza classico, anche nelle sequenze caratterizzate da giochi di luce e primi piani tipici dei canoni grotteschi. Probabilmente questo è dovuto al fatto che è il suo primo film e non gliene facciamo certo una colpa. Il risultato è comunque buono, il film scorre via non inceppandosi mai in punti morti e grazie alle buone recitazioni risulta all’altezza dell’intreccio.
Come dicevo prima se il regista avesse osato di più probabilmente il risultato sarebbe stato ottimo, ma c’è da dire che se le cose fossero andate fuori controllo, con un soggetto del genere si sarebbe rischiato il disastro. Film da vedere e da sostenere non solo perché è un buon prodotto, ma anche in considerazione di una rinascita del cinema di genere Italiano. Si, perché questo è proprio cinema di genere made in Italy.

di Davide Casale

SPIDERMAN 3

2007-05-23T20:00:00.000-07:00

Spiderman 3

USA 2007

REGIA

Sam Raimi

INTERPRETI

Tobey Maguire, Thomas Haden Church, Topher Grace, Kirsten Dunst

SCENEGGIATURA

Ivan Raimi, Sam Raimi, Alvin Sargent

Dopo 10 anni di ragnatele,costumi rossi,riprese a testa in giù,acrobazie in computer
grafica,gelati al gusto di senso del ragno,cattivi con le braccia estensibili,fidanzate mignotte e
una zia cacacazzi che tra una battaglia all'ultimo sangue ed un'altra vi dice che sono solo
problemi della crescita e milioni(forse miliardi)di fan inneggianti al motto "da un grande potere
derivano grandi responsabilità" voi come vi sentireste? Vi sareste rotti i coglioni. E probabilmente anche lui. No,non parlo di Peter Parker,lui sono quasi 50 anni che è in giro.
Parlo del mio buon vecchio amico Sam,che se qualcuno glielo diceva,quando stava girando
La Casa(anzi quando stava girando Between The Woods!)che mezzo lustro dopo(eh,gli anni
passsano)si sarebbe trovato a dover dare un finale decente alla trilogia del più grande eroe
dei fumetti che abbia mai messo piede sulle pagine della Marvel avrebbe sicuramente detto
qualcosa di tipicamente del Michigan! Sicuramente sarà stato bellissimo all'inizio,divertente
nel prosequio ma poi? Beh deve averle avute piene. Perchè mentre per noi sono le due orette
e mettiamoci pure tutti gli inserti speciali dei dvd,per lui sono un decennio di vita! C'è da
diventare aracnofobici! Tutto questo può sembrare un futile preambolo per giustificare che
Spiderman 3 è una merda ma non è così. Siamo sicuri che non ci vuole scienza per capire
che la sceneggiatura del terzo capitolo dell'Arrampicamuri è stata scritta coi piedi ma del
buono c'è,ed è negli intenti. A rifletterci bene,in S3 hanno infilato tutto quello che potevano
infilarci: Sandman perchè ci voleva il nemico classico con tanto di genesi(e quella è bellissima,non rompete)e redenzione,la crisi sentimentale,la fine della storia con il Globlin e conseguente riappacificamento(in extremis) con l'amico Harry,Venom che non ci poteva essere Spiderman se non si vedeva una volta Venom(e infatti lo hanno rovinato). Il tutto infilato come in un paninazzo malato preparato a notte fonda in preda a fame chimica. Doveva venire fuori una capolavoro di quelli che ti tolgono il fiato,che stai lì con le lacrime agli occhi o con il fiato sospeso e invece loro hanno voluto fare una cosa più umana. Sam,forte della libertà creativa che gli hanno conferito,fa un enorme show di effetti speciali,citazioni,divertimento sopra le righe,incredibili evoluzioni e sentimento. Non ci sono dubbi che Spiderman 3 faccia acqua da tutte le parti e fa venire l'orticaria ai fan del fumetto ma è evidente come che domani sorgerà il sole il fatto che si siano divertiti da morire. Se non bastassero J.K. Simmond e Bruce Campbell,coi loro siparietti,è impagabile la trasformazioni di Peter/Toby in Tonymaneroide di quarta categoria. Ci sono scene girate in una maniera perfetta,soprattutto quelle di lotta e quelle in cg mentre quelle di raccordo o di commedia sono evidentemente raffazzonate. Beh,in quelle si sono divertiti da morire! C'è una volontà nel lavoro di Raimi che è commovente. Questo film ha una sola maniera per rimanere per sempre nei ricordi di una persona e questa è entranci nel momento in cui è bambino,in quel momento in cui lo spettatore vivrà l'evento come qualcosa di indimenticabile. Sì,un film per i piccoli fan e per chi vuole vederlo con quegli occhi. Non a caso spesso ci sono dei bambini che commentano le azioni di Peter/Spidey(vedi il bambino che lo intima di non baciare Gwen). Se si lascia perdere veramente tutto e ci si immerge dentro questo incredibile spettacolo ci si renderà conto che Spiderman 3 è già un classico che rimarrà negli annali e Sam...è finalmente libero!

di Gianluigi Perrone